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Whitney Houston

2012-02-12T01:28:00.000-08:00

Whitney Elizabeth Houston (Newark, 9 de agosto de 1963 - Los Ángeles, 11 de febrero de 2012 ) fue una cantante estadounidense deR&B, pop y góspel, aunque también destacó como actriz, compositora, productora, empresaria y modelo. De acuerdo con Guinness World Records es, hasta la fecha, la artista más galardonada de todos los tiempos, con dos premios Emmy, seis premios Grammy, 30 premiosBillboard Music Awards, 22 American Music Awards, entre otros, con un total de 415 premios en su carrera. También es una de las artistas musicales con mayor venta de discos en el mundo, ya que ha vendido más de 170 millones de álbumes, sencillos y vídeos.2 Desde sus inicios se vio influenciada por destacados cantantes de soul como su madre Cissy Houston, sus primos Dionne Warwick y Dee Dee Warwicky su madrina Aretha Franklin. A los once años empezó su formación musical en un coro infantil de una iglesia en Nueva Jersey, pero su talento fue descubierto tiempo después por Clive Davis, presidente de Arista Records, en la época en que cantaba junto a su madre en clubes nocturnos de la ciudad de Nueva York.
Conocida como «The voice» («La voz») debido a su calidad vocal, Whitney llegó a la fama en 1985 con su álbum Whitney Houston, el cual vendió 30 millones de copias, y se convirtió en álbum debut con mayor venta por una intérprete femenina. En 1987 lanzó su segundo álbum de estudio el cual se convirtió en el primer álbum de una artista femenina en debutar en el número uno de los Billboard 200.
Houston obtuvo el récord de ser la mujer en estar más semanas en la primera posición de las listas de éxitos, con sus álbumes Whitney Houston, Whitney, Waiting to Exhale y la banda sonora de El guardaespaldas, durante 50 semanas. En total lanzó siete álbumes de estudio, tres bandas sonoras, varias compilaciones y 53 sencillos, de los cuales, once fueron número uno en el Billboard Hot 100. El más notable es "I Will Always Love You" publicado en noviembre de 1992, el cual se convirtió en el sencillo más vendido por una artista femenina en la historia de la música. También fue número uno en 32 países y la hizo merecedora de dos premios Grammy y seis Billboard Music Awards.
Su carrera ha influenciado en la de varios otros artistas, como Christina Aguilera, Céline Dion, Alicia Keys, Britney Spears, Nelly Furtado y otros cantantes de música R&B. En 2001 firmó el contrato con el salario más alto de la historia, por 140 millones de dólares con la discográfica Arista y, en el año 2004, la banda sonora The Bodyguard entró en el puesto número 3 de los 100 álbumes más vendidos de todos los tiempos (con un promedio de 48 millones de copias).
Incursionó en el cine en el año 1992 con la película El guardaespaldas. Luego, en 1995 con la película Waiting to Exhale y, por último, en The Preacher's Wife. Como productora, produjo Cinderella (TV), The Princess Diaries (Película), The Princess Diaries : Royal Engagement(Película), The Cheetah Girls (Película), The Cheetah Girls 2 (TV) y The Cheetah Girls (TV).

A la edad de once años, comenzó a formarse como vocalista en el coro góspel infantil de la iglesia "New Hope Baptist" de Newark, New Jersey, y, más tarde, acompañaría a su madre en los conciertos. Aunque de religión bautista, estudió en un instituto de secundaria católico. Después de aparecer en el álbum de 1978 de su madre, Think It Over, empezó a hacerle los coros a otros intérpretes reconocidos, tales como Chaka Khan, Jermaine Jackson, y Lou Rawls. A los 16 años, le ofrecieron ser la voz principal en el sencillo de la banda de Michael Zager, "Life's a Party" en 1978. A principios de los ochenta, empezó a aparecer en varias revistas como modelo (saliendo, incluso, en alguna portada). En 1982, hizo su primera grabación como cantante con el conjunto de Jazz-Funk "Material". La canción se titulaba "Memories" y fue incluida en el álbum del grupo One Down.

1983–1991: Los primeros años de carrera musical y Salto a la Fama
Whitney cantando el himno nacional de Estados Unidos
Le ofrecieron un contrato de grabación con Arista Records en 1983, poco después de que el fundador de la compañía, Clive Davis, escuchara su actuación en el club neoyorquino Mikell's con su madre.6 Inmediatamente el proceso de realización de su primer álbum se puso en marcha. En 1984, tuvo su primer éxito comercial con "Hold Me", un dueto con Teddy Pendergrass (el cual fue incluido en el álbum del cantante, "Love Language" y, después, en su primer álbum). El sencillo, alcanzó el puesto 50 en la lista de éxitos pop de Estados Unidos y el top 5 en la lista de éxitos de R&B. Caso idéntico fue el de Take Good Care of My Heart, balada R&B, también de 1984, dueto que apareció en el L.P. Jermaine de Jermaine Jackson y, en 1985, en su álbum debut. Durante ese tiempo, decidió presentarse a una prueba para el papel de Sondra Huxtable en "The Cosby Show" (el cual perdió frente a Sabrina Le Beauf) y apareció como estrella invitada en programas como "Gimme a Break" y "Silver Spoons".

Debutó en 1985 con Whitney Houston, a los 22 años. Su subida en las listas de ventas, fue promovida por el éxito de sus sencillos; como "You Give Good Love" con el que consiguió la posición número 3, mientras que "Saving All My Love For You", "How Will I Know" y "Greatest Love Of All" fueron todos ellos números uno. En marzo de 1986, Whitney Houston alcanzó el primer lugar de las listas de ventas de discos. El álbum vendió cerca de 28 millones de copias en todo el mundo (13 millones de copias vendidas sólo en Estados Unidos). El resto del año 1986 se embarcó en la gira "The Greatest Love Tour".
Lanzado en junio de 1987, Whitney llegó a ser el primer álbum de una artista femenina en debutar en el puesto número uno en Estados Unidos. El primer sencillo, "I Wanna Dance with Somebody" (originalmente titulado "I'm Gonna Dance With Somebody" en su gira de 1986) subió directo al número uno, junto con los sencillos "Didn't We Almost Have It All", "So Emotional" y "Where Do Broken Hearts Go". Con ello, logró un total de siete número uno consecutivos en los Estados Unidos, superando el récord previo de seis número uno consecutivos compartido por Los Beatles y los Bee Gees. Con el sencillo "One Moment In Time", consiguió el número uno en Inglaterra en 1988, además de un nuevo top 5 en su país natal y un clásico internacional.
El tercer disco de su carrera, I'm Your Baby Tonight, fue lanzado en noviembre de 1990, consiguiendo llegar al puesto número 3 en la lista de ventas de la revista estadounidense Billboard. Los primeros dos sencillos; "I'm Your Baby Tonight" y "All The Man That I Need" fueron números 1 en los Estados Unidos, proporcionándole un total de nueve números 1 en este punto de su carrera. Dos canciones más se añadieron a su colección de sencillos, "Miracle" y "My Name Is Not Susan", logrando el número 9 y el número 20 respectivamente. Otra canción del álbum, "I Belong To You" también alcanzó repercusión en emisoras urbanas a lo largo del país y subió al número 10 en las listas de R&B. El álbum vendió 14 millones de copias mundialmente, 4 millones de ellas en los Estados Unidos. Como siempre después de un lanzamiento de disco, puso en marcha la gira mundial "I'm Your Baby Tonight". El álbum consiguió 4 "Premios de la Música Billboard" en la ceremonia de 1991.
En enero de 1991, cantó el himno nacional de Estados Unidos, "The Star Spangled Banner", en la Super Bowl nº XXV (la final de fútbol americano) celebrada en Tampa (Florida). Esta interpretación fue posteriormente grabada como sencillo debido a la demanda popular, alcanzando el número 20 en los Estados Unidos, siendo la única versión del himno americano que consigue ser un éxito de ventas, obteniendo el disco de platino. El sencillo también ayudó a recaudar fondos para la Cruz Roja Americana en beneficio de los Veteranos de la Guerra del Golfo y sus familias.
En 1989 crea su propia fundación, "Whitney Houston Foundation For Children", la cual se ocupa de ayudar a numerosos niños con problemas de falta de hogar, además de ayudar a niños enfermos de cáncer.

1992–1997: Consagración e Incursión en la Actuación
En 1992 hizo su primera incursión en el cine junto a Kevin Costner en la película El guardaespaldas. Whitney grabó 6 nuevas canciones para la banda sonora, incluyendo una versión del tema de Dolly Parton “I Will Always Love You” con la que rompió todas las expectativas. Lanzado como sencillo en noviembre, fue su décimo número uno en Estados Unidos llegando a ser el sencillo más vendido de 1992 en el Reino Unido y Estados Unidos, manteniéndose 10 semanas y 14 semanas respectivamente en ese puesto. Con el tiempo se convirtió en uno de los sencillos más vendidos de la historia. El álbum también incluye "I Have Nothing", escrito por David Foster y Linda Thompson. "I Have Nothing" llegó a ser un súper en ventas en 1993, y fue nominada como mejor canción para los Premios Oscar. Le siguieron más sencillos exitosos: una versión del "I'm Every Woman" de Chaka Khan, "Run To You" (que también recibiría una nominación para los Premios Oscar a la mejor canción) y "Queen Of The Night", la cual fue coescrita por la propia Whitney. El álbum vendió 43 millones de copias en todo el mundo en su primer año y más de 48 millones hasta ahora, convirtiéndola en la banda sonora más vendida en la historia de la música.
El 18 de julio de 1992, Whitney se casó con el cantante Bobby Brown en su estado natal de New Jersey. En marzo de 1993, Whitney dio a luz a una niña, llamada Bobbi Kristina, a la cual se le puede escuchar junto a su madre en la canción "My Love Is Your Love", en "Little Drummer Boy" del álbum One Wish - The Holiday Album y en el tema "Family Comes First", perteneciente a la banda sonora de la película Daddy's Little Girls.
En 1995 se pone de nuevo delante de las cámaras para rodar Waiting to Exhale (Esperando un respiro), basada en una novela de Terry McMillan sobre las vidas de cuatro mujeres afroamericanas en donde Whitney interpreta a una elegante pero atormentada mujer llamada Savannah. Completan el reparto Angela Bassett, Loretta Devine y Lela Rochon. El director de la película es Forest Whitaker. Se comenzó a rodar en la primavera de 1995, y se estrenó en diciembre alcanzando los 70 millones de dólares de recaudación en taquilla. La banda sonora deWaiting To Exhale incluía 3 nuevas canciones de Whitney; 'Exhale (Shoop Shoop)', 'Count On Me' (dueto con CeCe Winans), la cual fue coescrita por Whitney y Babyface, y 'Why Does It Hurt So Bad'. La banda sonora alcanzó rápidamente el número 1, contabilizando 10 millones de ejemplares despachados. Su primer single, 'Exhale (Shoop Shoop)', debutó en el #1 del Hot 100 de Billboard en su primera semana, siendo la tercera vez en la historia que esto sucede. El single fue desplazado a la posición #2 la siguiente semana, donde se mantuvo durante un tiempo récord que le llevó a convertirse en el single que más semanas ha pasado en dicha posición en la historia de las listas.
Su siguiente película la protagonizó junto a Denzel Washington, siendo un remake de la película clásica de Hollywood "The Bishop's Wife" acerca de un ángel que baja a la Tierra para ayudar a una familia de la iglesia protestante y acaba por enamorarse de la esposa del pastor. Este remake se tituló "The Preacher's Wife" (La Mujer del Predicador). El film se empezó a rodar en enero de 1996, con Whitney como esposa del predicador, Denzel como el ángel, y Courtney B.Vance como el predicador. La película, dirigida por Penny Marshall fue estrenada en Estados Unidos el 13 de diciembre de 1996. Whitney había estado planeando desde hacía mucho tiempo un álbum de góspel y la banda sonora de la película le brindó la oportunidad de hacerlo. La banda sonora de "The Preacher's Wife" fue lanzada un mes antes que la película y se convirtió en el álbum de góspel más vendido de la historia. Whitney es la voz cantante en 14 de las 15 pistas del álbum, incluyendo los éxitos "I Believe In You And Me", y "Step By Step", escrita por Annie Lennox.

1997–2002: Madurez y controversia
El siguiente trabajo de Whitney fue el musical para televisión 'Cinderella' (La Cenicienta), rodada en el verano de 1997. Fue producida por la propia compañía productora de Whitney, Brown House Productions. El programa salió al aire en la cadena estadounidense de televisión ABC el 2 de noviembre de 1997. Atrajo a una audiencia de más de 60 millones de norteamericanos (una de las películas de TV más vistas de la historia), cosechando 7 nominaciones a los Premios Emmy. Houston trabajó en el proyecto como productora ejecutiva, el cual protagonizaron Brandy, Whoopi Goldberg y la misma Whitney como Hada Madrina.
En el año 1998 grabó un dueto con Mariah Carey en un estudio de Nueva York, las dos divas cantaron por primera vez juntas una canción titulada "When You Believe" incluida en la banda sonora de la película de animación "El príncipe de Egipto", la cual narra la vida de Moisés. La canción fue lanzada en noviembre y ganó el Premio Oscar a la mejor canción en marzo de1999.
Después de una larga espera de ocho años que incluyó una serie de giras internacionales, Whitney volvió al estudio para lanzar su primer álbum que no era banda sonora, "My Love Is Your Love". El álbum consiguió vender cerca de 10 millones de copias en todo el mundo, e hizo ganar a Whitney su sexto Grammy (Best Female R&B Vocal Performance) por el sencillo "It's Not Right But It's Okay" en febrero de 2000. Tres fueron los principales sencillos; "Heartbreak Hotel" —que incluía las voces de Kelly Price y Faith Evans— y que llegó a la segunda posición del Hot 100 de Billboard y a la primera posición de la lista R&B, mientras que los dos siguientes sencillos, "It's Not Right But It's Okay" y "My Love Is Your Love", se convirtieron en sendos Top 5 en América y en conocidos éxitos a nivel internacional.
"My Love Is Your Love" fue seguido de inmediato con el lanzamiento de "Whitney: The Greatest Hits" en mayo de 2000. El doble álbum, que incluye los éxitos de Whitney, así como remixes y algunas rarezas, ha vendido diez millones de copias por todo el mundo hasta la fecha. Además de los clásicos sencillos de su —en aquel entonces— carrera de 15 años, incluyó cuatro temas nuevos. "If I Told You That" a dúo con George Michael y "Could I Have This Kiss Forever" a dúo con Enrique Iglesias, servirían para promocionar el trabajo y se convertirían en sendos Top 10 en Inglaterra, país donde el álbum logró el número uno en la lista de ventas.
Whitney lanzó el álbum "Just Whitney" en diciembre de 2002, debutando en el número 9 de la lista de ventas de Billboard, mientras se encontraba en medio de una etapa turbulenta de su vida, relacionada con supuestos maltratos por parte de su marido y las drogas. La artista reconoció que consumía cocaína, marihuana y probaba todo tipo de drogas. Ese mismo año fue demandada por su propio padre por 100 millones de dólares por una venta de acciones de la empresa del mismo padre, además, él sostenía que fue su representante durante mucho tiempo y que nunca recibió nada; pero él murió por una enfermedad en medio de la demanda y finalmente no ganó el juicio.
"Just Whitney" fue certificado disco de platino en EEUU por la RIIA pocos meses después, y contenía los singles "Whatchulookinat", "One Of Those Days", "Try It On My Own" y "Love That Man", tres de los cuales alcanzaron el número 1 en la lista de música de baile de Billboard. El álbum ha vendido hasta ahora 3 millones de copias alrededor del mundo.

2003–2005: One Wish y Declive
A continuación Whitney produjo dos nuevos trabajos para Disney en 2003: la película para la televisión "The Cheetah Girls" (protagonizada por Raven-Symone) y "The Princess Diaries 2: Royal Engagement". En noviembre de 2003, vio la luz su sexto proyecto de estudio, un álbum navideño titulado "One Wish: The Holiday Album". El álbum consistía en canciones clásicas de la Navidad como "The First Noel", "Deck The Halls/Silent Night", "Little Drummer Boy" (junto a su hija Bobbi Kristina), y un remake de la canción de Freddie Jackson "One Wish". Obtuvo el disco de oro en los Estados Unidos.
Después de cinco días de estancia en un centro de rehabilitación de drogas en marzo de 2004 —situación que se volvió a repetir en marzo de 2005 durante dos meses—, se embarcó en la gira internacional "Soul Divas" con Natalie Cole y Dionne Warwick —que se prolongó durante todo ese verano—. El 14 de septiembre de 2004, hizo una interpretación de "I Believe In You And Me" y "I Will Always Love You" en los "World Music Awards", como tributo a su productor (y viejo amigo), Clive Davis. Más recientemente los televidentes norteamericanos tuvieron oportunidad de ver a Whitney en el programa de televisión de su marido "Being Bobby Brown", que es un reality-show que se desarrolla en el hogar familiar del matrimonio y basado en su vida cotidiana.

2006-2009: Retorno a la música
En septiembre de 2006 la carrera y la vida de Whitney da cara a la opinión pública con un giro radical. Después de especulaciones y noticias falsas sobre su recaída en las drogas, Whitney reaparece junto a Clive Davis, radiante y visiblemente muy recuperada en los ELLA; los rumores cesaron y la prensa volvió a mostrar buenas maneras hacia la artista. Los representantes de la artista confirmaron la separación del matrimonio Houston-Brown que posteriormente concluyó en divorcio. Clive Davis afirmó que Whitney iniciaría la grabación de un nuevo disco.
En octubre de 2007 Whitney aparece por sorpresa en el Swarovski Fashion Rocks en Londres, mostrando una imagen totalmente recuperada. Ese mismo mes se pone a la venta el recopilatorio "Whitney Houston: The Ultimate Collection" que actualmente acumula unas ventas de más de un millón de copias mundiales.
Desde entonces y hasta la salida al mercado de su nuevo disco, Houston apareció en el Festival de la Música Live & Loud 2007, en un concierto en Tobago y en un concierto ante 50.000 personas en Marruecos. En julio se filtra en la internet su nueva canción "Like I Never Left" (Como si nunca me Hubiese ido) a dueto con el rapero Akon. En febrero de 2009, en la gala pre-Grammy ofreció un mini-concierto al final de la velada. Al día siguiente, durante la ceremonia de entrega de los premios Grammy, apareció radiante ante todo el auditorio para entregar el premio al Mejor Álbum de R&B, que fue a parar a manos de la artista Jennifer Hudson.
Finalmente el nuevo disco, titulado I look to you salió a la venta el 1 de septiembre de 2009.

2009-2011: I Look to You y "Sparkle"
Whitney durante un concierto en abril de 2010.

I look to you debutó en el número uno de las lista estadounidenses con 305.000 copias vendidas en su primera semana. Entre los colaboradores del álbum están los compositores y productores Alicia Keys, Diane Warren, Stargate, R Kelly y Akon, que canta a dúo con Whitney Houston la canción "Like I Never Left". El disco debutó en la primera posición de varios países como Italia, Alemania y Suiza. En el Reino Unido alcanzó el tercer lugar en ventas y fue certificado con disco de oro pocas semanas después. En su país natal ha sido certificado Platino por ventas superiores a un millón.
Las canciones que integran I Look To You han sido favorablemente reseñadas, teniendo a "Million Dollar Bill" como Top Ten en casi todos los mercados europeos con presentaciones en la televisión francesa, alemana, inglesa e italiana. Este single alcanzó el Nº1 del Billboard US Dance chart demostrando su vigencia en el mercado musical actual.
Houston fue galardonada en los American Music Awards donde también interpretó "I didn't know my own strenght".
Para este mismo año 2009, la cantante inició su gira mundial llamada "Nothing but love Tour" en Moscú, la cual concluyó en Finlandia en junio de 2010.
En el mes de octubre de 2010 se dejó ver en un homenaje a Alicia Keys, autora de uno de sus temas en "Million Dollar Bill". En esta aparición estaba visiblemente recuperada y todo indicaba, tal y como señaló su productor y amigo Clive Davis, que la cantante reaparecería en el futuro con un nuevo trabajo. Este nuevo trabajo es un remake de la película "Sparkle" que se está rodando actualmente principalmente en la ciudad de Detroit. Se trata de un drama musical que aparecerá en pantallas en octubre/noviembre del año próximo. Un posible proyecto futuro de Houston iba a ser participar en la segunda parte de su película "Waiting to Exhale" titulada "Getting to Happy".

El 11 de febrero de 2012 Whitney fallece a la edad de 48 años en un hotel de Beverly Hills (Los Ángeles) por causas desconocidas.

Información: Wikipedia/YouTube

Shirley Bassey

2012-01-16T05:26:00.000-08:00

Dame Shirley Veronica Bassey, DBE (n. 8 de enero de 1937, Cardiff, Gales), es una diva y cantante galesa, conocida mundialmente por ser la intérprete musical que más veces ha cantado una canción para una película de James Bond. En concreto, Bassey interpretó el tema principal en tres películas de la saga del más célebre agente del servicio secreto británico: Goldfinger, Moonraker y Diamantes para la eternidad.

Shirley Bassey nació en Tiger Bay, un barrio de la ciudad de Cardiff, en 1937, siendo la séptima hija del matrimonio formado por un pescador de origen nigeriano y una joven inglesa de Yorkshire.
A los quince años tuvo que abandonar la escuela para trabajar como empaquetadora en una fábrica local. Al mismo tiempo, cantaba en clubes y pubs para ganarse algún dinero extra. En 1953 firmó un contrato para protagonizar un musical basado en la vida de Al Jolson. Ese año, y con tan solo 16 años, tuvo a su hija mayor, Sharon, por lo que tuvo que abandonar el mundo de la música para cuidar de la pequeña. Pero, en 1955, volvió a encauzar su carrera musical y protagonizó el musical de Al Read "Such Is Life". A partir de ese momento, la carrera de Shirley Bassey ascendió de forma imparable con continuos éxitos en las listas de singles británicas.
Ha estado casada en dos ocasiones. Su primer matrimonio fue con Kenneth Hune en 1961, y la relación duró hasta 1965. En 1968 se casó por segunda vez, esta vez con Sergio Novak, con quien tuvo a su hija Samantha. La pareja se divorció en 1977.
En 1985, Samantha, la hija pequeña de Shirley Bassey fue encontrada muerta colgando del puente Clifton en Bristol, en lo que fue considerado un suicidio, a pesar de que Bassey sigue insistiendo en que la muerte de su hija no fue por suicidio.
En reconocimiento a su larga carrera y debido a una admiración particular de la familia real, Bassey fue nombrada Dama Comandante del Imperio Británico el 31 de diciembre de 1999, razón por la cual es llamada con el tratamiento Dame. Además, es poseedora de la Legión de Honor otorgada por el gobierno francés.
Actualmente reside en Mónaco.
Su canción "This is my life" ha sido utilizada para el último anuncio de Heineken "One green bottle" (2009).

Discografía Selecta
Álbumes en el Reino Unido
Bewitching Miss Bassey
Emi Columbia
Fabulous Shirley Bassey (#12 1961)
Shirley (#9 1961)
Shirley Bassey (#14 1962)
Let's Face The Music (#12 1962)
Shirley Bassey At The Pigalle (#15 1965)
Emi United Artists
I've Got A Song For You (#26 1966)
12 Of Those Songs (#38 1968)
This Is My Life(1968)
La Vita - This Is My Life (1968 / Lanzado solo en Italia)
Golden Hits Of Shirley Bassey (#28 1968)
Live At Talk Of The Town (#38 1970)
Something (#5 1970)
Something Else (#7 1971)
Big Spender (#27 1971)
It's Magic (#32 1971)
The Fabulous Shirley Bassey (#48 1971)
What Now My Love (#17 1971)
The Shirley Bassey Collection (#37 1972)
And I Love You So(#24 1972)
I Capricorn (#13 1972)
Never Never Never (#10 1973)
Nobody Does It Like Me (1974)
The Shirley Bassey Singles Album (#2 1975)
Good Bad But Beautiful (#13 1975)
Love Life and Feelings (#13 1976)
Thoughts Of Love (#15 1976)
You Take My Heart Away (#34 1977)
25th Anniversary Album (#3 1978)
The Magic Is You (#40 1978)
What I Did For Love (1979)
Love Songs (#48 1982)
I Am What I Am (#25 1984)
La Mujer (1987)
Keep The Music Playing (#25 1991)
The Best Of Shirley Bassey (#27 1992)
Sings Andrew Lloyd Webber (#34 1993)
Sings The Movies (#24 1995)
The Show Must Go On (#47 1996)
The Birthday Concert (1997)
The Remix Album: Diamonds Are Forever (#62 2000)
The Greatest Hits- This Is My Life (#54 2000)
Thank You For The Years (#19 2003)
The Columbia/EMI Singles Collection (2006)
Sencillos en el Reino Unido
"Banana Boat Song" (#8 1957) (Debut en la lista de popularidad del Reino Unido)
"Fire Down Below" (#30 1957)
"You, You Romeo" (#29 1957)
"Kiss Me, Honey Honey, Kiss Me" (#3 1958)
"As I Love You" (1959) (Primer número uno)
"With These Hands" (#31 1960)
"As Long As He Needs Me" (1960) (Número 2, con 30 semanas en la lista de popularidad)
"Reach For The Stars" / "Climb Ev'ry Mountain (1961) (Segundo número uno)
"I'll Get By" (#10 1961)
"Tonight" (#21 1962)
"Ave Maria" (#31 1962)
"Far Away (#24 1962)
"What Now My Love" (# 5 1962)
"What Kind Of Fool Am I" (#47 1963)
"I (Who Have Nothing)" (#6 1963)
"My Special Dream" (#32 1964)
"Gone" (#36 1964)
"Goldfinger" (#21 1964) (Canción titular de la película homónima)
"No Regrets" (#39 1965)
"Big Spender" (#21 1967)
"Something" (#4 1970) (empato aThe Beatles original en el lugar 4)
"The Fool On The Hill" (#48 1971)
"Diamonds Are Forever" (#38 1972) (Tema principal de la película homónima)
"Where Do I Begin (Love Story)" (#34 1971)
"For All We Know" (#6 1972)
"Never Never Never" (#8 1973)
"The Rhythm Divine" (#54 1987) (Yello presentando a Shirley Bassey)
"Disco" La Passione" (#41 1996) (Dueto Con Chris Rea)
"History Repeating" (#19 1997) (Aparece en el soundtrack de There's Something About Mary)
"World in Union" (#35 1999) (Canción oficial de la Copa del Mundo de Rugby) - con Bryn Terfel
"The Living Tree" (2007)
Sencillos en los Estados Unidos
Goldfinger
Diamonds Are Forever
"Never, Never, Never (Grande, Grande, Grande)"
Something
It's Yourself
Davy

Información: Wikipedia/YouTube

2011-12-27T04:10:00.000-08:00

... siempre hay una canción que nos recuerda algo, son canciones que apenas escucho porque están dentro de mí, unidas a un momento, a un olor, a una imagen. Quizá sea más real el recuerdo, que la propia historia.

Estos son parte de mis recuerdos, serían cientos las canciones y todas tendrían algo significativo.

Rick James

2011-12-18T06:05:00.000-08:00

James Johnson, Jr. alias Rick James (Buffalo, Nueva York, 1 de febrero de 1948 - Los Ángeles, California, 6 de agosto de 2004), fue un músico de disco, funk y soul estadounidense.
Su primer grupo fue The Mynah Birds, junto a Neil Young y Bruce Palmer. Tras ser arrestado por evadir la conscripción, vivió un tiempo en el Reino Unido, donde lideró el grupo Main Line. A su regreso, reinició su carrera como cantautor y productor, con su banda de soporte The Stone City Band.
Su primer éxito fue la canción de ocho minutos "You and I"de su primer álbum Come Get It (1978). Su canción más famosa es "Super Freak" (del álbum Street Songs (1981)), que fue la base para "U can't touch this" de MC Hammer.
Adicto a la cocaína, desde 1993 hasta 1995 cumplió condena por dos ataques a mujeres.
James intentó regresar al mundo musical con un nuevo disco y una gira en 1997, pero un ataque cardíaco leve durante un concierto puso fin en la práctica a su carrera. Fue encontrado muerto de un paro cardiorespiratorio en su casa de Los Angeles en 2004. Tenía 56 años.
En la mañana del 6 de agosto de 2004, Rick James fue encontrado muerto en su hogar en el complejo de apartamentos Oakwood en Barham Boulevard, Los Angeles, California, por su cuidador.
James murió de insuficiencia pulmonar e insuficiencia cardiaca agravada por sus diversas condiciones de su salud: diabetes, accidente cerebrovascular, un marcapasos y un ataque al corazón previo.
A través de la autopsia se descubrió que estaba bajo la influencia de una gran cantidad de fármacos: alprazolam, diazepam, bupropion, citalopram, hidrocodona, digoxina, clorfenamina, metanfetamina y cocaína. Sin embargo, el médico forense aseguró: "Ninguno de los fármacos o combinaciones de ellos se encontraron a niveles que pusieran en peligro la vida por sí mismos”.

Discografía
Come Get It (1978)
Bustin' Out of L Seven (1979)
Fire It Up (1979)
Garden of Love (1980)
Street Songs (1981)
Throwin' Down (1982)
Cold Blooded (1983)
Reflections (1984)
Glow (1985)
The Flag (1986)
Wonderful (1988)
Bustin' Out: The Very Best of Rick James (1994)
Urban Rapsody (1997)
Anthology (2002)
The Ultimate Collection (2005)
Deeper Still (2007).

Información: Wikipedia/YouTube

Alan Jackson

2011-11-30T02:53:00.000-08:00

Alan Eugene Jackson (nació el 17 de octubre de 1958 en Newnan, Georgia). Es un cantautor estadounidense de música Country, ha vendido más de 90 millones de copias. Influído por el nuevo country tradicional de los años 80´s, fue uno de los cantantes de country más populares de la década de los noventa. Mezcla la música honky tonk con los sonidos habituales del country.

Después del 2000 continuó con su carrera y su música empezó a ser cada vez más cercana al country tradicional que a la música pop. Ha sido nominado a múltiples reconocimientos. Entró en el Salón de la Fama de Georgia en el año 2000.
Alan Jackson nació de Eugene Jackson y Ruth Musick en Newnan, Georgia. Tiene cuatro hermanas mayores. En su juventud Alan escuchó sobre todo cantos cristianos, sin mostrar un gran entusiasmo, sin embargo un amigo lo introdujo en la música de Gene Watson, John Anderson y Hank Williams Jr. Alan empezó con una banda después de secundaria. Ya casado, él y su esposa Denis, tras 6 años de matrimonio, se mudaron de Newnan a Nashville con la esperanza de dedicarse de lleno a la música.

En Tennessee Alan consiguió trabajo en The Nashville Network's . Denise (su esposa) le puso en contacto con Glen Campbell quien le ayudó a iniciar su carrera. Jackson firmó con Arista Records. Su primer álbum fue en 1989 “Here in the real World” (Aquí en el mundo real), fue un gran éxito, de la misma manera que su segundo disco Don't Rock the Jukebox, (No toques la rockola). En 1992 el álbum A Lot About Livin' (And a Little 'Bout Love) fue un éxito especial, colocándolo como uno de los mejores cinco sencillos. También en 1992 Randy Travis lanzó tres sencillos en colaboración con Jackson: “Forever Together", "Better Class of Losers", y "I'd Surrender All". Por el contrario, Travis co-escribió con Jackson el sencillo "She's Got the Rhythm (And I Got the Blues)". En 1994 Jackson dejo su Compañía Ten Ten Management, la cual había llevado su carrera hasta ese punto y la cambió por Gary Overton. En ese tiempo Jackson empezó a ganar también fama por sus habilidades de canta-autor. Otros famosos cantantes de Country empezaron a co-escribir con Jackson incluyendo a Clay Walker ("If I Could Make a Living"), Chely Wright ("Till I Was Loved By You") y Faith Hill ("I Can't Do That Anymore").

La banda de Alan Jackson (desde 1989) es "The Strayhorns". Los Músicos actuales son:
Monty Allen - gutarra acústica, voces
Scott Coney - gutarra acústica, bajo, banjo
Melodie Crittenden - voces
Robbie Flint - guitarra eléctrica
Danny Groah - guitarra
Mark McClurg - violín, voces
Bruce Rutherford - batería
Joey Schmidt - teclado
Roger Wills - guitarra y bajo
Jesus Beltran- gutarra acustica, voces

Información: Wikipedia/YouTube

Prince

2011-11-09T06:00:00.000-08:00

Prince Rogers Nelson (7 de junio de 1958 en Minneapolis, Minnesota, Estados Unidos) es un cantante, compositor e instrumentista de rock, soul, funk y new wave. Usa el nombre artístico de Prince, aunque también ha sido conocido bajo un símbolo impronunciable, que utilizó entre 1993 y 2000. Este cambio de nombre resultó controvertido y muchos se referían a él como "El Artista Antes Conocido como Prince", a menudo abreviado como "TAFKAP", o simplemente "El Artista" durante ese período.
Durante la década de los años 80, fue uno de los artistas más importantes e innovadores. Se le considera el fundador del llamado "sonido Minneapolis". Sonido que comenzó a conformar en su tercer álbum, Dirty Mind y que se sustanció en 1981 en su álbum Controversy y en la evidencia de un disco claramente influido por él: el álbum de debut de The Time. Prince alcanzaría la cima de su popularidad con el álbum Purple Rain (1984) y la película de idéntico título.
Solo en los Estados Unidos ha vendido alrededor de 39.5 millones de álbumes4 y alrededor de 100 millones alrededor del mundo.5 El tema "Purple Rain" obtuvo el Óscar a la mejor canción para el propio Prince, que también obtuvo un premio Grammy por el álbum. El álbum incluía otras canciones que alcanzaron una alta popularidad como "When Doves Cry" y "Let's Go Crazy", que llegaron a ser éxitos a nivel mundial y lo elevaron a nivel de superestrella.
Sus influencias musicales abarcan a grandes artistas y bandas como Jimi Hendrix, Michael Jackson, Sly & the Family Stone, Curtis Mayfield, Parliament/ Funkadelic, Stevie Wonder, Joni Mitchell, Duke Ellington, Miles Davis, Carlos Santana, James Brown, The Beatles y Led Zeppelin.

Prince nació el 7 de junio de 1958 en el hospital Monte Sinaí en Minneapolis, Minnesota. Su padre, llamado John L. Nelson, músico aficionado, formaba parte de un grupo de Jazz llamado Prince Rogers Trio, del cual tomó el nombre para su hijo. En él conoció a Mattie Shaw, cantante del grupo con la que se casó y que se convirtió en la madre de Prince.
Cuando tenía seis años sus padres se divorciaron. El padre se fue de la casa familiar pero no se llevó el piano que tenía, lo cual fue aprovechado por Prince para aprender a tocarlo él solo, aprendiendo de oído sintonías de series de televisión como 'Batman'. Más tarde aprendió a tocar otros instrumentos: a los 13 años su padre le regaló una guitarra eléctrica, que Prince aprendió a tocar rápidamente. En sus años de instituto formó con su amigo André Cymone varios grupos, entre ellos dos llamados Champagne y Grand Central. Tocaban en fiestas de instituto y similares pero Prince no cantaba, pues consideraba que su voz no era apta para ser presentada en público. Tiempo más adelante, demostraría que su talento como cantante es tan amplio como el de instrumentista o compositor. Cuando tenía 17 años conoció a un músico llamado Pepe Willie, marido de una prima suya, que le introdujo en el mundo profesional y con el que hizo sus primeras grabaciones en estudio. Poco después un ingeniero llamado Chris Moon le convenció para que presentara sus maquetas a alguna compañía. La que se llevó el gato al agua fue Warner Bros, que le dio completa libertad artística y creativa.

En 1978 grabó su primer disco, For You, en el que todas las canciones están compuestas por él y toca todos los instrumentos que se escuchan en el disco (según sus propias palabras sabe tocar más de treinta instrumentos). Amante de los cócteles musicales más variopintos, se convirtió en la gran esperanza de la música negra tras su disco Prince (1979), en el que se incluía I Wanna Be Your Lover, primer tema de Prince en alcanzar las listas de éxitos, el clásico "I Feel For You", que en 1984 supondría la consagración mundial de Chaka Khan al hacer una versión, o la guitarrera y provocativa "Bambi", historia de un ligue femenino con tendencias lésbicas. En este año hace su primera gira por Estados Unidos, tanto en solitario como telonero de Rick James. Su primera banda fija estaba compuesta por: André Cymone (bajo), Gayle Chapman (teclados), Dez Dickerson (Guitarra) y Matt Fink, alias Dr. Fink (teclados)
Su siguiente disco, Dirty Mind (1980) supuso un radical cambio de estilo. Un disco de poco más de media hora, con un sonido más crudo (el disco es prácticamente una maqueta) y una imagen absolutamente provocativa, apareciendo en escena en slip y con medias de mujer debajo de una raída gabardina. Además las letras iban más allá de los límites establecidos en el tema sexual; temas como Head y Sister se convirtieron en pesadilla de censores. Su siguiente álbum, Controversy (1981) supuso una nueva vuelta de tuerca; esta vez los temas sexuales dejan paso a temática social en canciones como Ronnie, Talk To Russia o Annie Christian. Debido a lo provocativo del nuevo estilo de Prince, la teclista Gayle Chapman abandona la banda de directo y es sustituida por Lisa Coleman, joven teclista hija de músicos que no tuvo ninguna objeción a la música. Por esta época empieza a dar rienda suelta a su creatividad con grupos paralelos como The Time, a mayor gloria de su amigo Morris Day (antiguo batería de Champagne) y que sería semillero de valiosos músicos y productores como Jimmy Jam, Terry Lewis, o Paul 'St. Paul' Peterson.
El disco que hizo a continuación, 1999 (1982) supuso su primer gran éxito popular, y probablemente su primera gran obra maestra. La canción que dio título al disco (plagiada por Phil Collins algunos años después) se convirtió en un clásico, aunque la canción que le aupó a las listas de éxitos fue el segundo sencillo, Little Red Corvette, tema dirigido básicamente al público blanco. Antes de la gira de promoción del disco, André Cymone dejó la banda, frustrado por el egocentrismo de Prince para empezar una carrera en solitario como solista y productor. Fue sustituido al bajo por Mark Brown, rebautizado como Brownmark. En esta gira la banda tuvo por primera vez el nombre The Revolution.
Por esta época Prince empieza a pensar en hacer una película. Durante la gira de apoyo al disco 1999 empezó a anotar ideas en una libreta de color púrpura. Sus representantes Cavallo, Ruffalo y Fargnoli consiguen interesar a su compañía en el proyecto. Durante el verano y otoño de 1983 se rueda la película en Minneapolis y Los Ángeles. El 8 de agosto de 1983 dio un concierto benéfico en la sala de su ciudad natal 1st Avenue. Este concierto es reseñable por dos hechos destacados; supuso el debut a la guitarra de la joven de 19 años Wendy Melvoin en la banda sustituyendo a Dez Dickerson. Wendy había sido traída a la banda por su amiga Lisa Coleman. Ambas serían la mano derecha de Prince, musicalmente hablando, durante los siguientes tres años. El otro hecho destacado fue que varios de los temas tocados serían grabados e incluidos, con pequeños retoques de estudio, en el disco que acompañó a la película.
Cuando empezó a continuar con su carrera, en el 1999 contrato a su nueva representante Ruth Arzate, en Los Ángeles California. Ayudándole a supervisar, hasta la fecha.

Prince en concierto.
Purple Rain (1984), disco y película, supusieron el estrellato masivo para Prince. El disco vendió más de 15 millones de copias solo en Estados Unidos [cita requerida], la película rompió marcas de taquilla y la posterior gira norteamericana, que empezó en Detroit en noviembre de 1984 y terminó en Miami en abril de 1985 fue vista por más de un millón de personas. Empiezan a lloverle los premios; ganó tres Grammys por el disco y un premio Óscar a la Mejor Canción.
Su siguiente disco, Around the World in a Day (1985) supuso un radical cambio de estilo con respecto a 'Purple Rain'. Ecos árabes, psicodelia y existencialismo en una grabación que descolocó a su compañía de discos y a sus seguidores, sobre todo a los ganados con su disco anterior. Aunque en un principio Prince no tenía planeado hacer videoclips del disco, hizo varios como el colorista de 'Raspberry Beret' o la grabación en directo en Niza de 'America'. Hoy en día está considerado como un disco de transición, eso sí, de altísima calidad. En esta época comenzó a construir, con los réditos de 'Purple rain', un gran complejo audiovisual llamado Paisley Park en Chanhassen, población cercana a Minneapolis. El edificio incluye varios estudios de grabación y un gran plató para el rodaje de películas, aunque este último ha sido usado básicamente para celebrar conciertos del propio Prince.
Con su siguiente grabación, Parade (1986), Prince volvía al formato de disco más película de 'Purple Rain'. Aunque la película, llamada 'Under The Cherry Moon', rodada en la Costa Azul francesa y dirigida por el propio Prince era de una categoría ínfima y fue un tremendo fracaso de crítica y público, el disco que le acompaña como banda sonora muestra un Prince tremendamente experimental, alternando comercialidad como la del primer sencillo del disco, el tema 'Kiss' con melodías dislocadas como las de 'Anotherloverholenyohead' o ' Life Can Be So Nice' y lirismo poético en 'Do You Lie?' o 'Under The Cherry Moon'. La gira que acompañó al disco fue la primera que hizo por Europa y Japón y también fue la primera en incluir sus legendarios 'aftershows', conciertos en salas pequeñas de madrugada a posteriori del concierto en gran pabellón o estadio.
Después de más de un año de trabajo, varios proyectos cancelados, la disgregación de su banda The Revolution y otras historias personales y profesionales, se editó la que es considerada como su gran obra maestra hasta la fecha, Sign ‘O’ the Times (1987). Compendio de los abortados proyectos de (1986) 'Dream Factory', 'Camille' y 'Crystal Ball', este álbum es el más ecléctico de su carrera; un doble disco de 80 minutos y muchos estilos mezclados como funk, gospel, pop y rock. El disco fue alabado por la crítica de todo el mundo por canciones como la que daba título al disco (absolutamente minimalista), 'If I was Your Girlfriend', 'Hot Thing' o 'I Could Never Take The Place Of Your Man'. La gira que acompañó al disco (que solo paró en Europa) fue un gran éxito también, y fue inmortalizada en una película del mismo título filmada en Rotterdam, aunque gran parte de lo que se ve en ella fue regrabado en Paisley Park.
Siguientes discos; Lovesexy (1988); Batman (1989), banda sonora de la película del mismo título; Graffiti Bridge (1990), disco de una película escrita, dirigida y protagonizada por él; Diamonds and Pearls (1990); Symbol (1992); The Hits / The B - Sides (1993), álbum recopilatorio; Come (1994); The Gold Experience (1995); Chaos And Disorder (1996); Emancipation (1996) y 'The Rainbow Children' (2001), en las cuales combinó el funk con la psicodelia, el rock and roll y el new wave. A partir de dicha fecha se centró en trabajo maś alternativos que se vendían a través de su web oficial. Recientemente ha lanzado "Musicology" (2004) que llegó al nº 3 tanto en Estados Unidos como en Gran Bretaña, "3121" (2006) que alcanzó en la primera semana el nº1 de álbumes según Billboard y su último trabajo Planet Earth (2007).
Ha publicado diversos trabajos bajo los pseudónimos de Jamie Starr, Joey Coco, Alexander Nevermind, Tora Tora y Christopher. Por problemas contractuales (que frustraron la publicación de su disco The Black Album en 1987), en 1992 adoptó un símbolo mezcla de «femenino» y «masculino»: Archivo:Prince symbol.svg (Love Symbol). Más tarde el público empezaría a definirle como The Artist o TAFKAP (The Artist Formerly Known As Prince, El Artista Anteriormente Conocido Como Prince) ante la ausencia de un nombre pronunciable verbalmente. Sólo al finalizar contrato con la Warner Bros. (2000) volvió a usar su seudónimo de Prince.
Al principio de su carrera comenzó a tocar con la banda The Revolution, pero desde principios de los 90 toca con The New Power Generation. La mayor parte de sus grabaciones las realiza en sus estudios Paisley Park.
Durante dicha época era una especie de playboy que hacía gala de una grandísima discreción. Se conocen romances con Susanna Hoffs (de The Bangles), Madonna, las actrices Kim Basinger, Sherilyn Fenn, Troy Beyer y Tara Leigh Patrick (a quien más tarde apodó Carmen Electra) y Sheena Easton entre otras.

Tienda de merchandising con el símbolo Prince.
En 1991 colaboró en la composición de algunas canciones para el álbum Martika’s Kitchen de la cantante Martika. Al año siguiente vino su álbum conocido como "Symbol" que ya adelantaría su cambio de nombre (Prince) por el de un símbolo (Archivo:Prince symbol.svg), rara fusión entre el masculino y el femenino. Esto ocurrió en 1992. De este álbum cabe destacar la canción "My name is Prince", en la que ya anunciaba que volvería al nombre de Prince como hizo a partir de 2000, cuando finalizó su contrato legal con la Warner Bros.
Después apareció el disco recopilatorio de sus 15 años de carrera "The Hits / The B - Sides" (1993). Más tarde "Come" (1994), "The Gold Experience" (1995)" y "Chaos and Disorder" (1996), el que fuera quizás un disco más allegado al rock hasta la fecha. Ese mismo año lanzó el triple álbum "Emancipation" (1996), fuera de la órbita de la discográfica Warner que, al parecer, no le permitía liberar todo el material que Prince producía. Durante ese tiempo el músico salía en todas sus apariciones públicas con la palabra "esclavo" escrita en su mejilla. Este disco lo sacó mediante un acuerdo de distribución con EMI - Odeon. Sus sencillos más destacables son "Betcha by Golly Wow!", "The Holy River" o "Emancipation".
A partir de 1997, Prince sufrió una serie de reveses con Warner, en el cual su contrato duraría hasta el 31 de diciembre de 1999. Ésta presionó a las compañías con las que Prince intentaba llegar a acuerdos puntuales.
La empresa ganó esas batallas legales y Prince se vio obligado a cumplir el contrato.
Todo ello, unido a la muerte de su hijo, Boy Gregory, que tuvo con su ex-esposa Mayte García (bailarina y cantante), que se produjo a los pocos días de nacer, hizo que Prince tuviera importantes problemas emocionales (se ha llegado a especular que intentó suicidarse).
Finalmente, en ese contexto publicó "Crystal Ball" (1997), "New Power Soul" (1998) y "The Rainbow Children" (2001), álbum que fue aclamado por la comunidad de músicos e instrumentistas por lo sabio de la mezcla de estilos y la producción rica en texturas del disco, que era una obra conceptual a modo de rock sinfónico de los '70 con grupos como Genesis o King Crimson pero con un sonido jazz-soul-funk.

Prince en Coachella.
Prince en los últimos años ha recibido varios reconocimientos. Ha entrado en el Rock and Roll Hall of Fame y en el UK Music Hall of Fame, en 2004 fue el artista mejor pagado del año, hizo la octava gira más vista de la historia con cerca de un millón y medio de espectadores en 90 conciertos por EE.UU., ha ganado varios premios en su estilo y un Globo de Oro por la canción "The Song Of The Heart" para la película Happy Feet.
El genio de Minneapolis entregó el Óscar 2005 a la Mejor Canción a Jorge Drexler. Publicó un álbum recopilatorio llamado Ultimate. También fue el artista elegido para el concierto que se realiza en el descanso de la Super Bowl XLI (2007), donde su actuación creó una enorme controversia.
Posteriormente publicó One Nite Alone... (en CD y DVD), Musicology (que le llevó a las lista de éxito), N.E.W.S. y 3121.
Hay voces que relacionan esta reciente resurrección de Prince con su reciente conversión a testigo de Jehová y su matrimonio en Hawaii el 31 de diciembre de 2001, con Manuela Testolini, empleada de Paisley Park, de la que se divorció en 2006.
En 2007 Prince lanzó al mercado su último álbum titulado Planet Earth, del cual se extrae el primer single, titulado "Guitar". Prince generó una enorme polémica al decidir regalar el álbum con la edición dominical de un periódico británico antes de que saliera a la venta en las tiendas y al regalarlo también a todos los asistentes a los conciertos de su gira "Planet Earth" (que se desarrolló en una única ciudad, Londres, durante mes y medio). Estos conciertos de Londres (tanto los regulares en el gran pabellón O2, conocido anteriormente como Millennium Dome, como los post-conciertos de madrugada -conocidos entre los seguidores como aftershows- en la sala adyacente Indigo2) fueron un gran éxito de crítica y público, llenando las dos salas en casi todas las fechas.
A finales de 2007 Prince se encontró inmerso en una extraña batalla filosófico-judicial con sus seguidores, a los que acusó de violar sus derechos legales por usar, por ejemplo, fotos suyas como avatares en sitios web.8 A este respecto, los más importantes grupos en internet de seguidores se reunieron para crear Prince Fans United y protestar contra el hecho de que Prince les persiguiese judicialmente. Prince reaccionó rápidamente a la creación de esta unión con un tema llamado PFUnk, en el que de manera velada se burla de esos seguidores que se sienten perseguidos. La batalla sigue abierta, aunque se llevaron a cabo negociaciones entre Prince y PFU que no dieron ningún fruto. Además, su página oficial fue clausurada.
En 2008 Prince fue galardonado con un Grammy al mejor solista de R&B por el tema "Future Baby Mama" y entregó otro a Alicia Keys en la correspondiente categoría femenina. Ha hecho una actuación esporádica en un pequeño club de Los Ángeles (donde vive la mayor parte del tiempo actualmente), hizo una fiesta en su casa después de la entrega de los premios Óscar y ha realizado una actuación en vivo, en el festival Coachella en Indio (California) por la que cobró más de dos millones y medio de euros.9 Sin embargo, suspendió una actuación en el estadio Croke Park (Dublín, Irlanda), supuestamente por falta de fechas en el estadio. También ha vuelto a tocar en el programa de Jay Leno de la cadena de televisión estadounidense NBC (en esta ocasión el tema Turn me loose). En octubre se editaró un libro y disco llamado 21 Nights, resumen sonoro y visual de su gira-residencia en Londres en agosto y septiembre de 2007.
En 2009 Prince edita dos álbumes a su nombre, que llevan los títulos de Lotus Flow3r y 'MPLSound', y un tercero de lanzamiento de su último descubrimiento femenino, Bria Valente, que lleva el título de Elixir. Durante la primavera de este año actuó en dos programas de televisión: cuatro veces en The Tonight Show with Jay Leno -3 días seguidos en marzo y uno en mayo, coincidiendo con la última semana de Jay leno presentando el programa- y otra vez en el programa de Ellen DeGeneres, donde había actuado ya en 2004. El 18 de julio actuó de nuevo en el Festival de Jazz de Montreux, en Montreux, Suiza, con una inversión, por parte de la organización del evento, valorada en 1.5 millones de dólares, batiendo su propio récord de entradas vendidas, más de 8.000 en apenas 8 minutos.
Prince prosigue su actividad musical en 2010. Según informa el boletín de noticias en la red EFE EME, Prince lanzó el pasado mes de julio su nuevo disco, 20Ten, junto con varios periódicos europeos. El 22 de julio fue distribuido en Francia con el semanario “Courrier International”. A las pocas horas de ponerse a la venta, más de 14.000 puntos de venta habían agotado sus existencias. Los 130.000 ejemplares del disco se vendieron a un precio mucho más económico que cualquier otra novedad. El responsable de comunicación de “Courrier International” mostraba su sorpresa y satisfacción por las inauditas ventas de su publicación: “¡Nos lo quitan de las manos, es lo nunca visto para nosotros! A las diez, más de mil quioscos lo habían vendido todo, es increíble”.
La misma forma de distribución se ha usado en otros países. Según informa “Billboard”, 2,5 millones de ejemplares de “20Ten” fueron regalados, el 10 de julio, en Inglaterra junto al “Daily Mirror”, en Escocia con el “Scotland’s Daily Record” y en Bélgica con el “Het Nieuwsblad”. En Alemania, fue la edición local de “Rolling Stone” la que ofreció a su lectores el disco el 22 de julio.
El 25 de julio del 2010 Prince homenajeó a Michael Jackson. En octubre, en el teatro Apollo de Nueva York, anuncia su nueva serie de actuaciones, a partir de diciembre del 2010, bajo el título Welcome 2 America.

Discografía
For You (1978)
Prince (1979)
Dirty Mind (1980)
Controversy (1981)
1999 (1982)
Purple Rain (1984)
Around the World in a Day (1985)
Parade (1986)
Sign o' the Times (1987)
Lovesexy (1988)
Batman (1989)
Graffiti Bridge (1990)
Diamonds and Pearls (1991)
Love Symbol Album (1992)
Come (1994)
The Black Album (1994)
The Gold Experience (1995)
Chaos and Disorder (1996)
Emancipation (1996)
Crystal Ball (1998)
The Vault: Old Friends 4 Sale (1999)
Rave Un2 the Joy Fantastic (1999)
Rave In2 the Joy Fantastic (2000)
The Rainbow Children (2001)
One Nite Alone... (2002)
C-Note (2003)
Xpectation (2003)
N.E.W.S. (2003)
Musicology (2004)
3121 (2006)
Planet Earth (2007)
Lotusflow3r / MPLSound (2009)
20Ten (2010)

Información: Wikipedia/YouTube

Leslie West

2011-11-07T02:16:00.000-08:00

La aparición de este hombre en la industria del rock significó un paso fundamental a la hora de entender el Metal tal y como lo conocemos hoy día.

Que 1969 fue una época significativa para este movimiento lo sabemos todos, los grandes dinosaurios daban sus primeros pasos y se comenzaba a definir una nueva senda comandada por kilómetros y kilómetros de partituras que señalaban ya el camino hacia una nueva era.

Atrás quedaba la época de la psicodelia, y aunque agrupaciones que nacían pocos años antes bajo la tutela de aquella gran huella aviaria, que orgullosa ondeaba en forma de bandera, continuaban esparciendo sus lisérgicas estrofas, toda una legión de inquietos jóvenes que guitarra en mano habían pasado todos esos años tumbados en una pradera, mientras degustaban los placeres de lo prohibido, comenzaban a darle forma a esa mezcolanza de ideas que bailaba en sus cerebros.

Señores, pocos podían imaginar lo que de la mano de gente como Dan McCafferty, Paul Kossoff, Dave Peverett y otros muchos estaría a punto de llegar.

Se aproximaban buenos tiempos, unos tiempos en los que la mezcla de influencias basadas en el blues americano, el rock de los 50 y la psicodelia de los 60 se daban la mano para aunar objetivos y encauzar el nuevo sendero que optaría por sendas más técnicas, rudas e inspiradoras.

Leslie Weinstein, neoyorquino de pro, no venía de vacío, años antes ya había flirteado con el público en una modesta banda llamada The Vagrants, en la que también contaba con el apoyo de su hermano Larry como bajista.

Aunque no fue precisamente con su hermano con quien coronó la cima de la montaña, no. Felix Pappalardi, quien ya había trabajado como productor para The Vagrants y que por aquel entonces contemplaba atónito como esa ácida crema de blancas y corcheas se derramaba irremediablemente en tres direcciones, supo aguantar el tirón, y siendo conocedor del potencial de Leslie, lo llamó al orden para grabar este disco, embrión de lo que sería poco tiempo después el mito, la leyenda, LA MONTAÑA, pero eso, y como diría Robert E. Howard, es ya otra historia.

Pero esta vez Pappalardi quería jugar, y para ello, aparte de producir el álbum, agarró de una mano un bajo y de otra a su mujer, Gail Collins, quien sería coautora de algunas de las canciones de la formación, y autora principal del disparo a bocajarro que acabó años después con el bueno de Felix, presa de un ataque de celos.

El batería N.D. Smart II fue el tercer filón con que contó Pappalardi para poner en marcha esta aventura, y con este triangular line-up fue como Leslie saludaba, ahora sí, a toda una multitud.

En julio de 1969 veían las estanterías la prominente estampa con la que Leslie, apoyado sobre una mano nos miraba, como esperando aprobación; maestro no la necesitas, lo que tú hagas está bien hecho!

La crítica definió el debut de West como una continuación endurecida de Cream y su tema inicial se convirtió en todo un éxito a raíz de la actuación que tuvo el grupo en el festival de Woodstock de aquel mismo año.

Algunos encontraban en el trabajo reflejos de Hendrix, otros de Clapton, pero lo que era indiscutible era la personalidad que West desprendía tanto con su voz, como con su guitarra. Y me permito añadir, y esto ya a juicio personal, que junto con John Kay o John Fogerty, West se situaba como una de las voces más carismáticas de la escena rock de aquella época.

Y si no me creéis enchufar el disco, y en cuanto empiece a sonar Blood Of The Sun os daréis cuenta de lo que hablo. Impresionante torrente de voz la de este hombre. Toda una genialidad de canción y bombazo directo a convertirse en un clásico de clásicos.

Bajamos un poco el ritmo para que, casi como en un cuento, comience a llevarnos Pappalardi de la mano con su teclado por senderos más dulces, Long Red suaviza el camino trayendo consigo toda la esencia de los 60.

Mucho más guitarrera comienza Better Watch Out, West comienza a jugar tímidamente con su guitarra, pero no es hasta Blind Man cuando por fin deja bailar libremente sus dedos por el mástil de la Les Paul, soltándonos ese blues endurecido marca de la casa. Amantes de las 6 cuerdas, pónganse cómodos.

La guitarra es también la gran baza de Baby, I´m Down, que con su riff inicial y esos punteos con los que conversa Leslie a lo largo de toda la canción la convierten en uno de los puntos fuertes del disco.

Con Dreams Of Milk & Honey se asienta totalmente el estilo de West, los que conozcan la carrera del neoyorquino podrán saborear en ella un antepasado no muy lejano de las archiconocidas Never In My Life o Mississippi Queen.

Storyteller Man emplea la fórmula de Long Red, relajando al personal para acto seguido encontrarnos con la colosal This Wheel's On Fire, firmada por Bob Dylan pero dotada de la fuerza de los titánes gracias a la impresionante interpretación vocal y esa magistral pentatónica.

La psicodelia también se deja notar con Look To The Wind y Southbound Train muestra la parte más hardrockera del trabajo, convirtiéndola con ese hammond en la pieza más macarra del disco.

Because You Are My Friend cierra de manera emotiva un trabajo redondo, esta vez es solo Leslie y su guitarra los que se encargan de despedirse de nosotros, es de justicia, al fin y al cabo ésta es su historia.

Y así fue como con estas 11 canciones, comenzó a gestarse esta leyenda cuya excelsa discografía debería alimentar las estanterías de todos los eruditos del vintage que se precien de serlo. O dicho de otra forma, Leslie West, un indispensable en tu vida si te mueves por estos ambientes, así que si no lo conoces, ve poniéndote las pilas!

Información: El Portal del Metal/ YouTube.

Discografía
1969: Montaña
1975: El Gran Fatsby
1976: La banda de Leslie West
1988: Tema
1989: Alligator
1989: Noche de la Guitarra-Live!
1993: Live
1994: Dodgin "la suciedad
de 1999: Como Phat como se puede ser
2003: Blues to Die Para
2005: Guitarded
2005: Got Blooze
2006: Azul Me
2011: Unusual Suspects

Mägo de Oz.

2011-10-25T16:03:00.000-07:00

Mägo de Oz es un grupo español de Folk metal, formado en mayo de 1989 por el baterista Txus di Fellatio en el Barrio de Begoña, Madrid. Inicialmente llamado Transilvania, en honor a Iron Maiden, no sería hasta 1989 cuando pasaría a llamarse Mägo de Oz.
Desde sus inicios ya mostraron su heterogénea y peculiar propuesta musical de mezclar el sonido heavy y rockero más clásico con el de otros estilos tan dispares como el charlestón, el tango, el gospel, la ranchera, la power ballad, la música clásica, etc., aunque ha sido sin duda la música celta la que más ha predominado en el sonido de sus canciones hasta la actualidad, y a la que, en parte, deben su enorme éxito. El grupo se consagró como uno de los más importantes del heavy metal español con el disco La leyenda de la Mancha (1998), y llegando a las listas de éxitos musicales generales del país con canciones como Molinos de viento o Fiesta pagana, ésta última de su primer doble disco conceptual, Finisterra. La fama del grupo y su consagración tanto en la prensa de música rock como en los medios de comunicación convencionales a nivel nacional e incluso internacional (especialmente en América Latina) se incrementó mucho más tras la publicación en 2003 del disco Gaia, el primero de una trilogía de discos conceptuales que continuaron con igual o mayor éxito, con los discos Gaia II: La Voz Dormida (2005) y Gaia III: Atlantia (2010), con escenografías (barcos piratas, catedrales, etc), pirotecnia y varias puestas en escena jamás vistas antes en un grupo español. Sin embargo, curiosamente, fue el disco La ciudad de los árboles (2007), musicalmente más simple y convencional que los anteriores, el que mayor éxito de ventas tuvo de toda su carrera (1.000.000 de copias vendidas solo en España, manteniéndose en el puesto número 1 del ránking español durante 30 semanas y 25 semanas en México), una de las principales razones por las cuales más tarde (en 2009), se les entregaría el disco de diamante por superar el millón de copias vendidas de toda su obra discográfica solo en España (se calcula que han vendido casi 4.000.000 de discos en todo el mundo).

A pesar de las controversias que les han atribuido sus detractores desde sus inicios, por ejemplo: acusaciones de comercialidad por su éxito en listas de música convencional, hasta acusaciones de satanismo por parte de diversas organizaciones religiosas en España y América por su disco Gaia II: La Voz Dormida; Mägo de Oz se ha consagrado definitivamente como una de las bandas más importantes no solo del panorama heavy español actual, sino de la historia del rock español. En sus más de 22 años de trayectoria han entablado amistad y tenido colaboraciones musicales y demás con celebridades, artistas y grupos tan importantes como Doro Pesch, Barón Rojo, José Luis Campuzano "Sherpa", Walter Giardino, Astral Doors, Luar na Lubre, Óscar Sancho, Muro, Saratoga, Carlos Escobedo, Kutxi Romero, Leo Jiménez, WarCry, Hamlet, Ankhara, Big Simon, Breed 77, Alaska, Dani Mateo (expresentador del programa Sé lo que hicisteis), el ex futbolista español José Emilio Amavisca, o Juan Antonio Cebrián (locutor fallecido de la radio Onda Cero). También ha impulsado a algunas bandas musicales, hoy consagradas, tras telonear o colaborar con Mägo de Oz, como Jorge Salán (oficialmente segundo guitarrista de Mägo de Oz hasta 2008), Lujuria, Tierra Santa, Dragonfly, Cuatro Gatos o las desaparecidas bandas Lándevir y Nexx (en esta última se encontraba la actual vocalista femenina del grupo, Patricia Tapia). Además, el fruto del éxito del grupo ha llevado a algunos de sus miembros a realizar trabajos en solitario en paralelo con el grupo: el cantante (José Andrea) publicó en 2004 su primer y hasta ahora único trabajo en solitario, Donde el corazón te lleve, el líder y compositor Txus di Fellatio publicó un famoso libro de poemas propios en 2006 titulado El cementerio de los versos perdidos, Patricia Tapia creó su banda en solitario KHY en 2009, y posteriormente (entre 2010 y 2011) Carlitos y Peri, y Txus di Fellatio y Frank crearon, respectivamente, los grupos Casa de Fieras y Bürdel King. También es el caso de varios ex miembros del grupo, como Sergio Martínez (que dejó Mägo de Oz y Ankhara en 2004 para formar parte de Mr. Rock como bajista), o Juanma Rodríguez (primer cantante y cofundador del grupo, que formó el grupo Patente de Corso en 2007 junto a ex miembros de Hamlet, Ángeles del Infierno o Los Trípodes).
Las letras del grupo son muy variadas, casi tanto como su música: pueden tratar temas como el amor (desde muchos puntos de vista, incluyendo la sexualidad), el igualitarismo (con claras reivindicaciones sociales y políticas), el ecologismo (especialmente en la trilogía Gaia), la mitología (especialmente en el disco Finisterra), la literatura (llegando a poner nombres de obras literarias como títulos de sus discos y canciones, especialmente en La leyenda de la Mancha), la religión (tanto criticándola como citándola con uso metafórico para definir otros temas), o simplemente canciones relacionadas con la fiesta, el desenfreno, la cerveza, los bares y la amistad (Resacosix en Hispania, La Posada de los Muertos, Vodka ‘n’ Roll, Que el viento sople a tu favor, Y ahora voy a salir (ranxeira), etc.). Por otra parte, el formato de los álbumes de estudio del grupo suele ser, casi siempre, obras conceptuales con conexión de las canciones entre sí por medio de una historia en común que se va desarrollando de formas diferentes entre canción y canción hasta el final, con una narración escrita de por medio en los libretos de los discos (lo que se conoce comúnmente como álbumes conceptuales, formato que comenzaron con su segundo disco, la famosa ópera rock Jesús de Chamberí, hasta la actualidad).

Los primeros años
En el año 1989, Txus di Fellatio, que por aquel entonces había abandonado la disciplina del Real Madrid (equipo de fútbol al que pertenecía desde 1980), alternaba su pasión por el fútbol con su también apasionada afición a la música. Educado desde muy temprana edad a apreciar todo tipo de música (a la edad de 6 años ya escuchaba zarzuela, ópera y bandas sonoras de películas), muy pronto fue seducido por el heavy metal y la música celta. Así, a finales de ese mismo año, decide (en compañía de Juanma y Pedro) formar una banda de rock. El nombre elegido sería Transilvania, y fue una forma de honrar a sus ídolos, Iron Maiden. De hecho, yendo a ver a este grupo inglés al festival de Donington, Txus conoció a Óscar Sancho, líder de Lujuria. Desde entonces mantienen una gran amistad más allá de la música.
Muy pronto cambiaron el nombre por el definitivo Mägo de Oz. Según comenta el propio Txus: "Elegí este nombre porque, como en la película, la vida es un camino de baldosas amarillas, en la que andamos en compañía de otros buscando nuestros sueños...".
Esta primera formación estaba compuesta por: Juanma: voz y guitarra rítmica Pedro: guitarra solista David: bajo y coros Txus: batería, voz y coros
En 1989 graban su primera maqueta, denominada Y qué más da. Esta contiene tres temas con un marcado estilo urbano-sinfónico, y sus títulos son: "Para Ella", "Y Qué Más Da" y "Rompe las Barreras". Junto con estos tres temas propios, Mägo de Oz crea un repertorio basado en temas de Tequila, Asfalto, Topo, Iron Butterfly, etc, que ensayan en su primer local de ensayo situado en el Fuencarral (Madrid).
Tanto Txus, Juanma, como Pedro son de un barrio muy cercano llamado Virgen de Begoña (en la actualidad dos de ellos aún viven allí).
En ese mismo año Mägo de Oz hacen su primera actuación importante. El concierto tuvo lugar en Segovia, y pertenecía a la programación de las fiestas del Partido Comunista de España en dicha ciudad. Junto a Mägo de Oz estaban Lujuria y Dama Feudal (banda ya desaparecida en la onda de Dokken).
En el invierno de 1989, Mägo de Oz ficha a dos guitarristas: Paco (guitarra rítmica) y Chema (guitarra solista y compañero de Txus en el Real Madrid C.F.). También ficharon a un teclista, llamado Alfonso. El sonido de Mägo de Oz se endurece considerablemente y acerca su estilo a grupos de heavy metal de esa época como Hiroshima, Bon Jovi, etc.
Los ya desaparecidos estudios Kirios les graban totalmente gratis su segunda maqueta llamada Canción de cuna para un bohemio. En esta nueva entrega aparecen los siguientes temas: "Lágrimas de guitarra", "Mirando tras unos cristales", "Sólo en la ciudad"y "Canción de cuna para un bohemio", tema que más tarde se denominaría "Mägo de Oz". Semanas antes de entrar al estudio, la banda prescinde de su bajista David y tras varias audiciones, el puesto es para Salva.
La formación se quedaría como: Juanma: voz Salva: bajo y coros Chema: guitarra solista Paco: guitarra rítmica Alfonso: teclados Txus: batería y coros
Durante ese año, Mägo de Oz realiza conciertos por todo Madrid, pero Txus sigue volcado más en el fútbol (acababa de firmar un contrato con un equipo de 1ª división de fútbol sala). El grupo sólo era para él algo muy secundario en su orden de preferencias.
En 1992 los Mägo se meten por tercera vez en un estudio para grabar otra maqueta. En esta, el sonido va a cambiar sustancialmente. Txus llama a un viejo amigo del instituto llamado Carlos Prieto, al que todos llaman "Mohamed". Este individuo va a ser la causa de que Mägo de Oz empiece a ser el embrión de lo que es hoy en día. Txus necesitaba un violín para un tema que se llamaba "Tango de un donante", una canción irónica en la que Txus mezclaba el rock con un tango argentino. El resultado fue asombroso, y Mohamed le dijo a Txus que él no abandonaría el grupo. Por más que Txus protestó, Mohamed se salió con la suya. Txus le preguntó al violinista si sabía alguna melodía celta. Este sonrió y empezó a tocar "Sueños Diabólicos" (una preciosa canción celta que hicieron famosa los madrileños Labanda). Este tema formaría parte del set list de Mägo a partir de ese momento. Pero donde Mohamed se ganó el puesto de Txus fue con "Gerdúndula", otro tema tradicional. El sonido de Mägo de Oz había nacido. Los títulos de esta tercera maqueta son: "Maruja", "Rock Kaki Rock", "Gerdundula", "Para ella" (versión 1992), "El tango del donante"y "No seas pesá".
La formación se consolidó con: Juanma: voz Salva: bajo y coros Chema: guitarra solista Paco: guitarra rítmica Alfonso: teclados Txus: batería y coros Mohamed: violín
A principios del año 1992, Alfonso (teclados) es invitado a abandonar la formación, siguiendo el deseo expreso de Mohamed. A su vez, Paco (guitarra rítmica) también abandona la nave. Entra en escena Charlie, un gran guitarrista que dará más dureza a las nuevas composiciones. Ese mismo año los Mägo graban su cuarta y última maqueta. Los temas elegidos fueron: "T'esnucaré contra'l bidé", "Lo que el viento se dejó" (cantada por Txus y dedicada al entonces presidente del gobierno, Felipe González), "Nena", "El lago" y "Por ti cariño". Esta maqueta tuvo un rotundo éxito por los circuitos underground de Madrid. Esto les lleva participar en el concurso Villa de Madrid, quedando finalistas del mismo. Txus abandona el fútbol y ahora sí dedica todo su esfuerzo y energía a Mägo de Oz. El primer paso que da es pedir prestado a Jesús Hernández, su padre, un millón y medio de las antiguas pesetas para auto producirse su primer disco (tardaron cuatro años en devolverlo).
Pero antes, Chema abandona el barco para dedicarse en pleno a sus estudios en la Facultad de Derecho. Charlie lleva al local a un tipo con pinta de profe de filosofía, un gran guitarrista y mejor persona: Juan Carlos Marín "Carlitos". Al quinto chiste malo de Carlitos, el puesto fue suyo. Mägo de Oz son invitados a tocar en la Expo de Sevilla ante más de 50 personas. Pero esto, lejos de amilanar a los Mägo, les hizo más fuertes.
Ahora la formación estaría compuesta por: Juanma: voz Carlitos: guitarra rítmica Charlie: guitarra solista Salva: bajo y coros Txus: batería y coros Mohamed: violín
Durante un mes entero, se encierran en un estudio a grabar el que será su primer disco. El disco no tuvo mucho éxito (no más de 150 copias vendidas), debido principalmente a su mala distribución. Esta época negra de Mägo de Oz provocó la salida definitiva de Juanma (actualmente en otro grupo llamado Patente de Corso) y Chema.
Llegada de José Andrëa y Frank
José Andrëa cantando en vivo en Albacete.
En 1995 llega Auri a la voz sustituyendo a Juanma, que decidió dejar el grupo. Auri sólo grabó unas maquetas, pero no grabó ningún disco.
En 1996 llegaron dos nuevos componentes. José Andrëa como cantante, en sustitución de Auri, y Frank como guitarrista, en sustitución de Chema. La formación actual perduraría durante algunos años: José Andrëa: voz y teclados Carlitos: guitarra solista Frank: guitarra rítmica y coros Salva: bajo y coros Txus: batería y coros Mohamed: violín
El mismo año empezaron a grabar el disco Jesús de Chamberí, una ópera rock producida por Alberto Plaza y Mägo de Oz. Este fue el primer álbum conceptual de la banda. Cuenta una historia sobre Jesúcristo, el cual, en su segunda venida, llegó al madrileño barrio de Chamberí. El CD fue editado en 1996 con el sello discográfico Locomotive Music. La gira que apoyó este segundo disco tomó el nombre de "Via Crucis Tour".

La Bruja
En 1997, la banda graba un disco compuesto por cinco canciones del primer disco, regrabadas con el actual cantante, José Andrëa. El disco se tituló simplemente Mägo de Oz, pero es conocido como La Bruja, debido a su portada, en la cual se puede ver uno de los iconos del grupo: una bruja tocando un violín.
La leyenda de la Mancha y Finisterra
En 1998 graban el disco La leyenda de la Mancha, inspirados por la novela de Miguel de Cervantes El ingenioso hidalgo don Quijote de La Mancha. Deciden contar la historia de Don Quijote de una forma peculiar, característica del grupo. De este álbum destaca su sencillo "Molinos de viento".
A finales de 1999 decidieron embarcarse en un ambicioso proyecto: un disco doble. Este fue su quinto disco y se llamó Finisterra. Para este disco se incorporaron al grupo Sergio Cisneros "Kiskilla" a los teclados y Fernando Ponce a los vientos. El primer sencillo de este disco fue "Fiesta pagana". La gira de este disco se llamó Santiago y vuelca España Tour. Luego de eso lanzan un disco con temas en directo, que recoge la gira. El disco se tituló Fölktergeist, el cual se grabó en las Fiestas del Pilar, en Zaragoza (en la carpa "Interpeñas", en aquel entonces situada en el Recinto Ferial de la Calle Miguel Servet de la ciudad). Con motivo de este nuevo disco se embarcaron en otra gira llamada Apechungando Tour, editando un DVD llamado A costa da rock, grabado en la villa coruñesa de Cedeira. Es en este momento es cuando Salva decide abandonar el grupo sustituyéndole un joven bajista: Sergio Martínez (ex miembro de Ankhara).
La ciudad de los árboles
El 16 de octubre presentan Y ahora voy a salir (Ranxeira), primer sencillo de su nuevo álbum, ya con la integración definitiva de Patricia Tapia (ex cantante del grupo Nexx) a Mägo de Oz. El 6 de noviembre de 2007, sale el disco, La ciudad de los árboles. El último single junto con su respectivo vídeo promocional sería Deja de llorar.
Gaia
En 2003 se embarcan en el proyecto de realizar tres álbumes que compondrán la Trilogía Gaia. El primero de los álbumes fue titulado Gaia. En este disco se puede notar una composición más madura del grupo que en sus trabajos anteriores, dando más importancia a los violines, flautas y teclados, relegando a las guitarras a un segundo plano. En él se cuenta la historia de Alma Echegaray después de muerta, condenada a la silla eléctrica por un codicioso magnate. Pedro Alcázar, soldado de un buque español en el que navega una expedición de 508 hombres, comandada por Hernán Cortés (año 1519), nos cuenta la despiadada conquista de los españoles a Sudamérica, en la que los soldados españoles violan a mujeres y asesinan a hombres indígenas, exceptuando a los esclavizados, obviamente en condiciones precoces. La banda de folk metal viajó a Sudamérica para informase sobre la cultura indígena, pudiendo así escribir sus canciones de una forma más "personal" y "argumentada". De este disco se desprendieron los sencillos La costa del silencio, La rosa de los vientos y El atrapasueños.
Belfast
En 2004, la banda regresa al estudio a grabar su séptimo álbum: Belfast. Este disco es según ellos "un recreo donde jugamos a ser Elvis, Whitesnake, Deep Purple...", pues está compuesto de versiones de bandas clásicas de rock, además de algunas versiones diferentes de canciones propias. También estuvo a cargo de Locomotive Music, producido por Sergio Marcos.
En este momento se producen importantes cambios en Mägo de Oz: el 20 de mayo de 2004, Juan Carlos Marin "Carlitos" es operado (con un mes de convalecencia) de un ganglión que le estaba afectando los huesos de la mano, por lo cual Jorge Salán entra en su reemplazo durante tres conciertos. Cuando Carlitos se recuperó completamente, Jorge Salán no abandonó el grupo, por lo cual Mägo de Oz quedó con tres guitarristas. Por otra parte, Sergio Martínez (bajista) abandona la agrupación, reemplazándolo Luis Miguel Navalón. No obstante, Navalón actuó en algunos conciertos, pero fue sustituido rápidamente por Pedro Díaz "Peri".

Gaia II: La Voz Dormida
En el año 2005 salieron dos discos de Mägo de Oz. El primero fue Madrid Las Ventas, disco grabado en directo en la plaza de toros madrileña de Las Ventas. Fue un disco con mucha polémica, ya que lo publicó Locomotive Music sin tener en cuenta al grupo, que ya había sido contratado por otra discográfica. Dejaron 8 canciones fuera del repertorio, entre ellas "Hasta que el cuerpo aguante", cantada con "Sherpa" (ex miembro de Barón Rojo), "Mägo de Oz", con el primer cantante del grupo, "Alma", "Resacosix en Hispania", con Joaquín Arellano "El Niño" en la batería, etc.
El segundo disco, puesto a la venta el 14 de noviembre de 2005, fue Gaia II: La Voz Dormida, editado ya con su nueva discográfica, Warner Music Latina, con el que dieron un toque más "atrevido" y casi "satánico", así criticando de forma satírica a la manipulación de la iglesia católica en "La cantata del diablo"´. Obtuvieron también en este trabajo formas oscuras en su música. Su primer single fue "La posada de los muertos". Para Gaia II entró en el grupo un nuevo bajista, llamado Pedro Díaz "Peri" (ex miembro de Ars Amandi), sustituyendo a Luis Miguel Navalon, quien a su vez había sustituido a Sergio Martínez. El siguiente sencillo sería la canción "Hoy toca ser feliz".
En la gira de Gaia II, el baterísta y líder, Txus, abandonaba el grupo temporalmente a causa de agotamiento y de compromisos a los que tenía que dedicar su tiempo. En esta gira también se incorpora al grupo Salva "El Cuervo" como teclista, apoyando a Kiskilla. La gira también incluyó gran parte de Latinoamérica y parte de Estados Unidos. En un período de tiempo no superior a un mes y medio, Mägo de Oz siguió dando conciertos por toda la geografía española, ya con Joaquín Arellano "El Niño" a la batería, sustituyendo a Txus. Algunos lugares donde actuaron fueron Miajadas (Cáceres) o Chiclana (Cádiz). El 8 de septiembre de 2006, Txus volvería a la banda y reaparecería en directo ese día en el concierto que el grupo ofreció en Rivas Vaciamadrid.
El 23 de octubre de 2006 se lanzó el libro El cementerio de los versos perdidos con una recopilación de 50 poemas y un disco, todos de la autoría de Txus y con la música de Juanmi Rodríguez (Cuatro Gatos), que incluye temas originales y grabado con artistas de otros grupos, como Savia o Saratoga. Este álbum salió bajo el sello de Pägana Records, firma creada por el grupo Mägo de Oz y que reside bajo la tutela de Warner Dro (división de Warner Music en España).
El 5 de diciembre de 2006, Mägo de Oz saca el box set recopilotario The Best Oz. El 1 de mayo de 2007 empiezan un festival organizado por los mismos, llamado Mägo de Oz Fest, en cuatro ciudades diferentes, con artistas invitados, como UDO, WarCry, Liberkía, Maligno, Onassis Day, Agora y Cage. La gira se extenderá con el nombre de Hasta que el cuerpo aguante Tour 2007, por otros puntos de México, Estados Unidos, Argentina, Chile, Nicaragua y por España.
El 26 de enero de 2008 se anuncia la partida temporal de Sergio Cisneros "Kiskilla" de la banda, para dedicarse a su familia y a su pequeño hijo recién nacido. El descanso del teclista se efectuaría durante la gira americana del disco "La ciudad de los árboles". Durante la gira de 2008 sufrieron las bajas de Frank y Kiskilla por problemas personales, pero volvieron a incorporarse en breve, esta gira la ha llevado a lugares en los que aún no habían tocado como EE.UU. e Italia.
La Leyenda de la Mancha Tour 2009
Para celebrar su vigésimo aniversario de carrera musical, Mägo de Oz realiza una gira bautizada como "La Leyenda de la Mancha Tour", donde el quinteto original (Txus, José, Frank, Moha y Carlitos) junto a Peri interpretarán temas de sus primeros álbumes.
Según declaraciones de Txus a la revista Requiem de Argentina: "Es porque hay mucha fanática muy joven que no ha visto esa época en que estábamos muy desnudos instrumentalmente. No teníamos flauta, teclados, coros, toda esa pomposidad que hoy caracteriza a Mägo de Oz. Queríamos también un poco hacer un ejercicio de humildad de volver a los antros pequeños y cómodos. La gira se extiende por unas cuantas fechas en Latinoamérica.
A finales de noviembre dieron a conocer en su página web oficial el lanzamiento del libro gráfico "Mägo de Oz en imágenes", el cual sería lanzado en diciembre e incluye más de 300 fotos en vivo, tomadas por Carmen Molina, su fotógrafa oficial en directo, además de varias entrevistas con compañeros músicos del grupo.
Gaia III: Atlantia
El disco fue publicado el 6 de abril de 2010. "Que el viento sople a tu favor" sería el primer sencillo del álbum. El disco contó con la colaboración de artistas como Kutxi Romero, Leo Jiménez, Carlos Escobedo y Tete Novoa. Este disco narra el fin de la civilización debido al egoísmo y la ambición del ser humano, haciendo referencia a la Atlántida, ciudad que fue tragada por el mar.
La primera actuación en vivo con los temas del nuevo disco se realizó en México, en la ciudad de Monterrey. Posteriormente actuaron en el festival "Vive Latino" en la Ciudad de Mexico, y poco después participarían en el festival "Rock in Rio" en Madrid. La gira del nuevo disco, Gaia III: Atlantia, se llamó "aGAIAte que vienen curvas", y se realizó por toda España y posteriormente por Sudamérica, y comenzó el 28 de junio en el festival "Rock de Cervantes".
El 10 de junio de 2010, Fernando Ponce de León dejó un comunicado en la web oficial de Mägo de Oz diciendo que se despedía del grupo.
El 26 de junio de 2010, coincidiendo con la actuación del grupo en la primera edición del "Rock de Cervantes", Fernando Ponce se despidió del grupo y presentó a Josema, el nuevo flautista del grupo.

Gaia: Epílogo
El 30 de noviembre de 2010, salió a la venta el disco Gaia: Epílogo, compuesto por diez canciones que quedaron fuera de la trilogía Gaia por diversos motivos. A finales del año 2010, Mägo de Oz lanzaron un box set compuesto por el disco Gaia III: Atlantia, el Gaia: Epílogo y un DVD. Actualmente Mägo de Oz se encuentra bajo la gira "Epílogo-Narigólogo Tour 2011", en el cual hacen un recopilatorio de Gaia, Gaia II: La Voz Dormida, Gaia III: Atlantia y Gaia: Epílogo.

Minivacaciones
El 4 de octubre del 2011 se publicó en la página oficial de la banda un comunicado, en el cual informaba que el grupo se tomaría unas "minivacaciones" luego de finalizar los conciertos que corresponden a la gira de "Epílogo-Narigólogo Tour 2011":Después de más de 10 giras consecutivas tanto en Europa como en América, ha llegado el momento de tomarnos un pequeño respiro.
Durante los meses de octubre, noviembre y diciembre haremos los últimos conciertos en España y en Latinoamérica antes de hacer un parón que nos mantendrá inactivos al menos durante todo el año 2012. Necesitamos estas minivacaciones para tomar distancia y perspectiva antes de iniciar los ensayos para componer lo que será el próximo paso discográfico después de la trilogía de Gaia.
Os echaremos de menos...
We must be over tha rainbow !!!
Comunicado oficial de Mägo de oz, 2011
Jose Andrëa deja la banda
El 24 de octubre del 2011 se publicaba otro comunicado oficial anunciando que Jose Andrëa dejaría Mägo de oz.
José Andrea y Mägo de Oz, de común acuerdo y de forma amistosa, hemos decidido romper nuestra relación artística y dar por finalizada una etapa en la que hemos podido disfrutar de una de las voces más mágicas de los últimos 15 años en el Rock español.
Tanto José Andrea como el resto de la banda hemos pensado que él se merece despedirse de vosotros de la mejor forma que sabe hacer: regalándonos su voz en estos últimos conciertos.
Por tanto, confirmamos en esta, nuestra web oficial, que tanto la gira americana como las fechas previstas en España serán sus últimos conciertos antes de dejar la banda. Desde aquí queremos desearle toda la suerte del mundo en su futura vida profesional y personal lejos del camino de baldosas amarillas. Gracias por dejarte la piel y la voz durante todos estos años.
Siempre serás un Mägo !
"We must be over the rainbow..."
Comunicado oficial de Mägo de oz, 2011
Dos días después del comunicado se dio a conocer en la página de Mariskalrock.com que la salida de Jose no sólo se debía a los problemas de su garganta, si no, qué también se debía por diferencias entre él y el resto de sus compañeros; Y que al decidir que la salida de Jose era lo mas "apropiado" para la banda, ambas partes quedaron bajo acuerdo.
Miembros actuales
Txus: Batería y coros.
Mohamed: Violín, viola y coros.
Frank: Guitarra rítmica, acústica y coros.
Carlitos: Guitarra solista y coros.
Sergio Cisneros "Kiskilla": Teclado, piano, acordeón y sintetizadores.
Peri: Bajo.
Patricia Tapia: Voz y coros.
Josema Pizarro: Flautas y coros.
Antiguos miembros
Salva: Bajo (1989-2002)
Charlie: Guitarra solista (1989-1993) (1994-1996)
Juanma Rodríguez: Voz (1989-1995)
José María Alonso "Chema": Guitarra (1990-1996)
Tony del Corral: Saxofón (1994)
Auri: Voz (1995-1996)
Sergio Martínez: Bajo (2003-2004)
Luis Miguel Navalón: Bajo (2004)
Jorge Salán: Guitarra solista (2004-2008)
Fernando Ponce: Flauta travesera, whistle, gaita (2000-2010)
José Andrëa: voz principal. (1996-2011)

Controversias
En 2005, Mägo de Oz fue sacado de la programación musical de algunas emisoras de radio, como Cadena 100 y Rock&Gol, después del lanzamiento del disco Gaia II: La Voz Dormida.4 Txus declaró que creía firmemente que Mägo de Oz fue vetado a dichas emisoras debido a las duras críticas a la Iglesia Católica que aparecen en el disco, ya que Cadena 100 y Rock&Gol pertenecen a la COPE, una cadena regida por instituciones privadas de la Conferencia Episcopal Española.4 Un caso similar ocurrió con los 40 Principales, donde Mägo de Oz no apareció a pesar de haber conseguido suficientes ventas en Gaia II.
A inicios de 2007, el cantautor chileno y entonces director de la Sociedad Chilena del Derecho de Autor Fernando Ubiergo demandó en 2007 a Mägo de Oz, acusándoles de plagiar su canción "Cuando agosto era 21" bajo el nombre de "Para ella" en el disco Rarezas Auténticas, basándose en las similitudes casi textuales entre la letra de ambas canciones. El grupo se defendió argumentando que desconocían la autoría de la canción cuando fue versionada, así como que se debió a un error tipográfico el que figurasen Txus y Juanma en lugar de Ubiergo en la atribución de la letra cuando supieron su autor.5 6 Ubiergo expresó su poco convencimiento ante este comunicado.7 Finalmente, el juicio llegó a su fin en julio del mismo año, después de haber llegado a un acuerdo satisfactorio para ambas partes.

Discografía
Artículo principal: Anexo:Discografía de Mägo de Oz
Álbumes de estudio
1994: Mägo de Oz
1996: Jesús de Chamberí
1997: La bruja
1998: La leyenda de la Mancha
2000: Finisterra
2003: Gaia
2004: Belfast
2005: Gaia II: La Voz Dormida
2007: La ciudad de los árboles
2010: Gaia III: Atlantia
2010: Gaia: Epílogo
Sonido e influencias

Heavy metal
Iron Maiden, Deep Purple, Helloween y Rainbow , cuatro bandas clásicas donde las haya en el mundo del Hard rock, puede decirse que son las que han ejercido un peso mayor en la formación del mundo musical de Mägo de Oz en su vertiente más heavy y cañera. Rainbow ha sido un grupo versionado en varias ocasiones por la banda, como ha sucedido con "Gates Of Babylon" o "Rainbow Eyes". En cuanto a Deep Purple, Txus declaraba:
"A Mohamed le tira el rollo más bluesero y psicodélico de Led Zeppelin, pero a mí dentro del Hard rock siempre me ha gustado más Deep Purple. Creo que la influencia de Deep en el Heavy metal fue mucho más importante, incluso por la saga de músicos que pasaron por la banda y los grupos que se formaron a raíz de su separación: Whitesnake, Ian Gillan en solitario, Rainbow...".
Txus di Fellatio, en el número 109 de la revista Heavy/Rock Especial; por Mariano Muniesa (2010) pag. 26color
Iron Maiden y Helloween han sido para Mägo de Oz una influencia tan importante en lo musical (a ellos les ha dedicado Txus canciones y discos) como sobre todo en su idea de grupo y su concepto de espectáculo:
"Los Maiden han sido siempre una referencia vital para mí en el Heavy metal. Además de haber sido fieles siempre a una manera de ser, de no abandonar nunca el Heavy metal incluso cuando a comienzos de los 90 estaba en su peor momento, ellos han sabido crear un personaje, Eddie, que es ya un icono en la historia del rock, una imagen propia, una estética propia, un mundo propio que va desde las portadas de Gaboni a los escenarios que montamos, siempre con ese estilo personal que Iron Maiden dan a todo lo que hacen".
Txus di Fellatio, en el número 109 de la revista Heavy/Rock Especial; por Mariano Muniesa (2010) pag. 26color

Música celta
Sería difícil mencionar nombres concretos, pero desde siempre, desde los más remotos comienzos de la banda, la influencia folk y el rollo celta estuvo en Mägo de Oz, en especial cuando Mohamed se unió al grupo como violinista (suya fue la idea de grabar una versión del "Gerdundula" de Status Quo), aunque con la entrada de Fernando Ponce de León como flautista e instrumentista de viento, esa tendencia se potenció en parte, puesto que su entrada en el grupo favoreció la utilización de muchos más instrumentos propios del folk como se puede comprobar escuchando una canción como "El Atrapasueños" del disco "Gaia". En cualquier caso, nombres como Luar Na Lubre, Carlos Núñez, The Chieftains, Milladoiro o Gwendal han aparecido en alguna ocasión en diversas entrevistas que el grupo ha concedido hablando sobre Folk rock. Por supuesto, precedentes claros del sonido Mägo por la mezcla de guitarras eléctricas con instrumentos poco ortodoxos para el rock, y aunque ninguno de ellos despierte especial entusiasmo en Txus, son los españoles Ñú y Labanda (de este último grupo proviene el exflautista Fernando) y los ingleses Jethro Tull (de cuya canción "Kelpie" realizaron un cover adaptado al castellano en su disco "Finisterra").

Otros datos
Cuando ha estado en su punto álgido la controversia Mägo de Oz acerca de su comercialidad, su supuesta "traición" y su deseo de llegar más allá del público metalero, Txus siempre decía:
"Mira, musicalmente Queen es un grupo que obviamente no tiene nada que ver con Mägo de Oz, pero siempre me llamó la atención el hecho de que ellos supieron ser rockeros, tener el prestigio de toda la gente del rock pero siendo al mismo tiempo un grupo muy comercial, que sonaba en radios y hacían unos singles cojonudos. Yo querría que Mägo de Oz consiguiéramos algo así, que podamos sonar en todo tipo de emisoras, llegar a toda clase de público diferente, sin dejar de ser lo que siempre hemos sido, una banda de Heavy metal y Hard rock".
Txus di Fellatio, en el número 109 de la revista Heavy/Rock Especial; por Mariano Muniesa (2010) pags. 26-27color
En cuanto a sonidos más contemporáneos, si bien en el Heavy metal sus influencias han sido muy clásicas en general, con los años han sido muy permeables a incorporar por ejemplo el Power metal de Helloween y Gamma Ray, la estética gótica a su imagen y a parte de su música (citando a HIM o To/Die/For como referencias), el Industrial Metal de Rammstein y otros grupos que hasta cierto punto pueden equipararse en otros países a lo que Mägo de Oz significan en España, como es el caso de los alemanes In Extremo, con quienes José Andrëa grabó un tema de su último álbum de estudio, los suizos Eluveitie o los fineses Korpiklaani, con quienes han compartido cartel en más de una ocasión en diversos festivales de Folk metal de Europa, y que en algunas entrevistas han reconocido ser grandes seguidores de Mago de Oz.

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Kirk Hammett

2011-10-18T02:08:00.000-07:00

Kirk Lee Hammett (18 de noviembre de 1962, San Francisco, Estados Unidos) guitarrista de la banda de heavy metal Metallica. Sustituyó al anterior guitarrista Dave Mustaine, después de que éste tuviera problemas con la banda y fuera expulsado de Metallica. Está considerado como el undécimo mejor guitarrista de todos los tiempos, según la revista de música estadounidense Rolling Stone y como el noveno mejor del momento según la revista Total Guitar. Kirk es uno de los estudiantes más conocidos del legendario guitarrista e instructor Joe Satriani.

Biografía
Desde muy joven mostró un gran interés en la música. Y en la gran colección de discos de Hard rock de su hermano Rick, incluyendo material de: Judas Priest, Aerosmith, Motörhead, The Rolling Stones, Queen, Black Sabbath, Led Zeppelin, Thin Lizzy, UFO, Jimi Hendrix, (Hammett a veces interpreta partes de algunas canciones de Hendrix durante sus solos), entre otros. Kirk cita especialmente a Michael Schenker ,como la influencia del sonido de los 3 primeros discos de Metallica.

Comenzó a tocar a los 15 años y su primera guitarra fue una Montgomery Ward y un amplificador. Después de tener su primera Stratocaster en el año 1978, Hammett intentó personalizar su sonido con partes de varias guitarras.
Los intereses musicales de Hammett, lo condujeron al género conocido como thrash metal. En 1982 formó el grupo Exodus, con el vocalista Paul Baloff, el guitarrista Gary Holt, y el baterista Tom Hunting. Exodus fue crucial en el movimiento del thrash durante la década de los 80 en California.
En 1983, cuando Metallica iba a grabar su primer disco Kill 'Em All invitó a Hammett a formar parte del grupo, ya que el entonces guitarrista líder de la banda, Dave Mustaine, fue expulsado de la banda por problemas dealcoholismo. Después de grabar el álbum, Hammett empezó a tomar clases de guitarra con el ahora famosoJoe Satriani, con este aprendió nuevas técnicas y sonidos más melódicos para los siguientes álbumes.
En 2002 se le dio un puesto en el "Salón de la Fama" de la revista Guitar World. Ha grabado y ha hecho actuaciones en directo con Metallica desde hace casi 30 años y es un modelo para muchos guitarristas modernos.
Ya que él es guitarra principal de Metallica, Hammett ha escrito y contribuido con riffs para el grupo desde1983. Uno de estos riffs, el de la canción Enter Sandman, fue escrito en la habitación de un hotel a las 3:00 de la madrugada. Primera canción del disco "Metallica" conocido por los fans como "The Black Album"

Equipamiento y habilidades

Guitarras
▪ESP Spider
▪ESP Skull
▪ESP Lerpin
▪ESP (guitarras) ESP RZK Signature
▪Jackson Randy Rhoads Model
▪ESP Flying V
▪ESP Flying V Death Magnetic
▪ESP Mummy
▪ESP Dracula
▪ESP Bride of Frankenstein
▪Gibson Flying V
▪Gibson Les Paul
▪Jackson Roswell Rhoads
▪ESP KH2
▪ESP KH-2 Vintage
▪ESP Wave Caster
▪Fender Stratocaster
▪ESP White ouija guitar
▪ESP Black ouija guitar
▪Ibanez RG 420
▪Teuffel Birdfish
Amplificadores
▪Mesa Boogie Tremoverb 2x12 Combo Amp1
▪Mesa Boogie Triaxis Pre-Amp1
▪Mesa Boogie Strategy 400 Stereo power Amp1
▪Mesa Boogie 4x12 Speaker Cabinet1
▪Mesa Boogie 2x12 Speaker Cabinet1
▪Mesa Boogie Dual Rectifier Amp1
▪Mesa Boogie Mark V Amp1
▪Marshall Amplificadores
▪Randall Kirk Hammett Signature Amplificadores

Accesorios
▪Púas Jim Dunlop Tortex 0.88mm Custom
▪Cuerdas Ernie Ball
▪Correa Custom Levy's
▪Pedal Dunlop Crybaby Kirk Hammet Signature Wah
▪EMB Audio Remote Wah System
▪Pedal Digitech Whammy
▪Pedal Lovetone Meatball (usado en 'I Disappear')
▪Pedal Ibanez Tube Screamer TS-9
▪Pedal Boss SE-50
Técnicas utilizadas
▪Tapping
▪Armónico artificial
▪Armónico natural
▪Hammer on
▪Pull off
▪Bend and release
▪Wah-wah (La más utilizada por él, incluso se le apoda, sarcásticamente, como "Kirk Wahmmett")
▪Slide
▪Tremolo

Información: Wikipedia/YouTube

Sting

2011-10-08T02:44:00.000-07:00

Gordon Matthew Thomas Sumner, CBE (nacido el 2 de octubre de 1951 en Wallsend, Tyneside del Norte, al noreste de Inglaterra), y más conocido como Sting, es un músico británico que se desempeñó inicialmente como bajista, y más tarde como cantante y bajista del grupo musical The Police.
Como miembro de The Police y como solista, Sting ha vendido más de cien millones de discos, ha recibido más de dieciséis Premios Grammy por su trabajo, recibiendo el primero por «mejor interpretación de rock
Debido a la influencia de su abuela paterna irlandesa, Sting desechó una carrera como deportista cuando sólo logró el tercer lugar en la competición llamada 100 Yard Sprint National Junior Championship. A la edad de 8 años Sting mostró un talento natural para la música, tocando y arreglando sus propias canciones casi inmediatamente después de haber tomado una vieja guitarra desechada por su tío. En sus comienzos solía dar conciertos en el primer lugar donde se lo ofrecieran. Tocó con bandas de jazz locales como Phoenix Jazzmen, editó una maqueta con nueve temas con su banda Last Exit, de la cual era cantante y bajista y un LP en el que colabora tocando el bajo, con la Newcastle Big Band.
Una vez tocó vistiendo una camiseta a rayas negras y amarillas, por aquel entonces jugaba en el segundo equipo de fútbol de Newscastle, y su compañero Gordon Solomon le dijo que parecía una abeja, tras lo cual todos empezaron a llamarle Sting (que en idioma español significa ‘aguijón’), que usa como nombre artístico desde entonces de manera exclusiva, excepto para documentos oficiales.
Antes de formar parte de The Police, Sting formó parte de un grupo de menor importancia —también llamado Sting—, el cual no grabó discos; sólo se sabe de una sola fecha en The Cave Pub, donde realizaron un único recital.

The Police
En 1977, Sting, Stewart Copeland (1952–) y Andy Summers (1942–) formaron en Londres la famosa banda de rock The Police. Previamente, el guitarrista corso Henry Padovani había abandonado el grupo, a causa de un conflicto con Andy Summers durante el festival de Mont-de-Marsan: se pelearon antes de un concierto por quién debía utilizar el mejor amplificador. Así el cuarteto inicial quedó configurado como el trío que sería conocido después.
El grupo tuvo varios discos en las listas de éxitos y ganaron seis Premios Grammy a principios de los años ochenta. Su último disco, Synchronicity, fue publicado en 1983. El grupo volvió a unirse en 1986, Sting propuso a sus compañeros la grabación de un nuevo disco de The Police, su intención era grabar reinterpretaciones de los temas clásicos del grupo. Pero la iniciativa no terminó cuajando, por un lado por lo tensa que era la relación entre Copeland y Sting, y por otro que a sus compañeros no les interesaba la idea, así que sólo se hizo una nueva versión de su tema Don’t stand so close to me, la cual sirvió de single para su LP recopilatorio Every breath you take. En el año 2007, el grupo volvió a juntarse y en mayo comenzaron una gira por Europa y Norteamérica. Juntos protagonizaron un documental sobre una de sus últimas giras donde quedaba claro el enfrentamiento entre Sting y Stewart Copeland.
Sting se ha aventurado de vez en cuando a actuar en el cine. Su debut cinematográfico tuvo lugar en 1979 con Quadrophenia. Aparte de su demoniaco personaje en Brimstone and Treacle (1982), uno de sus papeles más famosos fue el de Feyd-Rautha, en la adaptación cinematográfica de Dune de 1984. También ha tenido apariciones en televisión (incluyendo participaciones como artista invitado en Los Simpson y Ally McBeal) y en el teatro. La mayor parte de sus apariciones posteriores en créditos de cine o televisión han tenido que ver con su música.

Solista Sting en 1985.
Para el primer disco que grabó Sting en solitario en 1985, The dream of the blue turtles, reunió a un grupo de músicos reconocidos como estrellas del jazz. El disco incluía el single de éxito If you love somebody set them free. En el plazo de un año se convirtió en triple platino. También cantó en la introducción y el estribillo de la canción de Dire Straits Money for nothing. En 1987, Sting publicó Nothing like the sun, disco que supondría su reencuentro musical con Andy Summer. El LP incluía los éxitos We’ll be together, Be still my beating heart y They dance alone (canción en referencia a las madres chilenas que perdieron a sus hijos, quienes fueron desaparecidos durante la dictadura militar de Pinochet), dedicado a su madre, recientemente fallecida, y que pronto se convirtió en doble disco de platino, siendo reconocido como uno de los discos más importantes de rock & roll de los años 80. Poco después, en febrero de 1988, grabó Nada como el sol, una selección de cinco temas sacados del disco Nothing like the sun, que el propio Sting cantaba en español y en portugués.
A finales de los ochenta, Sting comenzó a dar su apoyo a diferentes movimientos medioambientales y humanitarios, incluyendo Amnistía Internacional. Junto a su novia de muchos años Trudie Styler y un líder indio kayapó (de Brasil), fundó la Rainforest Foundation con el objetivo de ayudar a salvar los bosques. Su apoyo a estas causas sigue vigente en la actualidad.
Su disco de 1991, The soul cages, dedicado a la memoria de su padre recientemente fallecido, incluía el éxito All this time y el tema ganador de un Premio Grammy, Soul cages. El disco llegó a ser disco de platino. Al año siguiente Sting se casó con Trudie Styler y fue nombrado doctor honoris causa por el departamento de música de la Universidad de Northumbria. En 1993 publicó el disco Ten summoner’s tales, que fue triple platino en poco más de un año. En mayo realizó una remezcla de la canción Demolition man de The Police para la película homónima.

En 1992 con Eric Clapton crean It’s problably me canción principal de la banda sonora Arma Letal 3, incluida en su disco Ten summonner’s tales.
Sting en 1994. Junto con Bryan Adams y Rod Stewart grabó el exitoso tema All for love, de la película de Los tres mosqueteros. La canción se mantuvo cinco semanas en el número uno de la lista de éxitos americana, consiguiendo ser platino. Hasta la fecha, es la única canción de Sting de la época posterior a The Police que ha alcanzado el número uno en las listas americanas. En febrero obtuvo de nuevo dos Premios Grammy y estuvo nominado para tres más. La Facultad de Música de Berklee le nombró doctor honoris causa en mayo. Finalmente, en noviembre, publicó una colección de grandes éxitos bajo el nombre de Fields of gold: the best of Sting, que alcanzó el doble platino.
El disco de 1996, Mercury Falling, debutó con fuerza, pero cayó rápidamente en las listas de éxitos. Sin embargo, el mismo año Sting entró en la lista de los cuarenta principales con dos temas You still touch me (junio) y I’m so happy I can’t stop crying (diciembre). En 1997 Sting participó también en en la versión que hizo Toby Keith de I’m so happy I can’t stop crying para su disco Dream walking. En 1998 apareció en la película Lock, stock and two smoking barrels.
Sting reapareció con el disco de septiembre de 1999, Brand new day, que incluía dos temas que se incluyeron en las listas de éxitos: Brand new day y Desert rose. Para enero de 2001, el disco había alcanzado un triple platino. En 2000 Sting ganó dos Premios Grammy por este disco y por la canción que le daba título, Brand new day. En la ceremonia de entrega de los premios Sting cantó Desert rose con Cheb Mami. Por esta actuación le fue concedido el Premio Khalil Gibran al Espíritu de Humanidad, otorgado por la Fundación del Instituto Árabe-Estadounidense.
Sting inauguró 2001 con una actuación durante el espectáculo celebrado en el descanso de la famosa Super Bowl estadounidense. En febrero añadió otro Grammy a su colección y su canción After the rain has fallen se abrió camino en los cuarenta principales. El 11 de septiembre, el mismo día de los ataques de Al Qaeda, grabó un nuevo disco en directo en su casa de la Toscana (Italia). El vídeo de esta actuación, aparecido en noviembre sin demasiado éxito de ventas, muestra el estado de ánimo en el que Sting y su banda se vieron obligados a actuar. En ese contexto, con los músicos y el público compungidos por los atentados, el tema Fragile sonó, más que nunca, como un emotivo himno por la paz a la luz de la luna toscana. Este disco y su video, bajo el título de All this time, incluía versiones «jazzísticas» de algunas de las canciones favoritas de Sting, como Roxanne y If you love somebody set them free (si amas a alguien, déjalo libre).
2002 fue un año de premios para Sting. Ganó un Globo de Oro y fue nominado para su segundo Premio de la Academia por su canción Until... de la película Kate & Leopold. En junio ingresó en el Hall de la Fama de los Compositores, una especie de museo virtual de los mejores compositores de la Academia Nacional de Música Popular. Más tarde, el mismo año, se anunció que su anterior grupo, The Police, ingresaría en el Hall de la Fama del Rock and Roll en marzo de 2003. En el verano, Sting fue nombrado Comandante de la Orden del Imperio Británico. Sin embargo, una encuesta llevada a cabo por Channel Four, uno de los principales canales de TV británicos, lo situó en el puesto número 81 en la lista de los «100 peores británicos del año 2003»
También en 2003 salió al mercado un nuevo disco original grabado en estudio, Sacred love, con toques raciales y experimentos, colaborando con la artista de hip-hop Mary J. Blige y la maestra del sitar Anoushka Shankar (hija de Ravi Shankar). En 2004 el cantante y compositor se embarcó en un tour, Sacred life, con actuaciones de Annie Lennox.
En el año 2007 editó un CD de música renacentista Songs from the labyrinth, sobre composiciones de John Dowland.
En 2008 aparece como jugador seleccionable en el videojuego Guitar Hero: World Tour, tocando una versión en vivo de Demolition man.
Recientemente como parte de una campaña en pro de la educación en América Latina Sting se presentó en la ciudad de México en un exclusivo evento que se llevó a cabo en el Colegio de las Vizcaínas.El 23 de febrero del 2011 ofreció un gran concierto de más de dos horas de duración en la explanada del Estadio Monumental de Ate en la ciudad de Lima. Todo esto en compañia de la Orquesta sinfónica nacional. El 25 de febrero de 2011 se presentó en la edición LII Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, siendo galardonado con todos los premios posibles, incluso con la Gaviota de Oro.
La reunión de The Police
Concierto de Sting con The Police en el Madison Square Garden (Nueva York) el 1 de agosto de 2007.
El 11 de febrero de 2007, The Police anuncia su reunión y abren el show de los premios Grammy interpretando Roxanne. El primer concierto de The Police fue llevado a cabo en Vancouver (Canadá) el 28 de mayo de 2007 frente a más de veinte mil fanáticos, en uno de los dos conciertos en esa ciudad. Su gira mundial los llevó a los Estados Unidos, México, Europa, América del Sur.
[editar]Carrera cinematográfica
Sting es también actor. Participó en Quadrophenia (la ópera rock de The Who); Radio on; Brimstone and teacle; Dune; La prometida; Plenty; Lunes tormentoso; Julia y Julia (en 1987 junto a Kathleen Turner y Gabriel Byrne); The adventures of Baron Munchausen (con Robin Williams, en 1988); Los caballeros no comen poetas de la mano de su mujer (con la actriz y productora Trudie Styler, que mucho tiempo atrás había participado del video de su canción We’ll be together); Malicia (de nuevo con Styler, donde desarrollaba el papel de un mayordomo manipulador), Lock, stock and two smoking barrels (de Guy Ritchie). También ha puesto la voz del narrador en un cuento para un programa de televisión a principios de los años noventa.
Sting, el más exitoso del trío Police, atesora cada vez más millones: el último paso del compositor fue la venta de todas sus obras, pasadas y futuras, a la compañía EMI por 30 millones de dólares. Uno de los contratos más abultados de la historia de la música, luego del de Elton John. A comienzos del 2000, el artista inglés se adjudicó dos premios Grammy: «mejor cantante masculino pop» y «mejor disco pop».
Sting ha logrado lo que pocos consiguieron: multiplicar como solista el éxito que lo había llevado a la fama como miembro de un grupo.
Vida personal
En 1976, Sting se casó con la actriz Frances Tomelty. La pareja tuvo dos hijos antes de su divorcio en 1982, la actriz Fuchsia Catherine "Kate" Sumner (1982) y el cantante Joseph "Joe" Sumner (1976), quien siguiendo los pasos de su padre ahora está en la música y es miembro de la banda Fiction Plane. Poco después comenzó a vivir con la actriz (y más tarde productora de cine) Trudie Styler, con quien se casó en 1992. Sting y Styler tienen cuatro hijos la actriz Mickey Sumner, la cantante Coco Sumner, el modelo Jake Sumner y Giacomo Luke Sumner. Aunque Sting posee varias propiedades en Reino Unido y en Estados Unidos, actualmente tiene su hogar en la región de Toscana (Italia).
No está claro si Sting hablaba en serio cuando dijo que padecía de trastorno bipolar (maníaco-depresivo). Su canción Lithium sunset (Atardecer de litio) parece referirse al carbonato de litio, que se utiliza en el tratamiento de este desorden mental. Según algunas informaciones, dijo eso porque quería ayudar a las personas que realmente sufren esta enfermedad.
A principios de 2005 Sting proclamó su interés por el hinduismo y declaró que quería pasar mucho más tiempo en la India por cuya cultura se siente fascinado. En una entrevista declaró: «En este momento lo que más me gusta es la religión hindú [...] Me he convertido en un adicto a la India. [...] Querría pasar el resto de mi vida descubriendo ese precioso país».[cita requerida]4 En materia de alimentación, es vegano estricto.
La especie de anfibio Dendropsophus stingi (endémico en Colombia) es un reconocimiento al músico por su «esfuerzo y compromiso para salvar la selva húmeda».
Discografía
Discos publicados en solitario, después de la disolución de The Police:
1985: The dream of blue turtles #3 RU, #2 EE. UU., ventas en EE. UU.: 3.000.000
1986: Bring on the night #16 RU
1987: Nothing like the sun #1 RU, #9 EE. UU., ventas en EE. UU.: 2.000.000
1988: Nada como el sol (EP)
1991: Soul cages #1 RU, #2 EE. UU., ventas en EE. UU.: 1.000.000
1993: Ten summoner’s tales #2 RU, #2 EE. UU., ventas en EE. UU.: 3.000.000
1994: Fields of gold: the best of Sting 1984-1994 #2 RU, #7 EE. UU., ventas en EE. UU.: 2.000.000
1996: Mercury falling #4 RU, #5 EE. UU., ventas en EE. UU.: 1.000.000
1997: The very best of Sting & The Police #1 RU, #46 EE. UU. (posiciones para el relanzamiento del 2002)
1997: At the movies (Solo en Japón)
1999: Brand new day #5 RU, #9 EE. UU., ventas en EE. UU.: 3.000.000
2000: Dolphins
2001: All this time (en vivo) #3 RU, #32 EE. UU., ventas en EE. UU.: 500.000
2003: Sacred love #3 RU, #3 EE. UU., ventas en EE. UU.: 500.000
2006: Songs from the labyrinth #?? RU, #?? ventas en EE. UU.: ??
2008: Rise and fall (presentando a Craig David)
2009: If on a winter’s night
2010: Symphonicities
Singles de éxito
De la banda sonora de Brimstone and treacle
1982: Spread a little happiness #16 RU
Del disco The dream of blue turtles
1985: If you love somebody set them free #26 RU, #3 EE. UU.
1985: Russians #12 RU, #16 EE. UU.
1985: Fortress around your heart #8 EE. UU.
1985: Love is the seventh wave #17 EE. UU.
Del disco Nothing like the sun
1987: We’ll be together #7 EE. UU.
1988: Be still my beating heart #15 EE. UU.
1990: Englishman in New York (remix) #15 RU
1990: Fragile #7 EE. UU.
Del disco The soul cages
1991: All this time #22 RU, #5 EE. UU.
Del disco Ten summoner’s tales
1992: It’s Probably Me (with Eric Clapton) #30 RU
1993: If I Ever Lose My Faith in You #14 RU, #17 EE. UU.
1993: Seven Days #25 RU
1993: Fields of Gold #16 RU, #23 EE. UU.
Single sin disco
1993: Demolition Man #21 RU
De la banda sonora de The three musketeers (Los tres mosqueteros)
1994: All for Love (con Bryan Adams and Rod Stewart) #2 RU, #1 EE. UU.
De Ten summoner’s tales
1994: Nothing ’bout me #32 RU
De Fields of gold: the best of Sting (1984-1994)
1994: When we dance #9 RU, #38 EE. UU.
1995: This cowboy song (con Pato Banton) #15 RU
De la banda sonora de Ace Ventura: when nature calls
1996: Spirits in the material world (Pato Banton presenta a Sting) #36 RU
De Mercury falling
1996: Let your soul be your pilot #15 RU
1996: You still touch me #27 RU
1996: I was brought to my senses #31 RU
De The very best of Sting & The Police
1997: Roxanne ’97 (remix) (con The Police) #17 RU
De Brand new day
1999: Brand new day #13 RU
2000: Desert rose (con Cheb Mami) #15 RU, #17 EE. UU.
2000: After the rain has fallen #31 RU
De Slicker than your average (disco de Craig David)
2003: Rise & fall (Craig David presenta a Sting) #2 RU
De Sacred love
2003: Send your love #30 RU
2003: Whenever I say your name (Sting presenta a Mary J. Blige)
2004: Stolen car (take me dancing) (presenta a Will.i.am)
2005: Never never (never live)

Información: Wikipedia/YouTube

La Ley de Murfi

2011-09-28T02:54:00.000-07:00

Últimamente nos es muy fácil de hablar de grupos y artistas que nacen o se hacen en ciertos laboratorios discográficos, para el uso y consumo de una gran mayoría, dejando de lado la autenticidad y por que no decirlo el lado romántico del asunto....

No es el caso de LA LEY DE MURFI, y sus más de 15 años a sus espaldas, tocando en directo a lo largo y ancho del país lo demuestran, raro es el garito o bar, en el que aún no han disfrutado con el arte y desenfreno de LA LEY DE MURFI..

Todo comenzó en el año de las olimpiadas (1992), dando paso a su primera formación bajo el nombre eso sí de JAM SEX. Lanzaron "Sexus" producido por Mario Martínez de LA UNION. Funky a rabiar, consiguiendo el apoyo unánime de la crítica y conciertos bajo los nombres de las emisoras más importantes del país, realizando también giras con Coca-Cola..

Como todos y a medida que se va creciendo también se va cambiando, el grupo comenzó a tomar otros campos a nivel musical, y dando a sí más forma a lo que en el 2000 ( y con el nuevo milenio) pasó a llamarse SPANIC. Convirtiéndose en un grupo de música alegre, fresca, divertida y desenfadada, fruto de la fusión de diferentes ritmos latinos, ska, funky, rumbas....

Su andadura e insistencia, presentándose a festivales y certámenes musicales les llevó a ganar en el 2001 el primer premio al Mejor Grupo y Mejor Tema en el Digital Rock 2001, patrocinado por MP3 y Sony. En este mismo año igualmente se hicieron acreedores del PRIMER PREMIO VILLA DE MADRID, tanto al MEJOR GRUPO como al MEJOR TEMA..

En el 2004 se vieron obligados a cambiar de nombre, a la tercera va la vencida, ahora bajo el nombre de LA LEY DE MURFI presentan su tercer trabajo con el titulo de "Fiesta".

Bajo este nombre sacan su tercer trabajo, "FIESTA", que contiene 13 temas, producidos por ALEJO STIVEL en Enero de 2004. 13 éxitos en el que la frescura y la rebeldía es la principal nota en casi la totalidad de todos ellos .

Singles como "Fiesta", "Sinvergüenza", "Quiero Beber", "Pio Pio", "Sabrosura"... sonaron con fuerza en todas las emisoras del país. "Fiesta" fue la sintonía de CANAL SUR y CANAL FIESTA RADIO.

Ya en 2007, en su evolución constante, nos sorprenden una vez más con el disco más maduro de la banda. Un POWER POP contundente, melodías pegadizas y una producción impecable (Mark Janipka) que lleva por título "El viaje de la Mariposa". Este trabajo cuenta con colaboraciones estelares como Mario Martínez (LA UNION), Rafa Gutierrez (HOMBRES G), Ricardo Moreno (LOS RONALDOS), Nacho MASTRETTA, Josu García (LA TERCERA REPUBLICA), Julian Kanevsky, Paul Larnaudie y César Alvarez (MALA SUERTE) entre otros.

Nuevamente nos regalan en el 2010 y, a proposito de su 20 aniversario, su nuevo trabajo "Corazón de Patata". 6 nuevas y profundas baladas grabadas en los estudios Find Us, más una selección de las mejores baladas de sus anteriores trabajos. Un regalo para escuchar desde lo más profundo de tu corazón (de patata).

Actualmente preparando nuevo material discografico para deleitar a sus fans con una nueva vuelta de tuerca a su repertorio...

Componentes
José Martín (voz principal y coros),
Jesús Martín (Teclados),
Tate Martín (Batería y coros),
Dani Moreno (Guitarra y coros),
Victor Moreno (Guitarra) y
Mark Janipka (Bajo y coros)

Información: Facebook fanPage/YouTube del autor
Imagen Banner: Nieves Febrer

R.E.M.

2011-09-26T02:00:00.000-07:00

R.E.M. fue una influyente banda de rock estadounidense, formada en Athens, Georgia en 1979,2 por el cantante Michael Stipe, el guitarrista Peter Buck, el bajista Mike Mills y el baterista Bill Berry. De las primeras bandas populares de rock alternativo, R.E.M. consiguió repidamente atención por el estilo arpegiado de la guitarra de Buck y las voces poco claras de Stipe. R.E.M. lanzó su primer sencillo, "Radio Free Europe", en 1981 en el sello discográfico independiente Hib-Tone. Pronto se expanden por todo el estado y en 1982 publican un EP, Chronic Town, con la discográfica I.R.S. Records.3 Combinando folk-rock y punk logran que la crítica les defina como auténticos innovadores de la música. Pronto su expansión se traduce a todo el país.
A principios de los años 1990, R.E.M. era enmarcado como una de las principales bandas pioneras del rock alternativo, lanzaron los álbumes más exitosos de la banda: Out of Time (1991) y Automatic for the People (1992), los cuales consolidaron totalmente al grupo. Monster, el siguiente álbum, fue un retorno a un sonido más orientado hacia el rock, con el que comenzaron una gira que se vio estropeada por emergencias médicas sufridas por la banda. En 1997, R.E.M. renovó su contrato con Warner Bros.
A finales de ese año, Bill Berry dejó la banda, dejando a Buck, Mills y Stipe como únicos miembros oficiales. Pasando por varios cambios en el estilo musical, el grupo continuó su carrera en la próxima década con variadas críticas y éxitos comerciales. En 2007, R.E.M. fue introducido al Salón de la Fama del Rock.4 R.E.M. se disolvió en septiembre de 2011, anunciando la separación en su sitio web.
Inicios (1980-82)
R.E.M. se formó en Athens, un pequeño pueblo universitario en el noreste del estado de Georgia, Estados Unidos. Descubriendo que tenían gustos musicales similares, el vocalista Michael Stipe (nacido el 4 de enero de 1960 en Decatur, Georgia) y el guitarrista Peter Buck (nacido el 6 de diciembre de 1956 en Berkeley, California) empezaron a trabajar juntos, y con el tiempo conocieron al bajista Mike Mills (nacido el 17 de diciembre de 1958 en el condado de Orange, California) y al baterista Bill Berry (nacido el 31 de julio de 1958 en Duluth, Minnesota). En abril del año 1980 la banda debutó bajo el nombre de Twisted Kites7 en la fiesta de cumpleaños de su amiga Kathleen O'Brien. Para el verano del mismo año, la banda ya eligió el nombre que emplearía en las siguientes décadas: R.E.M. Este nombre fue elegido aleatoriamente con la ayuda de un diccionario, y en realidad designa una fase del sueño (Rapid Eye Movement, en inglés, M.O.R Movimientos Oculares Rápidos, en español), que es aquella en la que ocurren los ensueños más profundos. En esta misma época, la banda conoció a Jefferson Holt, quien se convertiría en el mánager del grupo después de haber visto la primera actuación de la banda fuera de su estado (Georgia), concretamente, en Carolina del Norte. Más tarde, los miembros de la banda dejaron la universidad, con la firme intención de concentrarse en su carrera musical.

En el siguiente año y medio, la banda hizo una gira por todo el sur de su país, tocando una gran variedad de versiones. En este período, Peter Buck comenzó a desarrollar su distintivo estilo al mismo tiempo que Stipe comenzó a escribir sus primeras letras, muy enigmáticas y crípticas. En el verano de 1981, el grupo grabó su primer single, "Radio Free Europe", producido por Mitch Easter, que incluía como cara B la canción "Sitting Still". El single fue publicado por el sello discográfico Hib-Tone Records (en realidad, el estudio casero de un amigo del grupo), del que apenas se editaron 1.000 copias. El sencillo se convirtió en un éxito inmediato en las radios independientes que tenían una gran influencia en colegios y escuelas de todo el sur. Las letras indescifrables de Stipe y su distintiva voz hicieron del sonido de R.E.M. un sonido único e inimitable en los tiempos que corrían.
Crecimiento y consolidación (1982- 1989)
Gracias a la favorable respuesta que obtuvo el single "Radio Free Europe", sellos discográficos independientes de mayor tamaño comenzaron a interesarse en la banda. Así, R.E.M. firmaron un contrato con I.R.S. Records, sello bajo el cual publicaron su primer EP, Chronic Town (así como sus primeros cinco álbumes de estudio). Para promocionar la grabación, la banda se fue a California y, una vez allí, grabó un videoclip para la canción "Wolves, Lower". No obstante, Michael Stipe no quedó contento con el resultado y optaron por no utilizar el vídeo para promocionar el EP.
El primer álbum de estudio, Murmur, fue lanzado en el año 1983. El disco debut obtuvo un gran apoyo por parte de la crítica, sin ir más lejos, la revista musical Rolling Stone declaró a Murmur el mejor álbum del año 1983, y, aún hoy en día la gran mayoría de los críticos consideran a Murmur uno de los mejores álbumes de los años ochenta. Por otra parte, el álbum también obtuvo un considerable éxito comercial, llegando al puesto número 36 en la lista de álbumes de Estados Unidos (Billboard 200). El primer single del disco fue "Radio Free Europe", que fue regrabado. También se encontraban en el mismo disco "Sitting Still" (anteriormente grabada como cara b del single "Radio Free Europe" "Hib-Tone" y "Talk About The Passion", que fue lanzado como single en el año 1988. Gracias al gran éxito obtenido con el álbum debut, R.E.M. llegaron a hacer su primera aparición en la televisión, en el programa "Late Night With David Letterman", donde tocaron "Radio Free Europe" y "So. Central Rain (I'm Sorry)" (que después aparecería en su segundo álbum de estudio), si bien no tenía título cuando el grupo actuó en el programa ya mentado.
Su segundo álbum de estudio, Reckoning, se publicó en el año 1984, después de haber sido grabado en un tiempo récord (sólo en doce días). De la misma manera que en el anterior trabajo, Stipe continuó escribiendo letras ambiguas y casi indescifrables. El primer single fue el ya mencionado "So Central Rain", y como segundo single la banda optó por "(Don't Go Back To) Rockville", canción compuesta por Mike Mills. Si bien el álbum fue criticado por ser poco comercial por parte de las radios principales (mainstream), las radios independientes acogieron cálidamente el álbum.

Para el tercer álbum, Fables of the Reconstruction, la banda decidió cambiar el rumbo de manera drástica. Para ello, el grupo optó por viajar a Londres, justo a tiempo para disfrutar de un frío y húmedo invierno. Las sesiones en el estudio se convirtieron en mucho más complicadas de lo que la banda había previsto. Surgieron grandes tensiones, que más tarde la banda consideró fruto del frío al que tan poco estaban acostumbrados y la nostalgia, y la banda estuvo a punto de romper. Estas circunstancias tan tristes y oscuras que rodearon las sesiones de grabación, a la postre proporcionaron al álbum una identidad propia, un álbum muy oscuro que difería mucho de sus anteriores trabajos. En cuanto a las letras del trabajo, Stipe comenzó a escribir unas letras más comprensibles y se centró en las fábulas e historias de la mitología sureña. Según Michael, en una entrevista que concedió en el año 1985, se inspiró en "la idea de ancianos sentados alrededor del fuego y contando leyendas y fábulas a sus nietos".
Para su cuarto álbum la banda quedó poco satisfecha con Fables of the Reconstruction y cambiaron a un rumbo un poco más alegre y pop, de aquí nació Lifes Rich Pageant. Este álbum tuvo buena respuesta con sus sencillos "Fall On Me" y "Superman", que se convirtieron en éxitos en la lista US Mainstream Rock llegando al #5 y #17, respectivamente
Tras el ligero éxito de Lifes Rich Pageant, R.E.M. lanzó el álbum Document. Éste se convirtió en su primer disco de platino y el mejor hasta la fecha llegando al número #10 en el Billboard 200 y en el #28 en la lista del Reino Unido. Aunque "The One I Love" y "Finest Worksong" se convirtieron en éxitos, el favorito de los fans se convirtió su canción apocalíptica "It's the End of the World as We Know It (And I Feel Fine)". Este gran éxito les consiguió un contrato con la Warner Bros., el contrato más caro de ese tiempo, ya que el que los unía a I.R.S. había terminado.
Su sexto álbum, Green se convirtió en un gran éxito con sus sencillos "Stand", "Orange Crush" y "Pop Song 89" y sus canciones como "Turn You Inside Out". Después de este LP, la banda se fue de gira.
Impacto internacional (1990 - 1996)
En la década de los noventa la banda crece sobremanera y, con el disco Out Of Time (1991) que vendió más de 10 millones de copias y en especial el single "Losing My Religion" (cuyo vídeo fue muy criticado por la iglesia católica), R.E.M. alcanza el estatus de banda de culto en todo el mundo, por delante de grupos como U2 en las listas de ventas. Otros singles extraídos del disco fueron "Shiny Happy People", donde cantaban con Kate Pierson, la vocalista de The B-52's, "Low", "Near Wild Heaven" y "Radio Song" donde colaboraba el rapero KRS-One. Tras la publicación del disco, Peter Holsapple abandonó el grupo.
Un año después, en 1992, R.E.M. lanza un disco más oscuro y con letras más sórdidas, Automatic for the People, considerado como el mejor disco del grupo hasta el momento. Numerosos singles salieron de este disco: "Drive", "Everybody Hurts", "Man on the Moon", "The Sidewinder Sleeps Tonite", "Nightswimming" y "Find The River".
En 1994, R.E.M. lanza Monster, un disco mucho más guitarrero y estridente que los anteriores. Su éxito coincide con las muertes de dos grandes amigos de Michael Stipe, el líder de Nirvana, Kurt Cobain, para quién estaba escrito el tema "Let Me In" y el actor River Phoenix a quien está dedicado el disco. Con Monster el grupo trata con su característica polémica temas como el acoso de los medios de comunicación o el sexo. "King Of Comedy" es prueba de ello. También colaboran con el tema "Revolution" en la BSO de la película Batman & Robin.

Michael Stipe en el Festival de Glastonbury de 1999.
Tras el disco, vino una larga gira de 130 conciertos por los cinco continentes a los que se incorporó Scott McCaughey de manera definitiva hasta la actualidad y Nathan December, como guitarristas adicionales. En España dieron 3 conciertos, que abrieron la gira europea en febrero de 1995. Aparte de eso, la gira no estuvo exenta de problemas de salud para sus miembros ya que Mike Mills sufrió un ataque de apendicitis por el que se tuvieron que cancelar, entre otros, los conciertos de Madrid y Zaragoza de Julio. Pero seguramente por lo que será recordado este Tour es por el aneurisma cerebral que sufrió el batería Bill Berry durante el concierto que estaba dando el grupo en Lausanne (Suiza), que estuvo a punto de acabar con su vida. Berry abandona el grupo dos años después y con él se pierde parte del espíritu de la banda. La marcha de Bill Berry afecta a la música de R.E.M., que comienza a entrar en una etapa delicada.
El último disco con Bill Berry fue New Adventures in Hi-Fi (1996) donde se mezclaron temas en directo con temas grabados en estudio y donde destacó "E-Bow the letter" grabado con Patti Smith y que fue el primer single del LP. Le siguieron "Wake-Up Bomb", "Electrolite", "Bittersweet Me" y "How The West Was Won And Where It Got Us".

Nueva época como trío (1997 - 2011)
En 1998 lanzan Up. Bill Berry es sustituido por Joey Waronker al que se unió también Ken Stringfellow como teclista. El disco mucho más melódico y sensible destaca por la gran cantidad de electrónica que se usó para su producción. "Daysleeper" fue el primer single al que siguieron "Lotus", "At My Most Beautiful" y "Suspicion".
El siglo XX se fue a dormir, como dijeron en "Electrolite", con "The Great Beyond", una canción compuesta para la película-homenaje a Andy Kaufman, que tomó el nombre de la canción de R.E.M., "Man on the Moon".
2001 es el año elegido para lanzar "Reveal". Este álbum vio la luz en el mes de mayo, tras una larga grabación que llevó al grupo desde Miami a Vancouver pasando por Irlanda e incluso Israel. Combina los sonidos electrónicos que ya aparecían en "Up" con el pop de siempre. Los singles que salieron del álbum fueron "Imitation of Life", "All the Way to Reno" y "I'll Take the Rain". Tras la publicación del disco, el grupo decidió no hacer gira. Tan sólo se limitaron a unos pocos conciertos de presentación por Europa donde destacó el concierto ofrecido en Colonia. En España estuvieron actuando para Canal+.
Y en 2003, Warner decide lanzar el recopilatorio In Time: The Best of R.E.M. 1988-2003, que recoge los mejores éxitos del grupo en su etapa con la discográfica californiana. Bill Rieflin, se incorpora al grupo en sustitución de Joey Waronker. El recopilatorio salío a la venta en formato simple y doble con un CD extra que contenía abundante material publicado como caras B. Tras esto se embarcaron en un Tour de 55 conciertos.
Su siguiente disco fue lanzado en 2004 bajo el título Around the Sun, muy influenciado políticamente y cargado de críticas a la política del gobierno estadounidense de George W. Bush. Como antesala de ese lanzamiento, el grupo, junto a gente de la talla de Bruce Springsteen, participó en la gira "Vote for change" (Vota por el cambio), en claro apoyo al demócrata John Kerry. "Leaving New York", fue el primer single del disco al que siguieron "Aftermath", "Electron Blue" y "Wanderlust". También se incluyó "Final Straw", una canción contra la guerra de Irak que publicaron en su web oficial unos meses antes en formato demo. Tras el lanzamiento del disco, el grupo se embarcó en un Tour mundial de más de 113 conciertos. Fruto de esta gira, se lanzó un DVD en directo en octubre de 2007 llamado 'Live' con el concierto del 12 de febrero en The Point, Dublin. El DVD fue producido por Blue Leach
R.E.M. ha logrado alcanzar el estatus de banda leyenda del rock, y un puesto entre los mejores grupos de la historia. Además, su ciudad de origen Athens les ha guardado un rincón en el hall de la fama de Georgia.
El 1 de abril de 2008 salió a la venta Accelerate, producido por Jacknife Lee del que se extrajeron los singles "Supernatural Superserious", "Hollow Man", "Man-Sized Wreath" y "Until the Day is Done" (este último en formato dígital únicamente). Posteriormente se lanzaron a promocionarlo en nuevo Tour mundial, que los llevó por Europa, Estados Unidos y Sudamérica a la que regresaron después de un breve paso en 2001.
El siguiente disco, último de su actual contrato con Warner, comenzó a grabarse en mayo de 2009 con el productor Tucker Martine que se ocupó de la parte instrumental y en Diciembre se incorporó Michael Stipe.
Ya a finales de año se lanzó Live at the Olympia, un directo doble con las 39 canciones que se tocaron en los ensayos previos al lanzamiento de Accelerate en el Olympia Theatre de Dublín en julio de 2007, mas un DVD dirigido por Vincent Moon y Jeremiah que recopila los videos de algunas de las canciones incluidas en el disco.

Tras un 2010 en el que primaron más los proyectos paralelos de los miembros de la banda, R.E.M. estuvo grabando en durante sesiones en Berlín, Nashville y Nueva Orleans su último disco con Warner, que vió la luz el 7 de marzo de 2011 bajo el título Collapse into Now. Como anticipo, se lanzaron los singles "Mine Smells like Honey" en Norteamérica y "Überlin" en Europa a excepción de Alemania donde el single fue "Oh My Heart". Otras canciones como "Discovered" o "It Happened Today" fueron regaladas en Internet.
Separación
R.E.M. anunció el 21 de septiembre de 2011 que ponían punto final a su etapa como grupo. "A nuestros fans y amigos: Como R.E.M., y como amigos de toda la vida y co-conspiradores, hemos decidido dejar de funcionar como banda. Nos vamos con una gran sensación de gratitud, de finalidad, y de asombro por todo lo que hemos logrado. Para cualquiera que alguna vez se sintió tocado por nuestra música, nuestro más profundo agradecimiento por escucharnos.".
Miembros oficiales
Michael Stipe; voz (1979-2011)
Peter Buck; guitarra, mandolina, banjo (1979-2011)
Mike Mills; bajo, voz, teclados (1979-2011)
Bill Berry; batería (1979-1997)
Miembros no oficiales
Scott McCaughey; segunda guitarra, coros, teclados, sintetizadores, piano, bajo (1994-2011)
Bill Rieflin; batería (2003-2011)
Ken Stringfellow; bajo, sintetizadores, piano, coros, guitarra, teclados (1998-2007)
Joey Waronker; batería (1998-2002)
Peter Holsapple; segunda guitarra, teclado, piano (1989-1991)
Nathan December; guitarra (1995)
Barrett Martin; batería
Buren Fowler; guitarra

Discografía oficial
Artículo principal: Discografía de R.E.M.
Álbumes de estudio
Murmur (IRS - 1983)
Reckoning (IRS - 1984)
Fables of the Reconstruction (IRS - 1985)
Lifes Rich Pageant (IRS - 1986)
Document (IRS - 1987)
Green (Warner Bros - 1988)
Out of Time (Warner Bros - 1991)
Automatic for the People (Warner Bros - 1992)
Monster (Warner Bros - 1994)
New Adventures in Hi-Fi (Warner Bros - 1996)
Up (Warner Bros - 1998)
Reveal (Warner Bros - 2001)
Around the Sun (Warner Bros - 2004)
Accelerate (Warner Bros - 2008)
Collapse into Now (Warner Bros - 2011)
EP
Chronic Town (1982)
Recopilaciones
Dead Letter Office (1987)
Eponymous (1988)
The Best of R.E.M. (1991)
R.E.M.: Singles Collected (1994)
R.E.M.: In the Attic (1997)
In Time: The Best of R.E.M. 1988-2003 (2003)
And I Feel Fine... The Best of the I.R.S. Years 1982-1987 (2006)
DVD
Succumbs (1987)
Tourfilm (1990)
Pop Screen (1991)
This Film Is On (1991)
Pararell (1995)
Road Movie (1996)
In View (2003)
Perfect Square (2004)
When The Light Is Mine (2006)
R.E.M. Live (2007)
Live at the Olympia (2009)
Información: Wikipedia /YouTube

Pata Negra

2011-09-22T04:01:00.000-07:00

Pata Negra es una famosa banda de flamenco en la historia de la música española. Formada en el barrio Las Tres Mil Viviendas de la ciudad de Sevilla. Fundada por los hermanos Raimundo (cantante y guitarrista) y Rafael Amador (guitarrista y cantaor) tras la separación de la banda Veneno (la cual estaba formada por los dos hermanos ya mencionados y el músico Kiko Veneno).
Su estilo deriva de ritmos basados en flamenco y blues, que ellos bautizaron como "blueslería", marcando tendencias entre otras bandas modernas de flamenco. Pata Negra posee seis álbumes grabados entre 1981 y 1995. Tras el cuarto los hermanos se separaron y Rafael Amador quedó como único componente, con el que colaboraban otros músicos. Mientras, Raimundo se embarcaba en otras aventuras. Hay también publicados un directo, grabado en 1994, y otro disco que recoge lo mejor del grupo ("Best of Pata Negra", 1998). Sin duda, lo mejor de su producción es lo firmado por ambos y, especialmente, el cuarto álbum y último que hicieron juntos, "Blues de la Frontera" (1987). Está considerado como uno de los mejores discos editados en España en los ochenta. En él inventan un nuevo estilo que llamaron "blueslería", máxima muestra de la integración que consiguieron entre el blues y el flamenco.

Álbumes

Pata Negra (Mercury, 1981)
Temas
1-Los managers
2-Guitarras callejeras
3-Blues de los niños
4-La llaga
5-Bulerías de Menoría
6-Rock del Cayetano
7-Bulerías del aire
8-Mama
9-Tarántula
Rock gitano (Mercury, 1982)
Temas
1-Levante
2-Badajoz
3-Compañero del alma
4-Baladillo de los tres ríos
5-El tardón

6-Las Vegas
7-El partido
8-Nasti de plasti
9-Jessica
Guitarras callejeras (Nuevos Medios, 1985)
Temas
1-Juan Charrasqueado
2-Rock del Cayetano
3-Morao Mellizo
4-Ratitas divinas
5-Pata Palo
6-La pata negra
7-Los managers
Blues de la frontera (Nuevos Medios, 1987)
Temas
1-Bodas de sangre
2-Blues de la frontera
3-Pasa la vida
4-Yo me quedo en Sevilla
5-How high the moon
6-Camarón
7-Calle Betis

8-Lindo gatito
9-Lunático
Inspiración y locura (Nuevos Medios, 1990)
Temas
1-Tengo que volar
2-Anónimo jerezano
3-Genoveva
4-Romance de pago
5-Tu madre tuvo la culpa
6-To the one I love
7-Todo lo que me gusta es ilegal
8-Bulerías de Juan El Camas.

El directo (Nuevos Medios, 1994)
Grabado en la sala Zeleste (Barcelona) el 16 de febrero de 1989
Musicos
-Rafael Amador: voz, guitarra flamenca, guitarra electrica y bateria.
-Raimundo Amador: guitarra flamenca, guitarra electrica, bajo y bateria.
-Juanjo Pizarro: guitarra electrica
-Jesus Arispont: bajo
-Antonio Rodriguez: bateria
Temas
1-La muchachita (4'20)
2-Morao mellizo (4'03)
3-Aparta el corazon de las mangueras (2'30)
4-Bulerias del Moreno (5'49)
5-Blues de los niños (7'32)
6-Pata palo (4'38)
7-Lunatico (5'30)
8-El partido (3'55)
9-Camaron (3'03)
10-Bulerias en la bateria (3'35)
Como una vara verde (BMG Latin, 1995)
Temas
1-Gitanillos de corbata
2-Hotel amor
3-Mujer de blanco y negro
4-Cuando sale la luna
5-Si supieras
6-Yo quisiera ser
7-Mi prima Casimira
8-La vida es una cama
9-La primavera
10-Al cuerpo hay que darle placer
Recopilatorios
arte flamenco(1994)
Rock gitano (nuevas mezclas)(1994)
Best of Pata Negra (1998)
Pata Negra (2002)
Información: Wikipedia y YouTube

Veneno fue un grupo musical español formado en 1975 e integrado por Kiko Veneno y los hermanos Rafael y Raimundo Amador. En 1977 se publicó su único disco titulado como el nombre del grupo, Veneno. En 1978 se disuelve el grupo.
Obra
Aunque su único álbum no tuvo gran repercusión en su momento, actualmente es considerado uno de los mejores discos de la historia de la música en español y la revista Rockdelux lo eligió como mejor disco español del siglo XX. Hoy día el disco ha vendido ya más de 300.000 copias.
Discografía
Veneno (CBS, 1977)

DOCUMENTAL EN SEIS PARTES:

Maroon 5

2011-09-06T00:56:00.000-07:00

Maroon 5 es un grupo de pop rock estadounidense formado en Los Ángeles, California, en 1994. Aunque su nombre original fue Kara's Flowers, en 2001 y con la incorporación de un nuevo componente, la banda fue rebautizada con el nombre con el que se les conoce actualmente. Con su álbum debut Songs About Jane, publicado en junio de 2002, lograron obtener los discos de oro, platino y triple platino en varios países del mundo. Su segundo álbum titulado 1.22.03.Acoustic, en el cual incluyeron canciones en vivo del álbum Songs About Jane, también alcanzó el platino. El grupo ganó el premio Grammy como Mejor Artista Revelación en 2005. A finales de ese mismo año, la banda publicó el que sería su segundo álbum en vivo llamado Live - Friday The 13th, que fue grabado en mayo de 2005 en Santa Bárbara, California. El disco salió a la venta junto a un DVD del concierto y con él ganaron el premio Grammy a la Mejor Actuación Pop de un Dúo o Grupo con Vocal en 2006.
El estilo grunge de la voz del vocalista, Adam Levine, ha inspirado a muchos cantantes solistas amateurs, entre ellos Ben Deignan, Marie Digby, Limahl, David Choi, Salvador Solo, Joseph Vincent, Joey Carlos, Josh o Lindsey Lee, entre otros.
El instituto Brentwood High School de Los Ángeles vió nacer al grupo Kara's Flowers, una banda de garage/''grunge'' que fue presentada en el local Whisky a go-go el 16 de septiembre de 1994 (Adam Levine cantaba con una profunda voz al estilo grunge en ese tiempo).
La banda firmó un contrato con Reprise Records cuando todavía estudiaban en el instituto y lanzaron su único álbum de estudio The Fourth World a mediados de 1997. Sólo tres de los cuatro miembros estaban a punto de graduarse. Grabaron un vídeo para el primer sencillo del álbum llamado Soap Disco, pero éste no tuvo éxito en la cadena MTV.
A pesar de ser los teloneros en giras de otras bandas consolidadas como Reel Big Fish o Goldfinger, el álbum fracasó al salir al mercado y en 1999 la banda se desvinculó de Reprise Records. Debido a la gran popularidad que alcanzó más tarde el grupo Maroon 5, se vendieron más copias del álbum debut de Kara's Flowers, The Fourth World, después del lanzamiento de Songs About Jane que durante los años anteriores. Una vez cancelado el contrato con Reprise Records, los cuatro jóvenes retomaron sus estudios en diferentes universidades de Estados Unidos donde descubrieron nuevos estilos musicales y desarrollaron un gusto por la música pop, R&B, soul, y el gospel, experiencias que influyeron mucho en el estilo y el sonido de Maroon 5. Los cuatro miembros originales de Kara's Flowers permanecieron en contacto y empezaron a tocar juntos de nuevo en 2001. Jesse Carmichael cambió de la guitarra a los teclados, así que surgió un problema por la necesidad de un guitarrista adicional. James Valentine, que pertenecía de la banda Square, se les unió para llenar ese vacío.

Cuando Valentine se unió a Kara's Flowers en el 2001, la banda adoptó el nombre de Maroon, cambiándolo pocos meses después a Maroon 5 debido a un conflicto de nombre. La banda actuó en Nueva York y Los Ángeles a modo de presentación. Adam Levine reconoció en el período intermedio la influencia de nuevos estilos en la banda en una entrevista a VH1: "Durante el tiempo entre las negociaciones del disco, pasé mucho tiempo en Nueva York, donde estuve expuesto a la cultura urbana y el hip-hop de una forma que nunca había experimentado en Los Ángeles. Regresé con un género de música enteramente nuevo, el cual tuvo un profundo impacto en la composición de mis canciones".
La banda firmó con Octone Records, un sello discográfico independiente de New York, con distribución por medio de BMG y Clive Davis' J Records.
En septiembre de 2006, el batería de la banda Ryan Dusick decidió abandonar Maroon 5 y fue sustituido por Matt Flynn.
Songs About Jane
El grupo grabó Songs About Jane con Rumbo Recorders en Los Ángeles y contaron con Matt Wallace como productor, quien también había producido discos para otros artistas como Train, Blues Traveler, Kyle Riabko y Third Eye Blind. Gran parte del material del álbum debut de Maroon 5 estaba directamente inspirado en las tumultuosas relaciones de Levine con su ex-novia Jane. "Nosotros terminamos cuando la banda entró al estudio", explicó él (Adam Levine). "Después de una complicada lista de canciones, decidimos que el nombre del álbum sería Songs About Jane, porque sentíamos que podía ser una declaración honesta con el título".
El primer sencillo titulado "Harder to Breathe", empezó lentamente a subir posiciones en las listas, lo que ayudó a impulsar las ventas del álbum. Para marzo de 2004, el álbum llegó al Top 20 de la Billboard 200 y Harder to Breathe llegó al listado del Billboard 100. El álbum llegó al número 6 de la lista Billboard en agosto de 2004, 26 meses después de su lanzamiento. Éste fue el período más largo entre el lanzamiento del álbum y su aparición inicial en el Top 10 desde que los resultados del SoundScan fueron incluidos en el Billboard 200 en 1991. Songs About Jane había llegado eventualmente al Top 10 en las listas de éxitos de los álbumes de Australia mientras Harder to Breathe logró el Top 20 en las listas de éxitos en el Reino Unido y el Top 40 en Australia y Nueva Zelanda. El álbum también llegó al primer puesto en el Reino Unido y en Australia. La segunda canción "This love" también estuvo en el Top 10 de Estados Unidos y Australia y en el Top 3 de la lista de éxitos en el Reino Unido. La tercera canción, "She Will Be Loved", alcanzó el Top 5 en el Reino Unido, así como en Estados Unidos, y fue número 1 en Australia. El cuarto sencillo, "Sunday Morning", también alcanzó el Top 40 en los Estados Unidos, Reino Unido, y Australia.
It Won't Be Soon Before Long
En marzo de 2007, la Revista Billboard y otros medios similares, afirmaron que Maroon 5 estaba listo para lanzar su segundo álbum. It Won't Be Soon Before Long (A&M/Octone Records) fue lanzado mundialmente el día 22 de mayo de 2007. Adam Levine afirmó que este nuevo disco, sucesor de su anterior y exitoso álbum Songs About Jane, sería "mucho más sexy y fuerte", teniendo como inspiración artistas de los 80 como Prince, Shabba Ranks, Michael Jackson y Talking Heads. El disco se grabó desde noviembre de 2005 hasta mediados de Septiembre de 2006.
El primer sencillo, "Makes Me Wonder", fue lanzado por las emisoras de radio el 27 de marzo de 2007. El preestreno del video musical corrió a cargo de la cadena musical estadonunidense MTV en el programa Total Request Live más conocido como TRL, el 29 de marzo de 2007. El 31 de marzo del mismo año, Maroon 5 tocó la canción en los premios de la cadena Infantil Nickelodeon de ese año. En agosto del mismo año, lanzan su segundo sencillo, titulado "Wake up Call" con su correspondiente vídeo. Meses más tarde, precisamente en octubre de 2007, se estrena en televisión el tercer sencillo del segundo disco "Won't Go Home Without You". En mayo del año siguiente se entrenaría el cuarto sencillo titulado "If I Never See Your Face Again", reeditado como dueto con la colaboración de la cantante Rihanna. En el video se muestra a Rihanna con un look diferente al habitual y a Adam la mayoría del tiempo con un estilo más clásico, vestido con un traje negro. Se rodó dentro de una mansión. Su quinto sencillo fue "Goodnight Goodnight" que ya había sido lanzado previamente en Hong Kong y Canadá. En agosto fue su lanzamiento mundial y en el video se muestran un antes y un después de la relación de Adam con una chica.
Hands All Over
Es el tercer álbum de estudio del grupo, que ha sido producido por Robert Mutt Lange, quien ya trabajó con artistas de la talla de AC/DC, The Corrs y Shania Twain. El primer sencillo de este nuevo álbum es "Misery" , que fue promocionado desde junio en diferentes emisoras de radio a nivel mundial, además de lanzar el correspondiente vídeo promocional. El segundo sencillo de este album, "Give a Little More", fue estrenado una semana antes del lanzamiento del disco, el cual salió a la venta el 21 de septiembre del 2010. El 23 de diciembre de ese mismo año, promocionan en Facebook su tercer sencillo, "Hands All Over". Después de interpretar a una pareja en el video musical “Misery” de Maroon 5, Adam Levine y su novia la modelo Anne Vyalitsyna se unen nuevamente para otro clip de la banda. “Never Gonna Leave This Bed” fue grabado en una locación en Santa Monica, California. después para su cuarto sencillo hace un dueto con Christina Aguilera presentando Moves Like Jagger nombre del titulo de la canción.

Miembros de la banda
Adam Levine - voz y guitarra (1994–presente)
James Valentine - guitarra (2001–presente)
Jesse Carmichael - teclado (1994–presente)
Mickey Madden - bajo (1994–presente)
Matt Flynn - batería, percusión (2006–presente)
Ex miembros
Ryan Dusick - batería, percusión (1994–2006)
Discografía
Artículo principal: Discografía de Maroon 5
Álbumes de estudio
2002: Songs About Jane
2007: It Won't Be Soon Before Long
2010: Hands All Over
Álbumes de compilación
2007: The B-Side Collection
2008: Call And Response: The Remix Album
Álbumes en vivo
2004: 1.22.03 Acoustic
2005: Live – Friday the 13th
2008: Live from SoHo
2008: Live from Le Cabaret
Giras
Maroon 5 ha estado constantemente de gira desde su formación. A mediados de 2002 la banda estuvo de gira con Michelle Branch, Jasmine Trias y Nikka Costa. En el verano de 2003, estuvieron de tour con Graham Colton, John Mayer y Counting Crows. En agosto de 2005 la banda pudo compartir escenario con la banda The Rolling Stones. En otras ocasiones han compartido cartel con artistas como Gavin DeGraw, Phantom Planet, The Like, Jason Mraz, The Thrills, Marc Broussard o The Donnas.
El 13 de mayo de 2005, en Santa Bárbara, California, la banda concluyó su gira titulada Honda Civic Tour.
En octubre y noviembre de 2008 visitaron por primera vez Latinoamérica, presentándose en diferentes ciudades como: Buenos Aires, São Paulo, Río de Janeiro, Ciudad de México, Monterrey, Guadalajara, Bogotá, Santiago de Chile, Panamá y Caracas.1
Premios y galardones
2004
Billboard Music Award - Artista Digital del Año.2
MTV Europe Music Award — Mejor Artista Nuevo.
MTV Video Music Award — Mejor Artista Nuevo por "This Love".3
MTV Video Music Awards Latinoamérica — Mejor Artista Rock, Internacional.
MTV Video Music Awards Latinoamérica — Mejor Artista Nuevo, Internacional.
New Music Weekly Award — AC40 Grupo/Dúo del Año.
Teen Choice Award — Premio Mejor Tema Rock por "This Love".
Teen Choice Award — Premio Artista Revelación.
World Music Award — Mejor Artista Nuevo del Mundo.4
2005
Grammy Award — Grammy por "Mejor Artista Nuevo".5
Groovevolt Music and Fashion Award — Mejor Colaboración, de un Dúo o Grupo por "She Will Be Loved".6
NRJ Radio Awards — Artista Revelación & Mejor Canción Internacional por "This Love".7
2006
Grammy Award — Grammy por "Mejor Actuación de un Dúo o Grupo" por "This Love" (versión de Live - Friday The 13th).8
2007
Billboard Music Award — Álbum Digital Top por "It Won't Be Soon Before Long".
2008
Grammy Award — Grammy por "Mejor Actuación de un Dúo o Grupo" por "Makes Me Wonder".

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Coca-Cola

2011-08-19T03:21:00.000-07:00

Coca-Cola es un refresco efervescente vendido en tiendas, restaurantes y máquinas expendedoras en más de 200 países. Es producido por The Coca-Cola Company. En un principio, cuando la inventó el farmacéutico John Pemberton, fue una medicina patentada, aunque fue adquirida posteriormente por el empresario Asa Griggs Candler, cuyas tácticas de márketing hicieron a la bebida una de las más consumidas del siglo XX.
La compañía produce realmente un concentrado de Coca-Cola, que luego vende a varias empresas embotelladoras licenciadas, las cuales mezclan el concentrado con agua filtrada y edulcorantes para, posteriormente, vender y distribuir la bebida en latas y botellas en los comercios minoristas o mayoristas.
También existen variantes de la Coca-Cola, fabricados por la misma empresa, como la Coca-Cola Light y la Coca-Cola Diet; otras son la Coca-Cola sin cafeína, Coca-Cola Cereza, Coca-Cola Vainilla, Coca-Cola Zero, entre otras lanzadas especialmente como la de sabor limón.
Su mayor competidora es la también estadounidense Pepsi.

La Coca-Cola fue creada en 1886 por John Pemberton en la farmacia Jacobs de la ciudad de Atlanta, Georgia. Con una mezcla de hojas de coca y semillas de cola quiso crear un remedio, que comenzó siendo comercializado como una medicina que aliviaba el dolor de cabeza y disimulaba las náuseas; luego fue vendida en su farmacia como un remedio que calmaba la sed, a 5 centavos el vaso. Frank Robinson le puso el nombre de Coca-Cola, y con su caligrafía diseñó el logotipo actual de la marca. Al hacerse famosa la bebida en 1886 se le ofreció a su creador venderla en todo Estados Unidos. Pemberton aceptó la oferta (vendió la fórmula y su empresa en 23.300 dólares) y se abrieron varias envasadoras en Estados Unidos. Más tarde un grupo de abogados compró la empresa e hizo que Coca-Cola llegara a todo el mundo. Desde ahí la empresa se convirtió en The Coca-Cola Company.

Fórmula
Artículo principal: Fórmula de la Coca-Cola
La fórmula es un secreto comercial, guardado en un banco en Atlanta. Una leyenda urbana asegura que sólo tienen acceso a ella dos directivos.
El 15 de febrero de 2011, el periódico Time reveló que un grupo de "detectives accidentales", encontró la lista de ingredientes de la Coca-Cola.
Aunque la empresa refresquera negó que dichas aclaraciones fueran verídicas, varios medios de comunicación ya habían revelado la receta.
La receta es la siguiente según lo publicado:1
Extracto fluido de Coca: 3 dracmas
Ácido cítrico: 3 onzas
Cafeína: 1 onza
Azúcar: 30 (cantidad no clara)
Agua: 2.5 galones
Jugo de lima: 2 pintas, 1 cuarto
Vainilla: 1 onza
Caramelo: 1.5 onzas o más para el color
El sabor secreto 7X (utilice 2 onzas de sabor para un jarabe de 5 galones):
Alcohol: 8 onzas
Aceite de naranja: 20 gotas
Aceite de limón: 30 gotas
Aceite de nuez moscada: 10 gotas
Cilantro: 5 gotas
Nerolí: 10 gotas
Canela: 10 gotas

Sabor e ingredientes
El distintivo sabor a cola viene en su mayoría de la mezcla de azúcar y aceites de naranja, limón y vainilla. Los otros ingredientes cambian el sabor tan sólo ligeramente. En algunos países, como Estados Unidos y Argentina, la Coca-Cola es endulzada con jarabe de maíz. En México y Europa, Coca-Cola sigue usando azúcar. Aunque recientemente se legisló en México durante el mandato del ex presidente Vicente Fox, a favor de permitir el uso de fructosa para endulzar las bebidas como Coca-Cola, debido a que es más barata, al mismo tiempo provocó una ola de protestas campesinas en todo México y varios ingenios cañeros del país emplazaron a huelga, estas medidas no evitaron que la legislación mexicana diera marcha atrás.

La página web de la compañía declara que «En efecto, Coca-Cola no contiene cocaína u otra sustancia perjudicial, y la cocaína nunca ha sido un ingrediente de Coca-Cola». Esto se debe a que muchas personas creen que el nombre de la marca deriva de la cocaína, cuando realmente el nombre refiere a los principales ingredientes en la fórmula original.
Uno de los ingredientes que contiene la Coca-Cola es la cafeína, que es considerada un estimulante ligero, aunque la Organización Mundial de la Salud (OMS) considera un error comparar la cafeína con sustancias adictivas. Una botella de 235 ml de Coca-Cola contiene 23 mg de cafeína, mientras que 235 ml de café común, no descafeinado, contienen entre 61 y 164 mg de cafeína. Se considera un consumo moderado para adultos el tomar dos o tres tazas de café al día, lo que equivaldría a cinco o seis refrescos de lata.
Hoy en día la Coca-Cola es manufacturada como jarabe y suministrada a varias franquicias, las cuales la reconstituyen, embotellan y distribuyen.

Lata estadounidense de Diet Coca-Cola.
Coca-Cola Light (también conocida como Coke Light) es la versión de Coca-Cola con pocas calorías y sin azúcar. Tiene muchas variantes, como Coca-Cola Light Citra (en México), la Coca-Cola Light al Limón (en España, Chile, Brasil, etc.), la Diet Coca-Cola Cherry (en EE.UU.), etc. Fue introducida al mercado de Estados Unidos en julio de 1982

Composición
Coca-Cola Light usa aspartamo, un edulcorante sintético basado en la fenilalanina, para poder reducir el contenido de azúcar en la bebida. El aspartamo fue descubierto en 1965 y es ampliamente utilizado en la industria alimenticia. Su poder endulzante es 200 veces mayor que el azúcar. Una vez digerido, el aspartamo se transforma en ácido aspártico, fenilalanina (ambos aminoácidos, los cuales son la forma más sencilla de las proteínas) y una pequeña cantidad de metanol, todos estos son metabolizados normalmente. El aspartamo se encuentra naturalmente en muchos alimentos como la carne, la leche y algunas frutas como el plátano o la manzana.
El consumo aceptable de aspartamo es de 40 miligramos por kilogramo de peso al día; en un adulto equivale más o menos a tomar diariamente 17 latas de refrescos de dieta o más de 70 sobres de ese edulcorante. La única limitación importante se refiere a las personas con fenilcetonuria, la cual es una enfermedad congénita muy rara caracterizada porque el riñón no puede manejar la fenilalanina, ésta se acumula en el cerebro y si no es diagnosticada a tiempo y se somete al enfermo a una alimentación especial, produce retraso mental.
Nombres dados a la Coca-Cola Light en otros países
可口-可乐 en español deliciosa felicidad: nombre dado para China, en general.
Diet Coke'/Diet Coca-Cola: generalmente usado en los países angloparlantes, como así también en las ex colonias británicas. También fue usado en varios países latinoamericanos antes de 1997.
Coke Diète/Coca-Cola Diète: nombre dado a esta bebida en Québec (Canadá).
Coke Dieta/Coca-Cola Dieta: nombre dado a esta bebida en la comunidad hispana de Estados Unidos y Puerto Rico.
Coke Light/Coca-Cola Light: usado en la mayoría de países no angloparlantes.
No Calorie Coca-Cola: usado en Japón a partir de abril de 2007.

América y Europa
Es en América donde más se consume Coca-Cola. El récord mundial (2007) lo tiene México con 135,8 litros per cápita anual, seguido por Estados Unidos con 96,0 litros per cápita anual y en tercer lugar España con 95,4 litros per cápita anual.
Asia

Lata asiática de Coca-Cola
Coca-Cola se estrena en el mercado de China en 1928. Después de probar algunos nombres en chino que tenían significados diversos y ridículos, se encontró uno que sonaba parecido, "koo-koou-koo-la" que se traduce como "deliciosa felicidad".

Publicidad
La empresa Coca Cola fue innovadora al emplear publicidad en los medios de transporte.
Los anuncios de Coca-Cola siempre se caracterizan por la polémica que causan. Estos spots se caracterizan por incluir alguna música pegadiza, un mensaje profundo o, simplemente, por su larga duración. Por ejemplo, algunos de los spots de Coca-Cola más conocidos son:
1960: La pausa que refresca
1980: "La chispa de la vida"
1990: Es sentir de verdad
1995: Siempre Coca Cola
2001: "Para todos"
2002: "Despedido"
2004: "Del Pita Pita Del"
2006: "Estamos juntos" (Mundial de Fútbol 2006)
2006: "Insultos"
2007: "Generación de los 80"
2007: "La fábrica de la felicidad"
2007: "Lola"
2008: "Estrellas fugaces"
2009: "Hoy quiero" (versión latinoamericana de "Lola")
2010: "Destapa la felicidad"
2011: "Hay razones para creer en un mundo mejor"

Coca-Cola también tiene una tradición de publicidad usando a Santa Claus, que generalmente se muestra cumpliendo sueños en Navidad y al final tomando la gaseosa como recompensa.
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Girlschool

2011-07-18T04:10:00.000-07:00

Girlschool es una banda británica de heavy metal conformada solo por mujeres, originarias del movimiento NWOBHM (New Wave of British Heavy Metal). Disfrutaron algún éxito comercial a inicios de los ochenta, aunque en la actualidad tienen una sólida base de fanáticos y son la inspiración de muchas bandas de rock conformadas solo por mujeres.

En diciembre de 1978, lanzaron su primer sencillo, "Take it all away", que causó interés en el equipo de Motörhead, lo que hizo que Girlschool acompañara a dicha agrupación en la gira de su disco Overkill, en 1979. Su primer álbum vio la luz al año siguiente, y se tituló Demolition. De él se desprendieron los exitosos sencillos "Emergency" y "Race with the Devil". Este éxito comercial las llevó a girar con bandas como Uriah Heep y Black Sabbath.

En 1981 se reunieron de nuevo con Motörhead, para grabar el sencillo "Please Don’t Touch", que hizo parte del disco Hit and Run, y las llevó a salir nuevamente de gira, esta vez con Rush.

A partir de ese momento, empezaron a presentarse algunos cambios en la alineación. En 1983 lanzaron el disco Play Dirty, que tuvo buena acogida en los Estados Unidos.

Después vinieron dos discos más, Running Wild de 1985 y Girlschool de 1992, acompañados de su respectiva gira.

En el 2000 se lanzó el álbum Not that Innocent. Desde entonces han hecho presentaciones en festivales y giras, con artistas como Alice Cooper, Twisted Sister, y girando nuevamente con Motörhead.

Por seis años, la vocalista y guitarrista Kelly Johnson luchó contra el cáncer antes de su muerte, el 15 de julio de 2007.

Discografía

Álbumes de estudio

Demolition (1980)

St. Valentine's Day Massacre (EP) (1981)

Hit and Run (1981)

Screaming Blue Murder (1982)

Play Dirty (1983)

Running Wild (1984)

Nightmare at Maple Cross (1986)

Take a Bite (1988)

Girlschool (1992)

Not That Innocent: 21st Anniversary (2002)

Very best of Girlschool (2002)

Believe (2004)

Legacy (2008)

Álbumes en vivo

Girlschool Live (1996)

Girlschool Live: King Biscuit Flower Hour (1996)

Race With The Devil Live (2000)

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Facundo Cabral

2011-07-13T02:36:00.000-07:00

Facundo Cabral (La Plata, Provincia de Buenos Aires, Argentina, 22 de mayo de 19371 - Ciudad de Guatemala, 9 de julio de 2011) fue un cantautor argentino. Se caracterizó por sus composiciones de trova y sus soliloquios con anécdotas personales y reflexiones espirituales.
Un día antes de su nacimiento, el padre del futuro cantautor se fue del hogar. Él, su esposa y sus otros siete hijos vivían en casa del abuelo paterno de Facundo Cabral, quien expulsó al resto de la familia. De modo que Cabral afirmaría varios años más tarde que su nacimiento se produciría en una calle de la ciudad de La Plata. Sus primeros años los pasó en Berisso, localidad adyacente a La Plata. Posteriormente, la madre de Cabral y sus hijos emigraron hacia Tierra del Fuego, al sur de Argentina.
A la edad de 9 años, escapó de su hogar y estuvo desaparecido cuatro meses. Su propósito inicial era llegar hasta Buenos Aires para conocer al entonces presidente argentino Juan Domingo Perón, ya que tenía la referencia de que el mandatario "le daba trabajo a los pobres". Después de una larga travesía, transportado por diferentes personas, al llegar a la ciudad capital, un vendedor le dio la dirección de la Casa Rosada y al día siguiente Facundo Cabral, siendo apenas un niño, logró burlar el cerco policial alrededor del mandatario y su esposa, Eva Duarte y conversó con ambos. En un reportaje en los años 90 confesó que Eva Perón en ese momento dijo: "Por fin alguien que pide trabajo y no limosna". Gracias a esta conversación, logró que su madre obtuviera empleo y el resto de la familia se trasladara a la ciudad de Tandil.
Facundo Cabral tuvo una infancia dura y desprotegida; se convirtió en un marginal al punto de ser encerrado en un reformatorio pues se había convertido en alcohólico desde los nueve años de edad. Escapa y luego cae preso a los 14 años por su carácter violento. En la cárcel, un sacerdote jesuita de nombre Simón fue quien le enseñó a leer y escribir, lo puso en contacto con la literatura universal y lo impulsó a realizar sus estudios de educación primaria y secundaria, los cuales llevó a cabo en tres años, en lugar de los doce que era el período normal en Argentina. Un año antes de salir de la cárcel, Cabral escaparía de la prisión, aunque recibió aún ayuda del sacerdote. Gracias a un vagabundo, Cabral conoce la religión aunque declarándose librepensador, sin pertenecer a iglesia alguna. Poco después, se iniciaría como músico y cantante en el medio artístico.
Trayectoria artística
Cabral citaría así sus inicios en el medio musical: "Empecé a cantar con los paisanos, con la familia Techeiro. Y el 24 de febrero de 1954, un vagabundo me recitó el sermón de la montaña y descubrí que estaba naciendo. Corrí a escribir una canción de cuna, Vuele bajo, y empezó todo."
En 1959, ya tocaba la guitarra y cantaba música folklórica, admiraba a Atahualpa Yupanqui y a José Larralde, se trasladó a Mar del Plata, ciudad balnearia argentina, y solicitó trabajo en un hotel; el dueño lo vio con su guitarra y le dio la oportunidad de cantar. Así comenzó su carrera dedicada a la música; su primer nombre artístico fue El Indio Gasparino. Sus primeras grabaciones no tuvieron mayor repercusión. Luego se presentó con su apellido verdadero.
En 1970, grabó No soy de aquí, ni soy de allá que consagró su éxito. Empezó a ser conocido en el mundo, grabó en nueve idiomas con cantantes de la talla de Alberto Cortez, Julio Iglesias, Pedro Vargas o Neil Diamond entre otros.
Exilio y retorno
Durante la última Dictadura Argentina (1976-1983), era ya considerado un cantautor de protesta, lo que lo obliga a abandonar Argentina en 1976. Se radicó en México, donde continuó componiendo y haciendo presentaciones. Se estima que recorrió 159 países.
En 1984, regresó a Argentina con su nombre consagrado. Ofreció un recital en el Teatro Luna Park. Siguió por Mar del Plata. En 1987, hizo una presentación en el estadio de fútbol de Ferrocarril Oeste, en Buenos Aires, con capacidad para treinta y cinco mil personas. El 5 de mayo de 1994, comenzó una gira internacional.
Se presentó en conciertos junto a Alberto Cortez en “Lo Cortez no quita lo Cabral” uniendo humor y poesía con las canciones que hicieron famosos a ambos intérpretes. En enero de 1996, ambos actuaban en la ciudad de Mar del Plata, cuando Alberto Cortez debió ser operado debido a una obstrucción en la carótida, así que Cabral continuó con la gira de la cual se hizo una grabación.
Ya casi invidente, él mismo resumió en una nota: "Fue mudo hasta los 9 años, analfabeto hasta los 14, enviudó trágicamente a los 40 y conoció a su padre a los 46. El más pagano de los predicadores cumple 70 años y repasa su vida desde la habitación de hotel que eligió como última morada".
Artículo principal: Asesinato de Facundo Cabral
Sus últimos conciertos los realizó en un gira en Centroamérica. Se presentó en la Ciudad de Guatemala el martes 5 de julio de 2011 en el Expocenter del Grand Tikal Futura Hotel, a las veinte horas donde para despedirse expresó lo siguiente: “ya le di las gracias a ustedes; las daré en Quetzaltenango, y después que sea lo que Dios quiera, porque Él sabe lo que hace” 5 . El jueves 7 se presentó en el que sería su último concierto, en el Teatro Roma de la ciudad de Quetzaltenango, el cual cerró interpretando la canción No soy de aquí, ni soy de allá.
Fue asesinado el 9 de julio de 2011 alrededor de las 5:20 am, en Ciudad de Guatemala, víctima de un atentado aparentemente dirigido al empresario Henry Fariña el cual conducía al cantautor y a su representante al Aeropuerto Internacional La Aurora desde el hotel donde se hospedaba, para continuar en Nicaragua con su gira de presentaciones. El atentado fue perpetrado por varios sicarios que se dirigían en tres vehículos y armados con fusiles de asalto en el Boulevard Liberación de dicha ciudad quedando únicamente herido el empresario y fallecido el cantautor.
Pensamiento espiritual, estético y político
Influenciado en lo espiritual por Jesús, Gandhi y La Madre Teresa de Calcuta, predicó una especie de misticismo cristiano; en literatura tuvo admiración por Jorge Luis Borges con quien también mantuvo conversaciones filosóficas15 y por Walt Whitman. Este rumbo de observación espiritual, inconformista, se imprimió en su carrera como cantautor que tomó el rumbo de la crítica social sin abandonar su habitual sentido del humor. No se conoce que Cabral haya tenido participación militante en movimiento político alguno, aunque por muchos años abogó por el pacifismo como forma de solucionar conflictos autodefiniéndose como "violentamente pacifista" y "vagabundo firstclass",se identificó en sus últimos años con una especie de anarquismo filosófico y contemplativo.
Reconocimientos
No existe una lista documentada de sus reconocimientos discográficos, ya que Cabral al no tener una vivienda propia, sino que vivía en cuartos de hoteles, en los últimos años de su vida, decidió entregárselos a un conductor de taxis, conocido suyo, quien los coleccionaba. Sin embargo se reseñan los siguientes:
Ciudadano ilustre de la Ciudad de Buenos Aires.
Por el voto unánime de la Legislatura porteña y merced a "su gran trayectoria en la escena musical nacional e internacional y por su infatigable labor como mensajero de paz y unidad de los pueblos del mundo". Por 41 votos a favor y ninguno contra, la Legislatura porteña convirtió ley un proyecto de la diputada del PRO, Silvia Majdalani, que declara Ciudadano Ilustre de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires al cantautor Facundo Cabral. Según el artículo 1°, la legisladora afirma que hizo la presentación, no solo porque el trovador posee una "vastísima trayectoria en la escena musical nacional e internacional", sino por "su infatigable labor como mensajero de paz y unidad de los pueblos del mundo".
En reconocimiento a su constante llamado a la paz y al amor, la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco) lo declaró “Mensajero Mundial de la Paz” (1996). De hecho, el presidente Oscar Arias Sánchez de Costa Rica, lo propuso para el Premio Nobel de la Paz.20
Miembro honorario de Amnistía Internacional.

Discografía
La siguiente es una lista incompleta de su extensa discografía DVD y libros la Web de Facundo Cabral
El Carnaval Del Mundo,
Ferrocarril (1984, Universal music) en vivo.
Pateando nachos; en vivo en Estadio Chico, de Quilmes (1984)
Cabralgando, en vivo (1985)
Entre Dios y el Diablo (1986)
Hombre de siempre...
El profeta de Gibrhan
Gracias a la vida
Sentires
Reflexiones
Este es un nuevo día
El oficio de cantor
Secreto
Recuerdos de oro
Época de oro
Mi Vida con Waldo de los Ríos,
El Mundo Estaba Tranquilo Cuando Yo Nací,
No estás deprimido, estás distraído (2005, Audiolibro)
Cantar sólo cantar / Cabral sólo Cabral, volúmenes 1 y 2 (2006)
Con Alberto Cortez
Lo Cortez no quita lo Cabral, Vol. 1 en vivo (1994) ("No soy de aquí..", juntos)
Lo Cortez no quita lo Cabral, Vol. 2 en vivo (1995) ("No soy de aquí..", Video)
Cortezías y Cabralidades - Vol I y II (1998)

Obra literaria
De su obra literaria, Cabral mencionó en alguna ocasión que había escrito alrededor de 22 libros "sin títulos y sin autor", algunos escritos en interlineado a modo de Diálogos, como Alter Ego (1984) Ed. Corregidor, de su amigo el artista y pensador argentino, considerado el último beatnik Eduardo Sanguinetti, que eran considerados por su autor como textos manuscritos que se editaban y se imprimían, de los cuales existen traducciones en chino mandarín o japonés21 . Por ello, la siguiente es una lista incompleta de sus libros.
Paraíso a la deriva
Conversaciones con Facundo Cabral
Mi Abuela y yo
Salmos
Borges y yo
Ayer soñé que podía y hoy puedo
Cuaderno de Facundo
No estás deprimido, estás distraído.
Los papeles de Cabral

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Versiones: Nature Boy

2011-07-09T04:20:00.000-07:00

Nature Boy,es una canción de eden ahbez, publicada en 1947. La canción cuenta la historia de un chico extraño y encantador que viajó muy lejos solo para aprender que lo más importante de la vida es amar y ser amado. La grabación del tema que hizo Nat Cole en 1948 fue un enorme éxito, y desde entonces la canción se convirtió en un estándar tanto del pop como del jazz, interpretado por innumerables intérpretes.

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Don McLean

2011-07-09T02:17:00.000-07:00

Don McLean, (nació el 2 de octubre de 1945 en New Rochelle, Nueva York) es un cantautor estadounidense, principalmente famoso por su balada de 1971 "American Pie", sobre un acontecimiento que se conoce como El día que murió la música y se basa en la muerte de Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Booper en un accidente aéreo. Este tema fue versionado muchas veces, destacan las versiones de 2001 por Madonna en su disco "Music" y en español la de Hernaldo Zúñiga en 1984 titulada "Siglo XX".
Un poema sobre McLean, "Killing Me Softly With His Blues" de Lori Lieberman, se convirtió en una canción llamada "Killing Me Softly" por Charles Fox y Norman Gimbel. Lieberman fue el primero en grabarla (1971), aunque la canción alcanzaría su mayor éxito por los diferentes covers que se hicieron. Uno de los principales fue en 1973 con la voz de Roberta Flack y casi un cuarto de siglo más tarde, en 1996, otra versión de The Fugees la volvió a lanzar a la fama.
En 1981, McLean llegó al número uno internacional con el clásico de Roy Orbison "Crying". El mismo Orbison describió, en una oportunidad, a McLean como "la voz del siglo", y una futura regrabación del tema vio como Roy Orbison incorporaba elementos de la versión de McLean.
Curiosamente la banda estadounidense de punk rock NOFX, en su álbum "45 Or 46 Songs That Werent Good Enough To Go On Our Other Records", realizó una versión a su estilo de la canción "Vincent".

Discografía
Tapestry (1970)
American Pie (1971)
Don McLean (1972)
Playin' Favorites (1973)
Homeless Brother (1974)
Solo (1976) (directo)
Prime Time (1977)
Chain Lightning (1978)
Believers (1981)
Dominion (1982) (directo)
For The Memories I & II (1986-7)
Love Tracks (1987)
Headroom (1990)
Favourites and Rarities (1993)
River of Love (1995)
Don McLean Sings Marty Robbins (2001)
Starry Starry Night (2001) (directo)
You've Got To Share (2003) ("The Kid's Album")
The Western Album (2003)
Christmastime! (2004)
Rearview Mirror (2005)

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Al Stewart

2011-06-27T03:11:00.000-07:00

Alastair Ian Stewart es un músico, cantante y compositor británico, nacido en Glasgow, Escocia, el 5 de septiembre de 1945.
Sus inicios en la carrera musical los dio en The Sabres, un grupo de pop liderado por Tony Blackburn.
A mediados de la década de los 60 se trasladó a Londres para actuar como cantante folk, influenciado por Donovan y el sentido melódico de John Lennon, en clubes como Bunjie's Folk Cellar o Les Cousins. En 1966 grabó para la Decca su single debut, "The Elf" (cara b "Turn to earth"), que no obtuvo ningún tipo de repercusión comercial.
El mal resultado en ventas provocaría su marcha de la Decca y su llegada a la CBS, sello discográfico en el cual publicaría su primer Lp, "Bedsitter Images" (1967), un trabajo en el cual Stewart aposentaba sus materias amorosas en un barroco marco lleno de orquestaciones.
Gracias a la publicación de "Love Chronicles" (1969), un estupendo disco menos florido a nivel instrumental en el cual enfatizaba su temática sentimental alcanzaría el éxito en ambos lados del Atlántico, en parte gracias al extenso tema homónimo, que incluía a Jimi Page tocando la guitarra.
"Zero she flies" (1970) reiteró su gusto por los sonidos folk-rock y las buenas melodías, mostrando su habitual lado intimista.
"Orange" (1972), un sobresaliente album en el que colaboraron el teclista Rick Wakeman y el guitarrista Brinsley Schwarz, fue el preludio de "Past, Present and future" (1973), un ambicioso e irregular proyecto en el cual Al Stewart iba analizando con sus canciones parte del siglo XX, en el cual había cabida para las predicciones de Nostradamus.
El estupendo "Modern Times" (1975), una de sus mejores obras, producida por Alan Parsons, exhibía una tendencia más pop. El disco fue un gran éxito y supuso su último trabajo para la CBS.
Su Lp más famoso y el de mayor fortuna comercial fue "Year of the cat" (1976) producido de nuevo por Parsons, incluía la mítica composición del mismo nombre y por la que Al Stewart resulta más conocido.
Junto a ella otras grandes canciones como "On the border" o "Lord Grenville".
"Time passages" (1978) fue otro espléndido disco con sonoridad parecida al anterior que cosechó excelentes ventas.
A partir de ahí su carrera cayó en picado a nivel comercial, a pesar de publicar el interesante "24 Carrots" (1980), aunque todavía hoy sigue actuando antes sus leales admiradores.

Discografía
1967 Bedsitter Images
1969 Love Chronicles
1970 Zero She Flies
1972 Orange
1974 Past, Present And Future
1975 Modern Times
1976 Year Of The Cat
1978 Time Passages
1980 24 Carrots
1981 Indian Summer
1984 Russians & Americans
1988 Last Days Of The Century
1992 Rhymes In Rooms "Live with Peter White"
1993 Famous Last Words
1995 Between The Wars
1996 Seemed Like A Good Idea At The Time
2000 Down In The Cellar
2002 Time Passages Live
2005 A Beach Full Of Shells
2008 Sparks Of Ancient Light
2010 Uncorked "Live with Dave Nachmanoff"

Información: http://www.alohacriticon.com
Información 2: Wikipedia / YouTube

Tequila

2011-06-27T02:38:00.000-07:00

Tequila fue una banda hispano-argentina de rock fundada hacia 1975 por dos argentinos, Alejo Stivel (voz) y Ariel Rot (guitarra), y tres españoles, Julián Infante (guitarra), Felipe Lipe (bajo) y Manolo Iglesias (batería). Fue una de las bandas míticas en los primeros años de democracia en España.
Tequila surgió en el contexto de la Movida madrileña, acabado el franquismo, aportando un rock con influencias de artistas como Chuck Berry y, sobre todo, The Rolling Stones, sonando de modo muy alejado de los entonces pujantes acordes punk. Temas como Salta (que sonó por primera vez en el famoso concurso televisivo Un, dos, tres... responda otra vez), Quiero besarte o Rock and Roll en la plaza de un pueblo, catapultaron a los cinco miembros de Tequila al estrellato. Se disolvieron en 1982, entre otros motivos, por las constantes discusiones de sus miembros, ya enganchados a la lacra de aquella generación: la heroína.
Tras la disolución de la banda, Ariel Rot y Julian Infante volverían a juntarse en los años 90 para grabar el tema Me vuelvo loco, cortina del programa argentino Duro de domar, mientras que Alejo Stivel seguiría una exitosa carrera como productor discográfico. Manolo Iglesias falleció en 1994 y Julián Infante en 2000, ambos víctimas del sida.
En 2008, los supervivientes de la banda excepto Felipe Lipe que declina salir de gira, se han reunido como Tequila, fichando a cuatro músicos más: Josu García, Mac Hernández, Daniel Griffin y Mauro Mieta.La discográfica Sony-BMG ha editado un disco y un DVD con sus antiguas actuaciones en televisión.2 En ese mismo año 2008, la canción Que el tiempo no te cambie, es versionada y utilizada por las Juventudes Socialistas de España dentro de la Campaña Electoral como lema de apoyo a Zapatero.

En el año 2009, la banda realiza una gira por los diferentes mítines del PSOE como teloneros, en la Campaña para las Elecciones Europeas. Acudiendo, entre otros, a Vistalegre, Valencia, Sevilla y Ponferrada.

Discografía
Matrícula de honor (1978)
Rock & roll en la Plaza del Pueblo
Necesito un trago
Voy a hacerte un gran favor
Las vías del ferrocarril
Desabrochando
Nena, qué bien te ves
Buscando problemas
Mala leche
El ahorcado
Vacaciones en Copacabana
Abre el día
Israel
Rock and roll (1979)
Rock and roll
Y yo qué sé
Rock del ascensor
Todo se mueve
Quiero besarte
Matrícula de honor
Mister Jones
Hoy quisiera estar a tu lado
El barco
Me vuelvo loco
Viva! Tequila! (1980)
Mira esa chica
Que el tiempo no te cambie
Despistado
Es sólo un día más
Ring ring
Déjenme dormir
No llores
Las cosas que pasan hoy
Necesito un amor
Dime que me quieres
Confidencial (1981)
Me voy de casa
Nena
No me dejes sólo
Ya soy mayor
Dónde está mi brújula
Número uno
Esta chica no es para ti
Estoy en la Luna
Qué pasa conmigo
Salta!!
Recopilatorios
Éxitos (1982)
Tequila (1990)
Tequila Forever (1999)
Salta!!! (2001)
Lo mejor de la edad de oro del pop español (2001)
Vuelve Tequila (2008)

Información: Wikipedia y YouTube

Clarence Clemons

2011-06-14T01:20:00.000-07:00

Clarence Clemons, apodado Big Man (Gran Hombre) es un músico estadounidense. Conocido principalmente por ser el saxofonista de la E Street Band, por sus discos en solitario y por colaboraciones con importantes figuras musicales.

Clarence Clemons nació el 11 de enero de 1942 en Norfolk, Virginia. Se crió en Norfolk County, Virginia, estando expuesto desde pequeño a la música Gospel; debido a que su padre era predicador bautista.
A pesar de que Clemons no tenía predilección por la música secular, sí que era consciente de la manera en que la música afecta a la gente. A los nueve años recibió un regalo inesperado, e indeseado, que supuso un momento crucial en su vida; su padre le regaló un saxofón. A este primer saxofón lo bautizó como Jerome.
Tras sufrir la influencia de Elvis Presley y principalmente de King Curtis, Clemons decidió que era preferible una carrera musical antes que otros trabajos a los que podía acceder. Por lo que se dedica en serio al saxofón. Compagina tocar en bandas de jazz con sus estudios en el instituto y con la práctica del fútbol americano.
Clemons obtiene mayor éxito en el deporte que en la música, por lo que deja de lado esta última. En xxxx gana una beca deportiva para la Universidad de Maryland, y abandona el instituto en un intento de llegar a ser profesional. Se trasladó a Nueva Jersey y jugó de offensive center and defensive end en los New Jersey Generals y en los Newark Bears. En la víspera de una prueba para el Cleveland Browns, del que los Newark Bears es filial, Clemons sufrió un accidente de automóvil que truncó su carrera deportiva.Retomó el saxofón, refinó el sonido de su música y se sumergió en la escena musical de Jersey.También fue asistente social

En octubre de 1972, conoce a Bruce Springsteen y se une a la E Street Band.
Sus interpretaciones al saxofón son un sonido característico de la E Street Band; siendo el solo que interpreta en la canción Jungleland uno de los más famosos y elogiados. En la banda toca principalmente el saxofón tenor; pero en ocasiones también ha tocado el soprano y el barítono. En canciones en las que no interviene el saxofón, suele tocar varios instrumentos de percusión.
Clemons tiene una relación con la banda más amplia que la personal; ofrece un contraste visual junto a Springsteen en los conciertos (además de en la carátula del disco Born to Run) y como favorito del público, siempre es el último músico presentado en las introducciones de la banda, normalmente después de unos aduladores comentarios de Bruce Springsteen. En muchas introducciones e interludios de los espectáculos, Springsteen narra also delivered tall, sometimes supernatural tales regarding Clemons' initial appearance to Springsteen.
Extracto de la presentación del concierto de Boston del 24 de marzo de 1977:
On the drums the Mighty Max! (ovación)
On the organ Phantom Dan Federici! (ovación)
Yeah, yeah, yeah, yeah... yeah, yeah, yeah, yeah.
All the way from Philadelphia, Pennsylvania, the Miami Horns! (ovación)
Now, how can I say it? do I have to say it? do I have to say it?
Are you ready for the king of the world? for the master of the universe?
For Mr.Hollywood himself? for the biggest man in the world?
The Big Man on the saxophone, Clarence Clemons! (ovación)

La llegada de Clarence a la banda es celebrada por Springsteen en la canción "Tenth Avenue Freeze-Out". Extracto de la canción:
When the change was made uptown
And the Big Man joined the band
From the coastline to the city
All the little pretties raise their hands
De 1981 a 1983 Clemons fue propietario de la sala de actuciones Big Man's West, situada en Red Bank, Nueva Jersey.
En 1982 Clemons formó su propia banda: The Red Bank Rockers, con la que publicó el álbum Rescue.
Clemons ha realizado grabaciones con numerosos artistas y ha participado en varios proyectos musicales. Como su dueto con Jackson Browne para el single You're a Friend of Mine y su interpretación al saxofón en el single Freeway of Love de Aretha Franklin, ambos trabajos son de 1985. Desde el año 2000 colabora con el grupo The Temple of Soul.
También ha realizado apariciones en películas y programas de televisión. Su debut en este mundo fue en el musical New York, New York de Martin Scorsese (1977), donde hacía el papel de un trompetista. También ha sido doblador invitado en un episodio de los Simpson.

Según la página web Smoking Gun, Clemons es el único miembro masculino de la E Street Band que disfruta de un camerino privado. En él, requiere las galletas Carr's Water y Caviar de Beluga. Adicionalmente, Clemons disfruta de un pollo entero asado puntualmente a las 9,45 durante cada actuación con la banda.
En 1997, el Chicago Sun-Times publicó que se presentarón cargos contra Clarence Clemons por agresión física a su novia, Sharlene Smalley. Clemons evitó el procedimiento judicial aceptando la ayuda de un consejero, donando 1.000 dólares a la caridad, y escribiendo una carta de disculpa a su novia.
Desde el 5 de agosto de 2000 está casado con Elizabeth Connell-Barr y tiene tres hijos.
Falleció el 18 de junio de 2011, debido a un derrame cerebral. Su última aparición fue en el video The Edge of Glory de la artista Lady Gaga.

Discografía con la E Street Band al completo
Discografía con Bruce Springsteen
1973 - Greetings from Asbury Park, N.J.
1973 - The Wild, the Innocent and the E Street Shuffle
1975 - Born to Run
1978 - Darkness on the Edge of Town
1980 - The River
1984 - Born in the U.S.A.
1986 - Live/1975-85
1987 - Tunnel of Love
1988 - Chimes of Freedom
1995 - Greatest Hits
1998 - Tracks
1999 - 18 Tracks
2001 - Live in New York City
2002 - The Rising
2003 - The Essential Bruce Springsteen
2006 - Hammersmith Odeon London '75
2007 - Magic
2009 - Working on a dream
Discografía con Gary U.S. Bonds
1981 - Dedication
1982 - On the Line
Álbumes o singles en colaboración con otros artistas
1977 - Say Goodbye To Hollywood con Ronnie Spector
1977 - Baby Please Don't Go con Ronnie Spector
1979 - No Nukes con MUSE (Musicians United for Safe Energy)
1981 - In Harmony 2 - varios artistas
1987 - A Very Special Christmas - varios artistas
1988 - Folkways: A Vision Shared, tributo a Woody Guthrie y Leadbelly - varios artistas
1992 - All Alone At Christmas - Darlene Love
1996 - The Concert for the Rock & Roll Hall of Fame - varios artistas
2004 - Enjoy Every Sandwich: The Songs Of Warren Zevon, tributo a Warren Zevon - varios artistas
2011 - Edge Of Glory - Lady GaGa
2011 - Hair - Lady GaGa

Discografía con uno o más miembros de la E Street Band
1982 - Men Without Women con Little Steven y The Disciples Of Soul
Discografía como solista
1983 - Rescue
1985 - Hero
1989 - A Night With Mr. C
1995 - Peacemaker
2002 - Live in Asbury Park I
2004 - Live in Asbury Park II
Filmografía
1977 - New York, New York como Cecil Powell.
1989 - El alucinante viaje de Bill y Ted como el miembro central del consejo del futuro.
1993 - Distracción fatal como Clarence.
1998 - El ritmo continúa como miembro de los Louisiana Gator Boys.
1999 - Swing como Jack.
Apariciones televisivas
1985 - Different Strokes
1989 - Jake and the Fatman
1990 - The Flash
1994 - TV Nation
1997 - The Weird Al Show
1997 - The Sentinel
1998 - Nash Bridges
1998 - Sin City Spectacular
1998 - Viper
1999 - Los Simpson
2001 - That's Life
2002 - Saturday Night Live
2004 - My Wife and Kids
2004 - The Wire

Información: Wikipedia, YouTube

Les Paul

2011-06-09T04:51:00.000-07:00

Les Paul, de nombre real Lester William Polsfuss (Waukesha, Wisconsin, Estados Unidos, 9 de junio de 1915 - Nueva York, Nueva York, 13 de agosto de 2009), fue un guitarrista de jazz estadounidense y una de las más importantes figuras en el desarrollo de instrumentos musicales eléctricos y técnicas de grabación. Les Paul fue pionero en el desarrollo de las guitarras de cuerpo macizo con el diseño de los modelos Gibson Les Paul, que adoptaron su nombre, y en la grabación multipista. Su destreza en el manejo de la guitarra y las innovaciones técnicas que introdujo en el instrumento le hicieron ser conocido como «El mago de Waukesha».

Nació en Estados Unidos, hijo de George and Evelyn Polsfuss. Su nombre de nacimiento fue principalmente simplificado por su madre a Polfus, antes que adquiriera su seudónimo. También fue conocido como "Red Hot Red". Comenzó a interesarse por la música a la edad de 8 años, cuando empezó a tocar la armónica. Después de intentar con el banjo, empezó a tocar la guitarra. A los 13, Les Paul ya era semi-profesional como guitarrista de música country. A los 17 tocó con Rube Tronson's Cowboys. Poco después dejó la secundaria para unirse a Wolverton's Radio Band en St. Louis, Missouri en KMOX.
En los años 1930, Les Paul trabajó en Chicago, Illinois en la radio, tocando música jazz. Realizó sus primeros dos discos en 1936. Uno fue acreditado a Rhubarb Red, y el otro fue como acompañante de la música de blues Georgia White.

En enero de 1948 Les Paul sufrió un accidente automovilístico casi fatal en Oklahoma, en el que se lesionó sus brazo y codo derechos. Los doctores dijeron que no había manera de que recuperase el movimiento de su codo, y que su brazo permanecería siempre en la posición en la que los médicos la dejaran. Les Paul entonces les pidió a los cirujanos que ubicaran su brazo con un ángulo tal que le permitiera sostener y tocar la guitarra. Le tomó un año y medio recuperarse.
Falleció el 13 de agosto de 2009 en el "White Plains Hospital" en Nueva York debido a complicaciones con una neumonía.

Innovaciones de la guitarra eléctrica: "The Log"
Les Paul se vio insatisfecho con las guitarras eléctricas que se vendían a mediados de la década de 1930 y decidió experimentar por sí mismo con algunos diseños propios. Es famosa su creación, The Log, que no era ni más ni menos que un bloque macizo de 4” por 4” de madera de pino, con un puente, dos pastillas (pickups) y un mástil Gibson. Para mejorar la apariencia le agregó el cuerpo de una guitarra Epiphone, la cual estaba cortada a lo largo y tenía insertada la “Log” en el centro. Esto resolvió sus dos principales problemas: el acople o feedback, ya que el cuerpo acústico no resonaba cuando el sonido era amplificado, y la duración (sustain), ya que la energía de las cuerdas no se disipaba generando sonido a través del cuerpo de la guitarra.

El Trío Les Paul
En 1938, Les Paul se mudó a Nueva York formando parte de un trío que incluía, además de Les Paul, a Jim Atkins (el hermanastro mayor del guitarrista Chet Atkins) y al bajista y percusionista Ernie Newton. El trío consiguió un lugar protagónico en el show radial Fred Waring's Pennsylvanians.
En 1943 se mudó a Hollywood, donde formó un nuevo trío. Como reemplazante a último momento de Oscar Moore, Les Paul tocó con Nat King Cole y otros artistas en la inauguración del concierto Jazz at the Philharmonic, en Los Ángeles el 2 de julio de 1944. Ese mismo año, el trío de Les Paul apareció en el programa radial de Bing Crosby. Crosby auspició las grabaciones experimentales de Les Paul. Ambos grabaron juntos varias veces, incluyendo un "hit" que fue número uno en 1945: "It's Been A Long, Long Time".
Además de hacer de soporte de Crosby y otros artistas como The Andrews Sisters, el trío grabó algunos discos propios bajo el sello Decca en los últimos años de la década de 1940.

Les Paul y la Gibson Les Paul
Les Paul con la guitarra a la que dio nombre, durante un concierto en Nueva York, en 2008.
En 1941 Les Paul diseñó y construyó una de las primeras guitarras eléctricas de cuerpo macizo (Aunque Leo Fender, independientemente, también inventó la suya propia alrededor de la misma fecha y Adolph Rickenbacker había comercializado una también en los años 1930). Gibson Guitar Corporation diseñó una guitarra incorporando las sugerencias de Les Paul a principios de 1950 y se la presentó. Él estuvo lo suficientemente impresionado como para firmar un contrato por lo que se convirtió Rhubarb Redel modelo Les Paul (originalmente, sólo en versión "golden top"), y aceptó nunca volver a tocar en público ni ser fotografiado con otra que no fuera una guitarra Gibson. Dicho trato persistió hasta 1961, cuando Gibson cambió el diseño sin previa consulta a Les Paul, quien dice que la primera vez que vio la nueva Gibson fue en una vidriera de una tienda y que no le gustó. Aunque el contrato requería posar con la guitarra, él dijo que no era "su" instrumento y pidió que su nombre le fuera retirado a la misma. Gibson, entonces, renombró la guitarra "SG", a la vez que se convertía en uno de los best-sellers de la compañía.
También se ha dicho que Les rompió su promoción con Gibson porque estaba pasando por un divorcio y no quería que su esposa se quedara con tal dinero. Más tarde, Les Paul retomó su relación con Gibson y la cual siguió durante toda su vida. En la actualidad, la Gibson Les Paul se usa en todo el mundo tanto por novatos como por profesionales.

Innovaciones de grabación multipista
En 1947, Capitol Records realizó una grabación iniciada como un experimento en el garaje de Les Paul, titulada "Lover (When You're Near Me)", la cual presentaba a Les Paul tocando ocho partituras diferentes en guitarra eléctrica, algunas de ellas grabadas a media velocidad (half-speed), y por eso, cuando se tocaba a velocidad normal para el master, se llamaba “double-fast” (“Brazil”, grabado de igual modo, fue el lado B). Fue la primera vez que se llevó a cabo tal grabación. Asombrosamente, dichas grabaciones no fueron hechas con cinta magnetizada, sino con discos de pasta. Les Paul grababa su pista en un disco, y luego la volvia a grabar él mismo tocando otra parte junto con la primera. Él llevó a cabo la grabación Multi-track con pistas superpuestas en capas, en lugar de pistas paralelas, como haría luego.
Les Paul incluso construyó su propia planta de montaje de discos, basada en autopartes. Utilizó el volante de inercia de un Cadillac, por su peso y su superficie plana. Incluso en este período temprano, Les Paul usaba el disco de pasta para grabar partes a diferentes velocidades y con delay, resultando en su sonido característico con ecos y con riffs que asemejaban a cantos de aves.

Top 40 con Mary Ford
Después de la Segunda Guerra Mundial, Jack Mullin trajo de regreso a Estados Unidos el magnetófono alemán (grabador de cintas) en piezas, lo reensambló y se lo presentó por primera vez a Bing Crosby, quien lo usó para su programa de radio al finalizar la década de 1940. La compañía Ampex, con el respaldo de Crosby, creó el Ampex Model 200, el primer magnetófono de bobina abierta producido a escala comercial en el mundo. Crosby le dio a Les Paul el segundo Model 200, y Les Paul inmediatamente vio en él su potencial tanto para efectos especiales (tales como eco y flanging), como para adaptarse a la grabación multi-pista, de la cual él es considerado el padre. Utilizando esta máquina, Les Paul desarrolló su sistema de grabación de cinta multipista, agregando un cabezal grabador adicional y un circuito extra, permitiendo múltiples grabaciones no sincronizadas y separadas en la misma cinta. El invento de Les Paul fue rápidamente desarrollado por Ampex en grabadores comerciales de doble y triple pista. Dicha máquina fue la columna vertebral de los estudios de grabación profesional, además de la industria de la radio y la televisión en los años 1950 y principios de 1960.
A principios de los años 1950, Les Paul hizo un número de grabaciones revolucionarias con su esposa, Mary Ford, quien cantaba tan bien como tocaba la guitarra rítmica. Estas grabaciones fueron únicas por el peso de sus overdubbing, las cuales fueron prácticamente imposibles hasta el invento de Les Paul, la grabadora multipista. Entre las mejores canciones de la pareja, se incluyen "How High the Moon", "Bye, Bye, Blues", "The World is Waiting For The Sunrise", y "Vaya Con Dios".
En 1954 Les Paul continuó desarrollando esta tecnología, encargando a Ampex la construcción del primer grabador 8-track. La construcción de la máquina demandó tres años y, según Les Paul, para el momento en que comenzó a funcionar, su música ya había pasado de moda, por lo que no pudo grabar ningún "hit" con dicha máquina. Su diseño, conocido más tarde como Sel-Sync (Selective Synchronization), en el cual un cabezal de grabación especialmente modificado podía grabar una nueva pista, a la vez que reproducir una previamente grabada, fue la tecnología de punta para la grabación multi-pista durante los siguientes treinta años.

Su programa de radio
Les Paul fue el presentador de un programa de radio de 15 minutos, The Les Paul Show, en la NBC en 1950, presentando su trío (él mismo, Ford, y el guitarrista rítmico Eddie Stapleton) y sus electrónicos grabados desde su casa y con un amable humor entre Les Paul y Ford entre cada selección musical, varias de las cuales ya habían sido exitosas, algunas de las cuales anticipaban grabaciones de la pareja y muchas de las cuales presentaron deslumbrantes reinterpretaciones de piezas de jazz y pop como "In the Mood," "Little Rock Getaway," "Brazil," y "Tiger Rag". Varias grabaciones de estos shows aún hoy sobreviven entre los colectores radioyentes.
Durante éstos shows de radio, Les Paul presentó la legendaria "Les Paulverizer", la cual multiplica cualquier sonido dentro de ella, como una voz o un sonido de guitarra tal vez. Este invento incluso se convirtió en el centro de la comedia, con Ford multiplicándose a sí misma y el lavavajillas, así pudiera terminar los quehaceres domésticos más pronto.
Hasta hoy en día, nadie sabe exactamente cómo funciona una "Les Paulverizer".

Ya en 1960, Les Paul se retiró parcialmente, regresando al estudio ocasionalmente. Él y Mary Ford (nacida Iris Colleen Summers) se habían divorciado amistosamente en diciembre de 1964, ya que ella no podía tolerar el itinerante estilo de vida que el acto les requería. Las grabaciones más consagradas de Les Paul fueron de alrededor de los años 1970, un álbum para London Records, Les Paul Now (1967), en el cual actualizó algunos de sus más recientes éxitos.
En 1978, Les Paul y Mary Ford fueron presentados en el Salón de la Fama Grammy. Él recibió un Grammy Trustees Award por sus éxitos en 1983. En 1988, Les Paul fue inducido en el Salón de la Fama del Rock por Jeff Beck. En mayo de 2005, Paul también fue inducido en el National Inventors Hall of Fame por el desarrollo de su guitarra de cuerpo sólido, y en el 2006 en el National Broadcasters Hall of Fame. En los años 1980 Paul regresó a la actividad semanal en vivo en Nueva York.
En 2006, a la edad de 90 años, Les Paul ganó dos Grammys en la 48ª Entrega de Premios Anual por su álbum Les Paul & Friends: American Made World Played. También se presentaba semanalmente acompañado en piano por John Colianni en el Iridium Jazz Club, en Broadway, Nueva York.

Discografía
Sencillos
"Lover (When You're Near Me)"
"Bye Bye, Blues"
"How High the Moon"
"Vaya con Dios"
"I'm Sitting on Top of the World"
Álbumes
The Les Paul Trio
Swingin' South
Lover's Luau
Warm and Wonderful
The World is Still Waiting for the Sunrise
New Sound
Hits of Les and Mary
Les Paul Now!
Chester and Lester - álbum con Chet Atkins
Les Paul: The Legend and the Legacy
Les Paul & Friends: American Made World Played

Información: Wikipedia, YouTube

Calexico

2011-06-08T10:02:00.000-07:00

Calexico es un grupo estadounidense de folk indie y americana originario de Tucson, Arizona. Sus dos líderes, Joey Burns (voz y guitarra) y John Convertino (batería) comenzaron a tocar juntos en la banda angelina Giant Sand antes de fundar Calexico. El grupo se caracteriza por incorporar en su sonido una ecléctica variedad de música, destacando el folk del suroeste de Estados Unidos y del norte de México combinado con sonidos de música independiente; algo que suena a spaghetti western moderno con aires fronterizos.
Los orígenes de Calexico se remontan a 1990, cuando Joey Burns, por entonces estudiante de la Universidad de California, Irvine, se incorporó a Giant Sand como bajista, grupo en el que John Convertino tocaba la batería.
Giant Sand se trasladaron a Tucson en 1994, donde Burns y Convertino formarían parte de Friends of Dean Martinez, su primer proyecto paralelo que abandonarían en 1996. En el mismo año formarían Spoke, nombre que cambiarían por Calexico poco más tarde, alternando su presencia tanto en este nuevo proyecto como en su primer grupo Giant Sand.

Como Calexico
Su primer disco, Spoke (1996), fue una edición limitada a 2.000 copias grabada para la compañía independiente alemana Hausmusik. Tras firmar con la compañía Quarterstick Records cambiarían su primer nombre por el de Calexico, reeditando su primer álbum un año después bajo el nombre definitivo del grupo. El nombre proviene de la conjunción de California y México.
En 1998 grabarían su segundo álbum titulado The Black Light, un disco inspirado en el desierto de Arizona y del norte de México que recibió excelentes críticas en la prensa musical. El grupo actuó como telonero de bandas como Pavement y Lambchop, así como en festivales repartidos por todo Estados Unidos.
Tras la grabación de Road Map (1999), un disco en directo de tirada limitada disponible únicamente en sus conciertos, editaron su siguiente álbum Hot Rail en 2000, en el que su sonido sufrió una evolución al incorporar instrumentos como violines, trompetas y trompas así como influencias de del jazz y la música mariachi. También contaron con la colaboración de la cantante francesa Françoiz Breut en la canción Ballad of Cable Hogue. Los miembros del grupo estuvieron ocupados durante este año con el disco de Giant Sand Chore of Enchantment, lo que no impidió que editaran otro trabajo en vivo que sólo se podía adquirir en sus conciertos, esta vez titulado Travellal.

A finales de 2000, la banda grabó un disco compartido con el dúo francés Amor Belhom Duo bajo el título de Tete a tete que salió a la venta en 2001. En el mismo año se editaron dos recopilaciones con material inédito de la banda; el primero de ellos fue Even My Sure Things Fall Through, reeditado posteriormente como Mariachi luz de luna y que incluía rarezas, caras B y remixes. El segundo, titulado Aerocalexico fue otro de los discos que edita el grupo para venderlos en sus conciertos.
Después de su álbum en directo The Scraping, en 2003 editarían su cuarto disco de estudio titulado Feast of Wire, con el que entraron por primera vez en la lista Billboard de discos más vendidos. La canción Güero Canelo incluida en este disco fue elegida para formar parte de la banda sonora de la película Collateral. Un año después saldría a la venta su primer DVD, grabado en el Barbican Centre de Londres bajo el título World Drifts In: Live at the Barbican.
En 2004 la banda contribuyó con la canción Burnin' Down the Spark a la reaparición de Nancy Sinatra con su disco homónimo. En este álbum, además de Calexico, colaboraron varios artistas que se declaran admiradores de la hija de Frank Sinatra, como Morrissey, Jarvis Cocker o Thurston Moore de Sonic Youth.
Un año más tarde grabaron un EP compartido con Iron & Wine bajo el título In the Reins que recibió una muy buena acogida por la crítica, además de conseguir entrar en el Billboard 200 y llegar al nº12 en las listas de éxitos independientes. Después de la grabación, ambos grupos comenzaron una gira conjunta para promocionar el disco. En el mismo año volvieron a colaborar con Françoiz Breut en algunos temas del álbum de la artista francesa titulado Une Saison Volée.

Su quinto trabajo oficial, Garden Ruin (2006) evidenció una vuelta a la americana de sus primeros trabajos, dando menos importancia a los instrumentos de viento y centrándose más en la parte vocal y las guitarras. También sería con diferencia su álbum más político, criticando en él la tragedia de la guerra y el patriotismo ciego de algunos sectores de su país. En la canción Roka contaron con la participación de la cantante granadina Amparanoia, quien ya les había acompañado en sus giras como corista.
En el año 2008 colaboran como banda de acompañamiento en el álbum de debut de Depedro, proyecto personal del músico madrileño Jairo Zavala (La Vacazul, Amparanoia).
Discografía
Álbumes de estudio
1997 Spoke
1998 The Black Light
2000 Hot Rail
2003 Feast of Wire
2006 Garden Ruin
2008 Carried To Dust

Otros álbumes
1999 Road Map
2000 Travelall
2001 Tete a Tete, como ABBC con Amor Belhom Duo
2001 Aerocalexico
2002 Scraping
2005 The Book and The Canal
2007 Tool Box
2010 Circo (Soundtrack)
EPs
2001 Even My Sure Things Fall Through
2004 Convict Pool
2004 Black Heart
2005 In the Reins compartido con Iron & Wine
DVD
2004 World Drifts In: Live at the Barbican
Remixes
2001 "Human Calexico Vocal Version" Remezcla de la canción de Goldfrapp
Información e Wikipedia

10 de Alvite

2011-06-06T03:25:00.000-07:00

Textos de José Luis Alvite

Recuerdo, como si acabase de suceder, la noche que escuché aquel consejo primerizo del viejo barman del Savoy. Me recomendó que me tomase “una copa para afrontar la situación y otra, muchacho, para olvidarla”. Ernie Loquasto llevaba poco tiempo al frente del club. Se lo había comprado al viejo Giacomo Pavese, un tipo muy desconfiado del que se decía que cacheaba a su madre antes de abrazarla y que por lo visto había llegado al extremo de zurrarle a su mujer cuando estaba embarazada porque se le metió en la cabeza que aquel hijo no solo no era suyo, sino que ni siquiera parecía seguro que fuese de ella. El rudo Pavese fue cliente del Savoy hasta su muerte. Fue él quien una madrugada me sugirió que me tomase las cosas “con la inquieta calma que se necesita para que el sudor te enfríe la cabeza”. “Todo llega inexorablemente a su debido tiempo, hijo, de modo que métete en la cabeza la idea de que la vida hay que vivirla como la viven esos tipos que saben que lo importante es tomar a tiempo el primer tren que salga tarde”.

1 Jamás he discutido la relavancia histórica de The Beatles. Reconozco sin embargo que muchos de sus trabajos más brillantes mejoraron gracias a lo bien que estropeaba Ray Charles sus canciones. El bueno de Ray deformó también "Somewhere over the raimbow" hasta converirlo en algo dolorosamente hermoso.

2 Shirley Bassey siempre tuvo una gran voz, aunque cuando era joven decian que poseía un excitante atractivo físico y al hacerse mayor se dijo que lo que derrochaba era personalidad, que es en lo que la drecepitud convierte a veces la belleza. A medida que me fui haciendo mayor me he dado cuenta de lo injusto que es que aun haya quien crea que en las mujeres el paso del tiempo transforma en personalidad la belleza y convierte en grasa el talento.

3 A veces uno sale de viaje y si le rinde el cansancio no es por el tiempo que lleva conduciendo, sino por el camino que le queda aun por recorrer. La ignorancia ha producido a menudo más felicidad que la alegria. Yo hoy me siento esperanzado y supongo que eso se debe solo a que ignoro muchos de los motivos por los que acaso soy feliz.

4 A veces una buena canción nos arraca confesiones sinceras con las que no contábamos. Sonaba la voz de Nancy Wilson la noche que le confesé mis sentimientos más nobles a la mujer que entonces me gustaba. Le dije que por ella me latía el corazón por fuera pecho, pero como estaba casado, le pedí que aquello fuese secreto. Y entonces ella me dijo: "Ní tú tienes el corazón tan grande, ni tengo yo la boca tan pequeña".

5 Tom Waits me presta su canción y su voz para implorar vuestro perdón si por algo os parece que no os presto en mi muro la atención que sin duda mereceis. Mi aparente desidia no se debe a un sentimiento de soberbia, ni es el resultado de una ectitud arrogante, sino, sinceramente, la consecuencia de una manera algo caótica de entender la vida y las relaciones sociales. Puedo aseguraros que si me dieseis la espalda, no me importaría mendigar la recuperación de vuestro afecto.

6 Cada noche que paso en el hotel Cuzco de Madrid me asomo de madrugada la ventana y miro a mi alrededor como cuaja la cristaleria de la ciudad dormida, como fragua el perplejo cuarzo del sueño. Si sonase en ese instante algo como esto, me preguntaria también si habría en alguna parte de la ciudad cansada una mujer que me dejase novelar su tristeza trascribiendola sin prisa en el vuelo coagulado de su vestido.

7 Que fuese escrita por George Gershwin es suficiente aval para garantizar que estamos ante una canción con genuino toque Savoy. Suena lenta y elegante, como cualquiera de esas canciones que nos ayudan a creer que no amanecerá mientras nos cierre los ojos uno de esos analgésicos besos de mujer que nos llenan de esperanza el alma y nos estampan en los labios una mariposa con el cuerpo de saliva y las alas de carmín.

8 Las personas que amaron mucho conocen el sabor del desamor del mismo modo que quienes caminaron mucho saben de qué se trata el cansancio. Desde mi óptica de escreitor yo creo que hay dos clases de amor: el que acaba felizmente en una boda y el que desemboca con amargura en una novela. A mi me gustan los amores que por lo que por suerte salieron mal, seguramente poque las cosas que hacen reir me interesan menos que las que dan que pensar.

9 El viernes descargó una tormenta sobre Madrid y la Feria del Libro casi quedó desierta. Luego vino el sábado y en las pisadas de la lluvia me encontré las huellas recién lavadas de la gente que me lee y de quienes incluso me tienen afecto. Esta cancion va dedicada a todos vosotros con la gratitud de quien cree haber descubierto que si viniesen mal dadas, no le dejarian caer al suelo las cariñosas manos de la lluvia.

10 Es dificil elegir entre el original, de Leonard Cohen, y la copia, del malogrado Jeff Buckley. Son voces distintas, emociones diferentes y una canción que a mi me produce juntos el placer de intentar reflexionar y el remordimiento de conseguirlo. Yo creo que a la voz escuálida y desnuda de Jeff le sienta como ropa la voz profunda de Cohen, uno de esos tipos sensibles, austeros e impenetrables que incluso calientan el café con sus manos frias.

Slash

2011-05-14T02:33:00.000-07:00

Saul Hudson (n. 23 de julio, 1965 en Inglaterra), mejor conocido como Slash, es un guitarrista de hard rock.
Fue el guitarrista solista del grupo estadounidense Guns N' Roses durante muchos años, y más tarde participó en la banda Velvet Revolver junto con sus compañeros Duff McKagan y Matt Sorum de Guns N' Roses y el guitarristaDave Kushner (ex miembro de Suicidal Tendencies e Infectious Grooves). También formó parte del grupo Slash's Snakepit con el que grabó dos discos y de Slash's Blues Ball, en el que realizaba versiones de canciones del género blues. Distintas revistas lo han situado en lo más alto de sus rankings de guitarristas.1

Carrera musical
Slash audicionó para la banda Poison, cuando esta estaba en formación, pero no fue elegido por los mismos integrantes de la banda. Perteneció a la banda Road Crew junto con Steven Adler, futuro baterista de Guns N' Roses. En 1985 la banda Guns N' Roses, despidió a su guitarrista original Tracii Guns, en ese momento Slash se une a la banda a la que antes se había unido ya Duff McKagan y luego Steven Adler.
En 1987 editan su álbum debut, Appetite for Destruction, el disco vendió 33 millones de copias, tuvo tres canciones entre el top 10 («Welcome to the Jungle», «Sweet Child o' Mine» y «Paradise City»), y alcanzó el número 1 en las listas. Appetite For Destruction es el disco debut más vendido de la historia.
En 1988 graban su segundo álbum de estudio, G N' R Lies. Que incluye las cuatro canciones del demo Live ?!*@ Like a Suicide más cuatro canciones grabadas en vivo, incluyendo la controvertida «One in a Million».
En 1991, Guns N' Roses se embarcó en una larga gira de 28 meses, "Use Your Illusion Tour", que coincidió con el lanzamiento de sus nuevos discos Use Your Illusion I y Use Your Illusion II, una de las giras mas extensas de todos los tiempos. Después de la gira de los Use Your Illusion, Slash se convirtió en ciudadano estadounidense.
En 1993, la banda graba The Spaghetti Incident?, y en 1994 la versión de «Sympathy for the Devil» para la películaEntrevista con el vampiro. Además de los cuantiosos problemas con Axl Rose, este despide a Gilby Clarke y contrata a Paul Huge, que sobregraba los solos que había hecho Slash sin tomar en cuenta al resto de la banda.
Slash abandona definitivamente Guns N' Roses el 30 de noviembre de 1996 después de declarar que no podía trabajar con Rose y que no le gustaba la forma en la que los trataba a él y al resto de la banda. Había grandes diferencias en la dirección musical entre Slash, que por una parte quería más protagonismo, y Axl, que intentaba llenar el espacio dejado por Izzy Stradlin eligiendo el mismo a guitarristas de reemplazo sin consultar al resto del grupo.

Slash's Snakepit
Artículo principal: Slash's Snakepit
Junto a dos compañeros de Guns: (Gilby Clarke y Matt Sorum), el bajista de Alice In Chains Mike Inez, y el cantante Eric Dover, forma Slash's Snakepit, y en 1995lanza el disco It's Five O'Clock Somewhere. Este nombre fue dado al álbum debido a una anécdota, en esta Slash quería conseguir whisky pero no se podía vender alcohol hasta las cinco de la tarde. Luego de buscar, un camarero le dijo : "It's five O'Clock Somewhere" (Son las cinco de la tarde en algún lado) y se lo vendió. De ahí salió el nombre. El disco no obtuvo el éxito que realmente merecía debido a que el hard rock había perdido fuerza en el panorama musical frente al grunge.
En octubre de 2000, Slash's Snakepit publica el álbum Ain't Life Grand, con una formación totalmente distinta a la del primer disco de la banda. Para promocionarlo, Slash se embarcó en un extenso tour durante el verano con AC/DC.

Con Slash´s Blues Ball

Slash's Blues Ball fue un banda de covers de blues, creada por Slash. El grupo hizo giras por todo el mundo, tocando temas de blues hasta finales de los 90's, cuando Slash decidió volver a grabar con Slash's Snakepit.
Este proyecto, estuvo formado desde el principio, con los mismos integrantes: Slash (en la guitarra), Teddy Andreadis (en voz, armónica y órgano), Johnny Griparic (en el bajo), Alvino Bennet (en la batería), Bobby Schneck (en la guitarra de acompañamiento), y Dave McClarem (en el saxofón).
En 1995, el grupo fue a tocar en el "festival de la isla" (Sziget Festival), en la isla Obuda. Tocaron frente a 206,000 personas, junto a Iggy Pop, Sonic Youth, Stone Roses, Prodigy y otros músicos variados.
Los dos años siguientes, estuvieron de gira, pero extrañamente nunca sacaron un álbum. Slash dijo, que disfrutó los grandes lugares y el tiempo que pasaba con sus fans, antes y después del show. Entre el repertorio de la banda, estaban temas como "Stone Free", "Born Under A Bad Sign", "Hoochie Coochie Man", "Suspicious" y algunos temas de Bob Dylan, como "Knockin' on Heaven's Door".
Al poco tiempo, Slash retomó otro proyecto, Slash's Snakepit, una banda que había formado años atrás.

Velvet Revolver
Velvet Revolver comenzó como "El proyecto", una iniciativa de Slash, Duff McKagan y Matt Sorum para encontrar un nuevo cantante. La segunda guitarra quedó a cargo de Dave Kushner (Le habían ofrecido el puesto a Izzy Stradlin, pero este no aceptó), quien había tocado con McKagan en la banda Loaded.
Por varios meses escucharon demos de potenciales cantantes (un proceso muy monótono que fue documentado en video), sin encontrar ninguno que los satisficiera por completo. Scott Weiland quería unirse a la banda desde hacía un tiempo, pero como todavía tocaba en Stone Temple Pilots no se lo permitieron. Hasta que la banda se separó definitivamente en el 2002 y Weiland fue aceptado.

Slash con Velvet Revolver 2004.
El primer álbum de la banda, Contraband, fue grabado a finales de 2003. Contraband fue lanzado en junio del 2004, alcanzando el puesto #1 en la lista Billboard de álbumes, #11 en las listas británicas y #2 en las australianas.
El segundo álbum titulado Libertad salió a la venta el 3 de julio de 2007. En su portada el disco tiene la reproducción de la imagen de un ángel rompiendo las cadenas, que aparecía en la moneda de 10 pesos que circuló en Chiledurante el régimen dictatorial del general Augusto Pinochet Ugarte.
El 1 de abril de 2008, Slash, Duff McKagan, Matt Sorum y Dave Kushner anunciaron que el vocalista Scott Weilandestaba despedido de la formación. "Esta banda está dedicada sólo a sus fans y a la música, y Weiland no está involucrado al 100%", dijo Slash. "Entre otras cosas, su cada vez más errático comportamiento en escena y sus problemas personales nos han forzado a movernos". Además, el guitarrista dijo que habrá un tercer álbum de la banda, pero que no sabía "ni cómo ni cuándo, pero que el núcleo de los cuatro músicos continuará".

Slash
Durante los meses de marzo a noviembre del 2009, Slash ha estado metido de lleno en la grabación de su primer álbum en solitario, Slash. Slash informa a sus fans de los pormenores de la grabación a través de Twitter[1] y Facebook[2]. Este disco contará con la participación de numerosas estrellas entre las cuales figuran Iggy Pop, Steven Tyler de Aerosmith, Dave Grohl (Foo Fighters), Chris Cornell (Soundgarden), Ronnie Wood (Rolling Stones), Alice Cooper, Fergie de Black Eyed Peas, Ozzy Osbourne, Lemmy de Motörhead,M.Shadows de Avenged Sevenfold, Nicole Scherzinger, Adam Levine (Maroon 5), Travis Barker, Josh Freese, Flea de Red Hot Chili Peppers y también el antiguo baterista de Guns N' Roses y amigo de infancia Steven Adler que tocará en uno de los temas.2 También han participado los antiguos miembros de Guns N' RosesIzzy Stradlin y Duff McKagan.
Un primer single titulado "Sahara" con Kōshi Inaba de cantante salió en Japón el 11 de noviembre de 2009. La cara B de este single es una versión de "Paradise City" con Fergie y Cypress Hill. El segundo single será interpretado por Ozzy Osbourne que salió en febrero de 2010 en todo el mundo.3
El álbum de Slash salió a la venta en marzo del 2010. Para este trabajo, Slash eligió de entre muchos músicos a Myles Kennedy (Alter Bridge) para que fuera su vocalista en la gira promocional de dicho álbum. Kennedy también participó en dos de los temas del álbum llamados "Starlight" y "Back Form Cali". Cabe destacar que Slash eligió a Kennedy por el impresionante desempeño que ha llevado hasta ahora en su carrera como vocalista de Alter Bridge, decisión de la cual sus

En Slash
Durante meses desde marzo a noviembre del 2009, Slash estuvo metido de lleno en la grabación de su primer álbum en solitario,que primeramente se llamaria Slash and Friend pero luego quedo en simplemente Slash. Slash ha estado muy comprometido con sus fans informandonos de los pormenores de la grabación y detalles del album a través de Twitter y Facebook. Este disco cuenta con la participación de numerosas estrellas entre las cuales figuran:
1. Ian Astbury en "Ghost"
2. Ozzy Osbourne en "Crucify the Dead"
3. Fergie en "Beautiful Dangerous"
4. Myles Kennedy en "Back from Cali"
5. Chris Cornell en "Promise"
6. Andrew Stockdale en "By the Sword"
7. Adam Levine en "Gotten"
8. Lemmy Kilmister en "Doctor Alibi"
9. Dave Grohl & Duff McKagan en "Watch This/Watch This Dave*"
10. Kid Rock en "I Hold On"
11. M. Shadows en "Nothing to Say"
12. Myles Kennedy en "Starlight"
13. Rocco DeLuca en "Saint Is a Sinner Too"
14. Iggy Pop en "We're All Gonna Die"
15. Nick Oliveri en "Chains and Shackles"
16. Fergie & Cypress Hill "Paradise City"
Salio el 11 de noviembre del 2009 un primer single titulado "Sahara" con Kōshi Inaba de cantante salió en Japón. La cara B de este single es una versión de "Paradise City" con Fergie y Cypress Hill. El segundo single es interpretado por Ozzy Osbourne y salio en febrero de 2010 en todo el mundo. El álbum de Slash salio a la venta en marzo del 2010.

Colaboraciones
Slash ha tocado con Michael Jackson, Brian May, Travis Barker, Bob Dylan, Iggy Pop, Lenny Kravitz, Chester Bennington, Queen,Steven Tyler, Joe Perry, Chris Daughtry, Ozzy Osbourne, Zakk Wylde, Alex Blaze, Elán, Jerry Lee Lewis, Carole King... También colaboró con las bandas Alice Cooper, Ozzy Osbourne, Rolling Stones, Motörhead, Avenged Sevenfold, entre otros.
En abril de 1992, Slash participó en el concierto en tributo a Freddie Mercury, en honor al fallecido un año antes del líder de Queen, interpretando el tema «Tie your mother down» junto a Brian May y Joe Elliott.
También realizó canciones junto a artistas hispanos como Mercedes Sosa, Paulina Rubio y la cantante de pop español, Marta Sánchez junto a la cual hizo un tema para el disco Azabache de la española y juntos realizaron un tema para la banda sonora de una película producida por Quentin Tarantino, Curdled.

Slash con the Nightwatchmen 2008.
En el 2007 colaboró con Paulina Rubio en la canción "Nada Puede Cambiarme", donde Slash aparece tocando un solo de salida de dicha canción.
Recientemente colaboró en un concierto con la cantante de Black Eyed Peas Fergie, tocando canciones como Barracuda (canción que incluye el juego Guitar Hero III en el cual colabora Slash) y «Sweet Child O' Mine» (canción original de Guns N' Roses).
En el 2009, Slash aparece en la canción "Rockstar 101" del álbum de Rihanna, Rated R. El 7 de noviembre aparece en los premios EMA de MTV presentando la categoría de mejor presentación en vivo.
Además de su reciente participación junto a los Black Eyed Peas, en el Super Bowl XLV en Febrero del 2011. InterpretóSweet Child O' Mine junto con Fergie. Tambien colaboro en la pelicula "Sid & Nancy" como Punk Rocker (papel secundario)

Equipamiento
Guitarras
Gibson Les Paul - 1959
Gibson les paul standard
Gibson les paul custom - 1959
Gibson Signature - 2004
Gibson Melody Makers - 1963 - 1965
Gibson SG - 1959
Gibson EDS-1275
Gibson Flying V - 1959
Gibson Explorer - 1958
Gibson HD.6x-Pro Digital Les Paul - 2006
ES-335
Firebird VII
J-100
Fender Telecaster - 1952
Fender Stratocaster - 1956
Fender Stratocaster - 1965
Fender Jazzmaster - 2006
Ernie Ball/Musicman Silhouette
Guild 12-string Acoustic Guitar
B.C. Rich Mockingbird
B.C. Rich 10-string Bich
Martin D-28 Acoustic Guitar
Travis Bean Travis Bean Electric
First Act GarageMaster - 2006
Gibson Les Paul Robot - 2010
Amplificadores
Slash es el primer músico en tener una línea de amplificadores creada por Marshall.
Dunlop DCR-1SR Cry Baby Rackmount Wah Wah
Rocktron Hush II CX (noise gate)
DBX 166 Compressor
Yamaha SPX 900 Multieffect
Boss DD-3 Delay
MXR 10-band graphic EQ
Heil Talkbox
Cuerdas
Ernie Ball Slinky R.P.S gauge 0.11, 0.14, 0.18, 0.28, 0.38, 0.48
Pastillas
Seymour Duncan Alnico II Pro
Púas
Dunlop Purple Tortex (1.14 mm)
Misceláneo
Shure Wireless Guitar Kit
CAE custom switcher/router
Peterson Strobe tuner (usada por Adam Day)
Nady 950-gt Wireless Guitar System (usado en Guns N' Roses)
Monster cables
Efectos
Slash recientemente colaboró con Dunlop en su primer pedal signature: "The Slash Wah". Es un pedal híbrido Crybaby wah/distorsión.
Se le vio en una de sus presentaciones en vivo utilizando una BOSS GT3 EFFECTS PROCESSOR.
Pedal Cry Baby Wah-Wah
Slash esta utilizando actualmente un mxr smartgate, un digital delay de booss, un tremolo mxr, un stereo chorus mxr, un afinador de piso korg pitchblack, un whirlwind selector a/b pedal, un mxr boost line driver, un blue box mxr, el famosisimo phase 90 mxr, un mxr kfk y por ultimo el cry baby slash signature wah wah. todo esto conectado a traves de 2 voodoo lab pedal power 2 plus.

Discografía
Guns N' Roses
1986: Live Like A Suicide (UZI Suicide).
1987: Appetite for Destruction (Geffen).
1988: G N' R Lies (Geffen).
1991: Use Your Illusion I (Geffen).
1991: Use Your Illusion II (Geffen).
1993: The Spaghetti Incident? (Geffen).
1999: Live Era: '87-'93 (Geffen).
2004: Greatest Hits (Geffen).
Slash's Snakepit
1995: It's Five O'Clock Somewhere (Geffen).
2000: Ain't Life Grand (Koch Records).
Velvet Revolver
2004: Contraband (RCA Records).
2007: Libertad (RCA Records).
Álbum en solitario
2010: Slash (Roadrunner Records).
2010: Live in Manchester (Dik Hayd International).

Bonnie Raitt

2011-04-19T02:11:00.000-07:00

Bonnie Lynn Raitt, (8 de noviembre de 1949, Burbank (California), Estados Unidos) es una cantante y guitarrista de Blues y R&B, hija de la estrella de musicales de Broadway John Raitt.
Raitt comenzó a tocar la guitarra a una edad muy temprana, algo que no hacían muchas de sus amigas del colegio. Más tarde se hizo famosa por su estilo de tocar la guitarra con slide.

Etapa previa a las grabaciones
En 1967, Raitt continuó su carrera entrando en el Radcliffe College para estudiar una licenciatura en estudios africanos.
Un día un amigo le dijo que el productor de blues Dick Waterman daba una entrevista en la WHRB, la emisora del Harvard College. Raitt fue a verlo, y rápidamente se hicieron amigos. Cuando Waterman se trasladó a Philadelphia con sus músicos y amigos, Bonnie Raitt estaba entre ellos formando una parte muy activa. Por entonces tocaba folk y R&B en clubs de Boston, llegando a tocar junto a figuras como Howlin' Wolf, Sippie Wallace, y Mississippi Fred McDowell, todos conocidos a través de Waterman

Contrato con Warner Bros.
En los últimos años de los 70, un periodista del NewsWeek Magazine la vio en concierto junto a Fred McDowell, y numerosos cazatalentos empezaron a frecuentar sus actuaciones. Finalmente aceptó una oferta con la Warner Bros., quienes le dieron la oportunidad de sacar su primer disco homónimo. Fue una de las primeras mujeres en ser reconocidas como gran guitarrista, sobre todo por su técnica de slide. en 1972 sacó un nuevo disco, Give It Up, intentando mejorar el modesto éxito que tuvo el anterior. Aunque tuvo buenas críticas, el éxito comercial tardaba en llegar, y lo mismo pasó con su tercer álbum Takin' My Time. A pesar de llegar a tener un titular en la revista Rolling Stone incluso, Bonnie Raitt decidió experimentar con nuevos sonidos para su nuevo álbum Streetlights de 1974, y tomó un nuevo estilo mas blues en 1975 con su disco Home Plate. Realizó una colaboración en el disco homónimo de Warren Zevon con amigos como Jackson Browne, Lindsey Buckingham y Stevie Nicks.
En 1977 publica Sweet Forgiveness, que le da su escape al éxito comercial con un éxito llamado Runaway, versión de Del Shannon. Esta versión llamó la atención de Columbia Records, que comenzó las negociaciones con Warner Bros. Tras la gran expectación de su nuevo álbum The Glow, pero tuvo modestas ventas y peores críticas. Comenzó a oírse su nombre cuanco colaboró en la organización de los 5 conciertos de MUSE (Músicos unidos para el ahorro energético) en el Madison Square Garden. Hasta 1982 no lanzó su siguiente álbum, Green Light, que tuvo un gran éxito para la crítica pero seguía sin convencer al gran público, con lo que Warner decidió terminar el contrato.

Adiós a Warner Bros.
En 1983, Warner Bros hizo una criba de artistas, entre los que cayeron Van Morrison, Arlo Guthrie y Bonnie Raitt. Por entonces, ella estaba trabajando en un nuevo álbum titulado Tonge & Groove, y la falta de apoyo para terminarlo la empujó a caer en la adicción del alcohol y las drogas.
Aparte de sus problemas personales y profesionales, Raitt continuaba de gira y participaba activamente en la política internacional. En 1985 cantó junto a multitud de artisas en el video de Sun City que se dedicó a la lucha contra el apartheid. También colaboró en el Farm Aid, en muchos conciertos de Amnistía Internacional y en el concierto sovietico/americano de Moscú por la Paz, emitido por televisión. Junto a Don Henley, Herbie Hancock y Holly Near colaboró en el concierto contra el SIDA de 1987.
Dos años más tarde de que fuera despedida de Warner Bros., le notifican que tienen planes de lanzar su disco, con el título de Nine Lives. Su éxito fue nulo, tanto para crítica como para el público. A finales de 1987 se unió a k.d. lang y a Jennifer Warnes para un epecial de Roy Orbison para televisión. Por entonces Raitt ya estaba desintoxicada y sobria, dicen que gracias a Stevie Ray Vaughan. A punto estuvo de firmar para Paisley Park, cuando recibió una suculenta oferta de Capitol Records. Su primera aportación fue una versión de Baby Mine, de Dumbo, para un recopilatorio tributo a Disney, y comenzó a trabajar en nuevo material.
En su décimo álbum, Nick of Time, consiguió colocar un número 1 en las listas americanas y ganó 3 Grammys, mientras ganaba un cuarto por su dueto con John Lee Hooker en la canción In the Mood. Su siguiente álbum Luck of the Draw ganó 3 Grammys más, y dio una de las mejores baladas de todos los tiempos, "I Can't Make You Love Me". Un nuevo álbum en 1994 llamado Longing in Their Hearts le dio dos nuevos Grammys, llegando incluso al disco de platino las ventas. Terminó la década de los 90 con su disco Fundamental.

Discografía
Bonnie Raitt (1971)
Give It Up (1972) #138 US
Takin' My Time (1973) #87 US
Streetlights (1974) #80 US
Home Plate (1975) #43 US
Sweet Forgiveness (1977) #25 US
The Glow (1979) #30 US
Green Light (1982) #38 US
Nine Lives (1986) #115 US
Nick of Time (1989) #1 US, #51 UK
Luck of the Draw (1991) #2 US, #38 UK
Longing in Their Hearts (1994) #1 US, #26 UK
Road Tested (1995) #44 US, #69 UK
Fundamental (1998) #17 US, #52 UK
Silver Lining (2002) #13 US
Souls Alike (2005) #19 US

Información: Wikipedia

Willie Nelson

2011-04-10T04:23:00.000-07:00

Willie Hugh Nelson (Abbott, Texas, 30 de abril de 1933) es un compositor, letrista, cantante y guitarrista estadounidense de música country, que se hizo célebre como representante del llamado movimiento outlaw country durante los años 70.

Comienzos
Tras el divorcio de sus padres, Willie y su hermana Bobbie fueron educados por sus abuelos. Se interesaron muy pronto por la música, y, con otro amigo, llegaron a formar un grupo, los Bohemian Fiddlers, mientras Willie estudiaba todavía en el instituto.
Acabados los estudios, se enroló en la Fuerza Aérea, pero tuvo que abandonarla por problemas de espalda. Asistió a clases durante un año en la Universidad de Baylor, pero abandonó los estudios y encontró trabajo ejecutando música country en una emisora de Fort Worth, al tiempo que cantaba en bares honky-tonk. En 1956 se trasladó a Vancouver, en el estado de Washington, donde comenzó su carrera musical grabando el tema Lumberjack, compuesto por Leon Payne. El sencillo fue un éxito de ventas, pero Nelson no logró iniciar una sólida carrera musical, y continuó trabajando en la radio y cantando en clubes. Vendió, por cincuenta dólares, una canción compuesta por él, titulada Family Bible, que fue un éxito en la versión de Claude Gray y desde entonces ha sido interpretada por numerosos músicos y es considerada un clásico del gospel.

Escritor de canciones
Se trasladó al estado de Tennessee, pero no logró ningún contrato discográfico, aunque sí un contrato publicitario con Pamper Music. Cuando Ray Price grabó su tema Night Life (tal vez la canción country más veces versioneada), se unió al grupo de Price para su gira como bajista. Mientras tocaba con Ray Price and the Cherokee Cowboys, muchas de las canciones de Nelson fueron éxitos en las voces de otros intérpretes country, entre ellas Funny How Time Slips Away (interpretada por Billy Walker), Hello Walls (por Faron Young), Pretty Paper (por Roy Orbison) y, sobre todo, Crazy (por Patsy Cline), canción que mucho después versionaría Julio Iglesias. Firmó por Liberty Records en 1961 y editó varios singles, entre ellos Willingly (con su esposa, Shirley Collie) y Touch Me.
Tampoco entonces fue capaz de iniciar una sólida carrera musical. Sus grabaciones de la época durante la que fue compositor para Pamper Music fueron posteriormente editadas como Crazy: The Demo Sessions (2003). Su vida personal durante este período fue bastante agitada, por decirlo suavemente. Tuvo problemas de alcoholismo, faltó varias veces a su trabajo y fue condenado por tenencia de armas.

En Austin (Texas)
En 1965, Nelson fue contratado por RCA Victor Records y se unió al Grand Ole Opry. Siguieron una serie de éxitos menores. Decepcionado por el negocio musical, que trataba de ahormar su impulso creativo, se retiró a la ciudad de Austin, en Texas. Pronto se vio envuelto en los ambientes musicales hippies (ver Armadillo World Headquarters) y decidió regresar a la música. En Austin alcanzó gran popularidad, ya que interpretaba un estilo de country muy personal, con influencias del rock and roll, el jazz, el western swing y el folk.

El estilo Outlaw Country
Con Atlantic Records, Nelson grabó Shotgun Willie (1973), muy bien recibido por la crítica, pero escasamente vendido. Phases and Stages (1974), un álbum conceptual inspirado por su divorcio, incluía el éxito Bloody Mary Morning. Más tarde fichó por Columbia Records, donde se le dio pleno control creativo sobre su obra. El resultado fue un álbum inmensamente popular y unánimemente aclamado por la crítica, Red Headed Stranger (1975). Aunque Columbia puso al principio dificultades para editar un disco con una guitarra y un piano por todo acompañamiento, Nelson insistió (con ayuda de Waylon Jennings) y el álbum fue un gran éxito, en parte a causa de la inclusión en él de una popular versión del tema Blue Eyes Crying in the Rain (compuesto por Fred Rose en 1945).
Junto a Nelson, Waylon Jennings alcanzó también un gran éxito en el mundo del country a comienzos de los 70, y pronto se acuñó la etiqueta outlaw country para definir el tipo de música que ambos practicaban. El término «outlaw» («proscrito») hacía referencia a que su música no se ajustaba a los cánones de Nashville. Esta imagen de proscrito de Nelson se afianzó con su siguiente álbum, Wanted: The Outlaws! (1976, junto a Waylon Jennings, Jessie Kennings y Tompall Glaser), el primer álbum country en convertirse en Disco de Platino. Nelson continuó copando las listas con canciones de éxito durante la segunda mitad de la década. Entre estos éxitos destacan Good Hearted Woman (a dúo con Jennings), Remember Me, If You've Got the Money I've Got the Time, Uncloudy Day, I Love You a Thousand Ways y Something to Brag About (dúo con Mary Kay Place).
En 1978, Nelson grabó dos nuevos álbumes que serían también discos de platino: Waylon and Willie (una colaboración con Jennings que incluye una de las canciones más características de este último, Mammas Don't Let Your Babies Grow Up to Be Cowboys) y Stardust, un inusual disco de standards o clásicos interpretados a la guitarra, producido por Booker T. Jones. Aunque la mayor parte de los críticos predijeron que Stardust acabaría con su carrera musical, terminó siendo una de sus más exitosas grabaciones.

Carrera como actor
Nelson empezó también una carrera como actor. Apareció en El jinete eléctrico (1979), y fue el protagonista de varias producciones, como Honeysuckle Rose (1980), Barbarosa (1982), Red-Headed Stranger (1986, con Morgan Fairchild), Wag the Dog (1997), Gone Fishin (1997), en el papel de Billy 'Catch' Pooler, y el telefilme de 1986 Stagecoach (junto a Johnny Cash, Waylon Jennings y Kris Kristofferson, con quienes formaría un grupo llamado The Highwaymen).
Después de esto, Nelson ha continuado trabajando como actor, pero generalmente solo en pequeños papeles y cameos. En la serie Monk en el episodio "El Sr. Monk y el forastero pelirrojo" actúa de si mismo (2002). En Half Baked, película en la que interpreta a un anciano «fumador histórico» que, mientras fuma marihuana, recuerda lo que solía hacer en su juventud; Nelson apareció también en la película de 2006 Beerfest, en el que busca compañeros de equipo para un imaginario campeonato del mundo de fumadores de marihuana que tiene lugar en Ámsterdam. Ha hecho también apariciones como estrella invitada en varias series de televisión, como Corrupción en Miami, Delta, Nash Bridges, Los Simpson y El rey de la colina. Interpretó a "tío Jesse" en la película The Dukes of Hazzard, versión cinematográfica (protagonizada por Jessica Simpson) de una serie de televisión, y colaboró con esta actriz en su video musical. Retomó el papel para la segunda parte de la película, The Dukes of Hazzard: The Beginning (2007).

De los años 80 a la actualidad
Durante los 80s de 1900 publicó una serie de singles de éxito: Always on My Mind (tema antes popularizado por Elvis Presley y Pet Shop Boys), On the Road Again, de la película Honeysuckle Rose, y To All the Girls I've Loved Before, un dúo con Julio Iglesias que obtuvo notable éxito y ayudó a impulsar la carrera de Julio en EE. UU.. Según el propio Julio, esta canción sigue siendo una de las más tocadas en las máquinas Jukebox (tocadiscos de monedas). También editó Nelson algunos álbumes más populares, como Pancho and Lefty (1982, en colaboración con Merle Haggard), WWII (1982, con Waylon Jennings) y Take it to the Limit (1983, también con Jennings).
A mediados de la década, Nelson, Waylon Jennings, Kris Kristofferson y Johnny Cash formaron un grupo llamado The Highwaymen, que tuvo un éxito inesperado, con ventas masivas y giras mundiales. Por la misma época, se implicó en obras de caridad, como la creación de los conciertos Farm Aid, en ayuda de los granjeros, en 1985.
En 2004 grabó un tema de Bob Dylan, He Was a Friend of Mine, para la BSO de la multipremiada película Brokeback Mountain; dicha grabación ha de tomarse como muy audaz por sus connotaciones gay, ya que por contexto, la «amistad» descrita en la letra adopta el componente amoroso homosexual de la película. En 2006, Nelson colaboró con la ya mencionada Jessica Simpson tocando la guitarra en una nueva versión de la canción These Boots Are Made for Walkin', para la película The Dukes of Hazzard en la que ambos participaron. Esta canción es un antiguo éxito de Nancy Sinatra.
En 2008 se publica el disco conjunto Two Men With The Blues, grabado en directo en dos sesiones ofrecidas en el Lincoln Center de Nueva York , durante los días 12 y 13 de enero de 2007, junto con uno de los intérpretes de jazz más importantes de Estados Unidos, Wynton Marsalis. Se trata de un disco histórico, pues resulta significativa y difícil la reunión de dos de los principales iconos de la música americana actuales. En esta grabación se escuchan los sonidos de Nueva Orleans, Nashville, Austin y Nueva York, en la forma de estándares de jazz y blues. En 2009 protagoniza el videoclip de Enrique Bunbury “Porque las cosas cambian” del disco Hellville de Luxe (EMI, 2008), simulando a dicho artista español en el futuro.
Habría que destacar su involucración en la ecología y la agricultura natural, el cáñamo y los combustibles no fósiles y de origen vegetal. Llegó a crear su propia compañía de Bio-diésel y procura circular con autos impulsados por esta opción ecológica.

Información: Wikipedia

Earth, Wind & Fire

2011-03-15T02:41:00.000-07:00

Earth, Wind & Fire fue una de las bandas funk con el sonido más acabado, respetada por la crítica y de las más exitosas en lo comercial. Lo que hizo única a esta banda fue, por una parte la concepción que tuvo el baterista, compositor, cantante y líder de la banda, Maurice White. Earth, Wind and Fire era una fusión de energías en la que confluían su esencia funk con elementos de otros ritmos como el jazz, soul, gospel, pop, blues, psicodelia, folk, música africana y del rock and roll.

Sumada a la riqueza musical estaba la voz de Philip Bailey, detrás de la cual la banda armonizaba como el mejor de los grupos Motown, con la intensidad de James Brown o la improvisación de un grupo de jazz fusión. Además, sus presentaciones en el escenario eran elaboradas y trepidantes. El motor de la versatilidad de Earth, Wind and Fire era el mismo eclecticismo que unía a la banda. Era una diversidad impulsada por una creencia espiritual amplia que se manifestaba en un conjunto de pensamientos positivos.

El elemento que servía de unión a todos estos elementos era la composición de Maurice White. Sólido, impredecible con los arreglos, inteligente con los ganchos y estructurado en la unión de los instrumentos, hizo de Earth, Wind and Fire la banda más impecable del funk. Si bien es cierto no todo lo que grabaron fue un éxito, lo correcto es que ellos fueron los primeros en amarrar todos los ritmos que les habían precedido y los convirtieron en un espectáculo impresionante.

Maurice White empezó en la música a inicios de los sesenta como baterista de sesión en Chess Records, tocando para artistas como Fontella Bass, Billy Stewart, y Etta James. Más tarde, en 1967, entró como el baterista del grupo de jazz “Ramsey Lewis Trio” donde apredió a tocar la kalimba, un piano africano, que luego usaría a lo largo de toda su carrera.En 1969, dejó el grupo de Lewis y se unió al teclista Don Whitehead y al cantante Wade Flemons para juntos dedicarse a componer para otros artistas. Sin embargo, rápidamente se convirtieron en un grupo llamado “Salty Peppers” y firmaron un contrato con Capitol Records que les permitió colocar un sencillo llamado “La La Time” y que se convirtió en un éxito en la región de Chicago.Cuando la siguiente canción salió a la venta, White decidió mudarse a Los Ángeles, se llevó a casi todo el grupo con él y lo rebautizó como Earth, Wind and Fire, inspirado en los tres elementos que están en su carta astral.

En 1970 cuando White logró convencer a su hermano, el bajista Verdine White, de reunirse con el grupo radicado en Los Ángeles, sus integrantes incluían a la cantante Sherry Scott, al guitarrista Michael Beal, al saxofonista Chet Washington, Alex Thomas en los tambores y en la percusión a Yackov Ben Israel, además de los originales Whitehead y Flemons.Esta formación firmó un acuerdo con Warner Brothers y a finales de 1970 lanzó su primer álbum que llevaba el nombre de la agrupación. La recepción de la crítica fue cauta y positiva, sobre todo por que fue tomada con la guardia baja por lo ambicioso del proyecto. La misma recepción tuvo el segundo LP, “The Need of Love”. Sin embargo, en lo comercial los discos no despegaron a pesar de la cantidad de gente que los empezaba a seguir, mayormente en las universidades.

Con al crítica a su favor, pero con las ventas en terreno áspero White decidió desmantelar la primera versión de Earth, Wind and Fire en 1972. Junto a su hermano Verdine rearmó el grupo esta vez con la vocalista Jessica Cleaves, Ronnie Laws en el sax, Roland Bautista en la guitarra, en las teclas Larry Dunn y en la percusión Ralph Johnston. Pero la adición más importante fue la del cantante Philip Bailey.

Al final del 72 Laws y Bautista se habían ido en su lugar entraron Andrew Woolfolk y los dos guitarristas Al McKay y Johnny Graham. Ahora Earth, Wind and Fire estaba completo y listo para empezar su carrera en el estrellato musical.

En 1973 pusieron a la venta “Head to the Sky”, que si bien no fue un éxito en ventas, ayudó a agrandar la base de seguidores del grupo. El siguiente disco “Open Our Eyes” de 1974 fue su primer éxito. Resultado de la colaboración con el productor Charles Stepney, el disco tenía un estilo musical más claro y comercial.

"Mighty Mighty", extraído de ese LP se convirtió en el primer Top Ten en las listas R&B que lograría Earth Wind and Fire. Aunque las emisoras pop la hicieron a un lado por las reivindicaciones para la raza negra que contenía el tema, la influencia musical de Maurice White se hizo sentir en la radio y el álbum se convirtió en disco de oro.

En 1975 todo estaba listo para que Earth, Wind and Fire barriera con todo. El grupo se encargó de componer la banda de sonido de la película “That’s the Way of the World”. Previendo que la película no sería un éxito de taquilla, Maurice White decidió lanzar el disco antes de la aparición de la película. Aunque el filme fue un fracaso, el disco despegó impulsado por la balada “Shining Star” que fue número uno en las listas R&B y pop, además de llevarse el Grammy por la mejor interpretación R&B.

El álbum también coronó ambas listas y vendió hasta convertirse en doble platino. El dinero que recibieron se transformó en la extravagancia que dominaba todos sus espectáculos. Además se incluyó una sección de vientos más pesada con la agrupación “The Phoenix Horns”. El frenesí de sus presentaciones en vivo se registró en el doble LP “Gratitude” que llegó sin inconvenientes al número uno de los discos más vendidos.

Información: radiodos.com